Cento anni dopo, il realismo teso di Edgar Degas è ancora affascinante

Nello spazio disadorno di uno studio di danza dal soffitto alto sono riuniti un gruppo di giovani ballerine in formazione. Rivestite in tutù bianchi a cascata e telai colorati, le ragazze sono variamente occupate. In primo piano, una ballerina che allunga la gamba o giocherella con il suo abito guarda in basso un compagno di classe seduto, i cui piedi sono spalancati in modo da apparire sul palco naturale ma che sembra stranamente grottesco nel suo apparente stato di svago. Accanto a lei sulla panca di legno scuro sono appoggiate una mezza dozzina di ballerine inutilizzate.

Dietro la ragazza seduta, al centro dell'immagine, la parte posteriore di una ballerina si proietta in aria mentre si piega per sistemare le proprie calzature. Più indietro, un paio di studenti vicino alla finestra si esercitano nella quinta posizione delle braccia; per il momento, almeno, non sono sincronizzati. Sulla parete posteriore, una fila di quattro ragazze si sta concentrando sul gioco di gambe. Dall'alto, altri due scendono nella scena attraverso una scala stretta, con le gambe l'unica parte visibile. È un momento di caos e dinamismo, uno che cattura tutta l'inevitabile imperfezione di una classe di danza infantile intenta a produrre alla fine ballerini perfetti.

Questo tableau, dipinto c. 1873, è la creazione dell'artista francese Edgar Degas, morto 100 anni fa questa settimana. Ospitato presso la National Gallery of Art di Washington, DC, "The Dance Class" funge da promemoria senza pretese del genio parigino.

"Queste sono donne vere", afferma Kimberley Jones, curatrice della National Gallery della pittura francese del XIX secolo. “Non sono solo la bella fantasia del palcoscenico. Degas ti ricorda sempre la realtà sotto l'impiallacciatura del glamour. ”

Sebbene cresciuto in una casa conservatrice dell'alta borghesia e estremamente ben versato negli stili idealistici degli antichi maestri - un giovane Degas trascorse ore a duplicare a mano famose opere d'arte del Louvre - il francese era sempre attratto dalla grinta della realtà. "È un realista, innanzitutto", afferma Jones.

L'attrazione di Degas per il balletto era solo naturale; sua madre, nata in America, era un'appassionata cantante lirica e instillò nel suo giovane un amore per l'opera prima della sua morte prematura. "Nel diciannovesimo secolo, il balletto faceva parte dell'opera", osserva Jones. “Ogni opera ha avuto questo tipo di interludio di danza. E penso che si sia incuriosito, vedendo quei ballerini. "

In particolare, Jones sottolinea il fascino di Degas per la tensione sopportata dai fisici dei ballerini, i rigori del loro allenamento e condizionamento, la lotta per innescare i loro corpi per lo spettacolo. "Mostra spettacoli [nei suoi dipinti]", afferma Jones, "e sono molto belli. Ma toglie anche molto al romanticismo. Ti mostra dietro le quinte. ”Degas è molto meno interessata alle nozioni di femminilità classica, sostiene, che al robusto atletismo di artisti allenati.

Questo tema riprende il lavoro equino di Degas. Regolare in pista, è stato affascinato dai corpi muscolosi di cavalli da corsa purosangue, pronti a entrare in azione in un attimo. "Vedere come quei puledri gangster sarebbero diventati questi incredibili atleti e queste creature di velocità ed eleganza" non ha mai fatto colpo, Jones afferma.

Rimproverato presto dagli arbitri d'arte del famoso salone francese, Degas decise di mettersi in contatto con i membri della scuola impressionista in erba, compagni di tradimento che avevano bisogno di contatti e spazi espositivi. Anche tra gli impressionisti, Degas si trovò presto un controverso valore erratico.

"C'è una certa ironia che pensiamo sempre a lui come a un impressionista", osserva Jones. “Odiava quel termine. Era molto esplicito al riguardo. ”Degas - che stava minuziosamente attento alla sua attenzione ai dettagli realistici, e che passava ore indicibili a rivedere e rivedere ciascuna delle sue tele - non apprezzava il minimo sforzo implicito dal termine“ Impressionismo ”. Il suo l'arte non era "qualcosa di spontaneo, disinteressato, messo insieme", afferma Jones. “Era molto meticoloso, riflessivo. E la grande citazione che ha detto è: 'Nessuna arte è meno spontanea della mia.' ”

Già una pecora nera agli occhi di alcuni impressionisti al tempo del loro spettacolo inaugurale nel 1874, Degas ha solo suscitato più controversie negli anni seguenti. Fervente nel suo desiderio di mettere in campo talenti di ampio respiro, Degas reclutò un certo numero di estranei di cui ammirava il lavoro, indipendentemente dal fatto che si fendesse o meno all'ideale impressionista. L'abbraccio di Degas di colleghi realisti come Jean-Louis Forain e Jean-Francois Raffaelli sollevò le sopracciglia nella cricca impressionista - molti temevano che l'identità artistica del movimento fosse diluita oltre ogni possibilità di riconoscimento.

