A 11 piedi di altezza, si erge - torri, davvero - sopra lo spettatore. Un tripudio di colori esplode da una cornice a forma di piramide appesa a cestini rossi, verdi, blu e arancioni realizzati con spille di sicurezza in rilievo. Sotto di loro si trova un manichino senza volto coperto dalla testa ai piedi in un body nero e fucsia.
In cima, la pièce de résistance: un coniglietto di cartapesta, accentuato in rosa zucchero filato, con occhi da cartone animato e un sorriso vago, leggermente snervante. Il coniglio tiene un uovo, con il messaggio "Buona Pasqua".
Coloro che hanno familiarità con il lavoro dell'artista Nick Cave riconosceranno rapidamente questo lavoro del 2009 come una delle sue "tute sonore", e qui giace una vasta saga di decenni di sculture indossabili realizzate con oggetti trovati.
Il pezzo, attualmente in mostra al museo di Hirshhorn, è un favorito perenne tra i visitatori. "È divertente, è un po 'divertente, è esagerato ed è qualcosa a cui le persone possono relazionarsi", afferma la curatrice Evelyn Hankins. “Ma penso che ciò che è così interessante nel lavoro di Cave sia che queste tute sonore debbano essere indossate. Sono performativi. "
Cave, un nativo del Missouri che ora è presidente del dipartimento di moda della School of the Art Institute di Chicago, ha studiato arte e danza da giovane. Ha conseguito l'MFA presso la Cranbrook Academy of Art nel Michigan nel 1989, ma ha anche trascorso del tempo a New York, studiando con l'Alvin Ailey American Dance Theater.
Sulla scia del pestaggio di Rodney King nel 1991, Cave un giorno si ritrovò nel parco, "sentendosi scartato e licenziato" come un maschio afroamericano. Si chinò e raccolse un ramoscello da terra, e poi un altro, fissandoli insieme in quello che ha descritto come uno sforzo per proteggere la propria identità dal mondo esterno.
Fu solo quando una forma iniziò a prendere forma che l'idea del movimento gli venne in mente. "In realtà stavo costruendo una scultura", dice. “E poi ho capito che potevo indossarlo, e che indossandolo e muovendolo, c'era suono. Quindi, questo mi ha portato a pensare a [come] per essere ascoltato, hai dovuto parlare più forte, quindi è entrato in gioco il ruolo della protesta. È così che si sono evoluti i Soundsuits. ”
Da allora, Cave ha prodotto più di 500 tute sonore acclamate in una gamma vertiginosa di materiali e silhouette. I lavori hanno portato a numerose esibizioni pubbliche, tra cui Heard Ÿ NY del 2013 al Grand Central Terminal.
Le tute sonore si sono evolute nel corso dei decenni, ma i loro principi fondamentali rimangono invariati. Tutti sono costruiti da oggetti trovati o scartati; nascondono tutti gli indicatori di razza, genere o classe; e sono pensati per essere indossati durante le esibizioni, o almeno per suggerire l' idea di esibirsi, come nel caso del pezzo all'Hirshhorn.
Gli artisti hanno utilizzato materiali trovati nelle loro opere sin dall'inizio del XX secolo, quando Pablo Picasso, Georges Braque e altri hanno iniziato a incorporare ritagli di giornale e altri oggetti quotidiani nelle loro sculture, collage e assemblaggi. Cave continua in questa vena, favorendo di recente oggetti artigianali vintage, che proviene dai mercati dell'antiquariato in tutto il paese e a livello internazionale.
"Non sono materiali artistici tradizionali, sono decisamente materiali artigianali", afferma Hankins. "Di solito non trovi grandi coniglietti pasquali nelle gallerie d'arte."
A quanto pare, è stato il coniglietto pasquale - non uno schizzo o un progetto - a fungere da istigatore per questo particolare pezzo. “Ho adorato questo tipo di riferimento a un periodo particolare della mia educazione da bambino e con i miei sette fratelli e il fatto di essere vestito a Pasqua e di avere queste incredibili, scandalose cacce di Pasqua nella fattoria ... Ma sentendomi in quel momento da bambino che eri autentico e che eri adorabile e bello perché è quello che ti è stato detto. "
Il processo di Cave è altamente intuitivo e dice che una volta deciso di posizionare il coniglietto in cima alla scultura, il pezzo iniziò davvero a prendere forma. Mentre progrediva, ha raccolto nuovi livelli di significato, evocando idee di primavera e rinascita, rituale di sepoltura africano, ritmo, identità, arte alta e bassa, colore, movimento e, naturalmente, suono.