L'americana Mary Cassatt è stata una delle invitate che Jones afferma essere in realtà "un'ottima scelta per il gruppo in generale". Degas aveva incontrato Cassatt per la prima volta nel suo studio a Monmartre, e ha scoperto che era stato immediatamente preso con il suo lavoro. "La prima volta che ha visto la sua arte", afferma Jones, ha osservato che "C'è qualcuno che si sente come me." Questo incontro iniziale, nel 1877, ha scatenato un'amicizia lunga decenni. Fu Degas a introdurre Cassatt (così come altri impressionisti come Camille Pissarro) nell'arte della stampa, che avrebbe continuato a padroneggiare in un modo che non aveva mai fatto.

Degas era anche responsabile di portare il dipinto di Paul Gaugin all'attenzione del mondo dell'arte. "Non penseresti a quei due insieme", afferma Jones, "eppure Degas ha riconosciuto che Gaugin aveva questo talento eccezionale, lo ha portato dentro e lo ha sostenuto." Cita come prova del loro legame affettuoso allusioni di Gaugin al lavoro di Degas in le sue scene. In "Still Life with Peonies" di Gaugin, ad esempio, una composizione pastello di Degas appare evidentemente sullo sfondo.

Mentre la personalità di Degas potrebbe essere abrasiva e conflittuale, in particolare nei suoi ultimi anni, mentre la sua vista era in calo, non si può negare di possedere un talento per riunire individui straordinari e un impegno incrollabile sia nella creazione che nella celebrazione dell'originale, grafica rivoluzionaria su più media.

A causa della sua ossessione per il continuo affinamento del proprio lavoro, Degas detestava separarsene durante la sua vita. "Ha venduto ciò di cui aveva bisogno", afferma Jones, e "non ha esposto molto". Degas non è salito alle stelle alla fama internazionale fino alla sua morte, quando le tele, le sculture e le altre creazioni che sporcano il suo studio sono state finalmente rese accessibili a collezionisti.

L'ossessione di Degas per la ricerca di un prodotto perfetto sempre inafferrabile è stata tragica, afferma Jones, ma anche parte integrante della sua arte. Nei rendering di Degas di cavalli che bighellonano sull'erba e ballerine che provano per il loro momento sotto i riflettori, Jones discerne una fissazione sul potenziale: che cosa potrebbe essere, che cosa sta per accadere. Come i suoi sudditi, afferma Jones, Degas si immaginava costantemente in un limbo, sempre con i capelli timidi di grandezza, sempre un attimo lontano dal miracoloso. "Penso che guardasse sempre alla sua arte e pensasse: 'Potrei farlo meglio'", dice.

Torturato nella vita dalla sua insaziabile ambizione, Degas divenne un eroe per gli artisti di tutto il mondo. Uno dei suoi principali ammiratori fu Pablo Picasso, che rimase sbalordito dai monotipi d'avanguardia e da altri materiali svelati alla vendita dello studio post Degortem, e che successivamente divenne un avido collezionista dell'opera di Degas.

"Se potessi scegliere un artista che è il vero erede di Degas", afferma Jones, "sarebbe Picasso". A suo avviso, sebbene stilisticamente divergenti, i due innovatori sono collegati dal grado in cui hanno vissuto e respirato la loro arte . Per loro, Jones afferma: “Tutto riguarda la creazione. Ogni materiale è un'opportunità per produrre qualcosa di nuovo, per sfidare i confini, per mettersi alla prova. E per creare qualcosa di straordinario. "

Nel corso del XX secolo, la singolare visione di Degas è arrivata a perseguitare l'immaginazione degli artisti di tutto il mondo. "Diventa una di quelle figure come Paul Cezanne e Van Gogh, che è proprio lì ", afferma Jones, "ed è una pietra angolare. È al centro di così tanti artisti che non ci stanno nemmeno pensando. È nel loro posteriore e li sta influenzando. "

Oggi, passeggiando per le sale del secolare museo del Prado a Madrid, in Spagna, Jones trova la sua prospettiva inevitabilmente colorata dall'enigmatica opera del francese. Contemplando uno dei risplendenti nudi neoclassici di Alexandre Cabanel, non può fare a meno di sentire che qualcosa di cruciale è mancante.

"È tutto finto", dice, "è tutto attentamente orchestrato, non è reale. E sembra falso, in un modo che non avrebbe senza Degas come punto di riferimento. ”

Degas, dice, non si accontentò mai di creare una scena semplice e piacevole e andare avanti. "Voleva assicurarsi che tu fossi sfidato", proprio come durante il processo di composizione. Jones è stata perplessa sull'artista per decenni, eppure si sente ancora come se avesse “graffiato la superficie”.

Artisti del suo calibro "non rinunciano ai loro segreti", dice. “Più tempo lo guardo, meno penso di conoscerlo davvero. Ed è eccitante. "