Nelle mani di Cave, gli oggetti sono apprezzati tanto per la nostalgia che suscitano quanto per il loro potenziale da rimuovere dal loro contesto originale. Non ci si aspetta di vedere ramoscelli, fabbricanti di rumori, statuette di uccelli in porcellana o coniglietti pasquali in un museo, ma quando viene presentato come parte di una Soundsuit, lo spettatore immagina i materiali che ondeggiano, tintinnano, frusciano o tintinnano insieme in modo sorprendente. Questi oggetti, che altrimenti verrebbero scartati come "arte bassa", producono un'esperienza sensoriale completamente nuova.
La Soundsuit di Hirshhorn è attualmente in mostra in "At the Hub of Things", la mostra del 40 ° anniversario del museo. Hankins afferma che lei e la co-curatrice Melissa Ho hanno deciso di organizzare lo spettacolo raggruppando artisti di diversi periodi attorno a temi sciolti. The Soundsuit condivide una galleria con opere di Christo, Claes Oldenberg e Isa Genzken. L'opera più antica è la diga di Robert Rauschenberg, una mietitrebbia del 1959 creata lo stesso anno in cui nacque Cave.
"Naturalmente Rauschenberg era famoso per aver parlato di voler colmare il divario tra arte e vita - o di lavorare tra i due", afferma Hankins. “Penso che una delle cose con cui i musei sono alle prese in questo momento sia come documentare e acquisire performance, che è per definizione un evento effimero. Come Rauschenberg ha colmato il divario tra arte e vita quotidiana, Cave colma il divario tra oggetti statici e performance. "
"Di solito non trovi grandi coniglietti pasquali nelle gallerie d'arte", afferma uno dei curatori di Hirshhorn. (Nick Cave 2009 Soundsuit, Museo Hirshhorn) Il lavoro di Cave potrebbe essere ricordato per aver costretto il mondo dell'arte a riconsiderare questa divisione, ma ciò che rende il suo lavoro così attraente è che tocca così tanti temi diversi. "Può parlare con collage e assemblaggio, può parlare con performance, può parlare con idee di autenticità e originalità, e il ruolo dell'artista e originalità nell'arte, e tutte queste altre cose", afferma Hankins. “E penso che questo sia uno dei motivi per cui Cave è così rispettato, è perché il lavoro - specialmente nel caso del nostro pezzo - all'inizio sembra che sia solo un po 'divertente e kitsch, ma in realtà è un impegno molto serio con questi vari temi e storia ".
Cave afferma di aver spesso visto spettatori impegnati in conversazioni animate sul suo lavoro. Questo è precisamente l'effetto a cui punta: “Voglio che lo spettatore sia in grado di guardare il lavoro e possiamo parlare di più cose. Ma non si basa solo su questo unico modo di pensare all'oggetto. Possiamo parlarne come un oggetto decorativo. Possiamo parlarne come una forma scultorea. Possiamo scomporlo e parlare di singoli pezzi nell'intero insieme. Possiamo parlare di modello. Possiamo parlare di colore. Possiamo parlare di ritmo, suono. Quindi diventa davvero più universale nel suo messaggio. "
Più di 20 anni dopo che Cave ha raccolto quel primo ramoscello, l'impeto emotivo per le tute sonore rimane più rilevante che mai. L'artista afferma che sta attualmente lavorando a una serie su Trayvon Martin per un prossimo spettacolo a Detroit. Dice che prevede anche di affrontare alcuni dei più recenti casi di profilazione razziale in luoghi come Ferguson e New York.
"Tutti questi incidenti accaduti nell'ultimo anno sono stati semplicemente scandalosi", afferma Cave. “A questo punto, sto lavorando per quello che mi sto lasciando alle spalle. Ma penso che questo lavoro non potrà mai finire. "
Guarda Nick Cave's Soundsuit, 2009 alla mostra di Hirshhorn "At the Hub of Things: New Views of the Collection", attualmente in mostra al terzo piano del museo. La mostra rivela una nuova prospettiva sulle partecipazioni di arte moderna e contemporanea del museo e mette in mostra i recenti rinnovamenti della galleria. In mostra sicuramente, la mostra comprende installazioni su larga scala di Spencer Finch, Robert Gober, Jannis Kounellis, Bruce Nauman ed Ernesto Neto, oltre a dipinti e sculture di Janine Antoni, Aligheiro e Boetti, Cai Guo-Qiang, Isa Genzken, Alfred Jensen e Brice Marden, tra gli altri.
