Questo post fa parte della nostra serie in corso in cui ATM invita i post occasionali di numerosi blogger ospiti della Smithsonian Institution: storici, ricercatori e scienziati che curano le collezioni e gli archivi dei musei e delle strutture di ricerca. Oggi, Amy Henderson della National Portrait Gallery si dedica al cinema come arte. L'ultima volta ha scritto per noi di David McCullough in visita allo Smithsonian.
Di cosa parla l '"immagine in movimento" che ci ferma nelle nostre tracce? Se qualcuno pubblica un video sulla tua bacheca di Facebook, non hai più probabilità di fare clic rispetto ad altri link? Perché guardiamo i film sui nostri telefoni cellulari? Perché c'è un centro commerciale pedonale a Times Square, dove miliardi di persone siedono sulle sedie a sdraio e guardano le immagini irradiate dal suono surround? Nei musei, i visitatori affollano sempre le gallerie di immagini in movimento. Perché i video stimolano così tanto la mente?
All'inizio del 20 ° secolo, quando il film era muto e gli attori anonimi, la gente si riversava nei cinema per guardare le proiezioni sfarfallare sul grande schermo. Dopo l'avvento dei "talkie", gli studi di Hollywood hanno creato un universo parallelo di stelle "più grandi della vita". Le donne si schiarirono i capelli biondo platino in omaggio a Jean Harlow in Red Dust, e gli uomini bevvero martini come se fossero William Powell in The Thin Man. Volevamo indossare ciò che indossavano le stelle sullo schermo: nel mezzo della depressione, la società di cucito Butterick vendette 500.000 modelli del vestito a maniche a sbuffo indossato da Joan Crawford nel 1932 Letty Lynton, anche suggerendo materiali meno costosi per le fognature domestiche in sostituzione della seta della star del cinema. Il rapimento sembra illimitato.
Sono affascinato da come i film definiscono la cultura. L'America pre-film è raccontata in vari media, ma nulla si muove: tutto ciò che dobbiamo esaminare da quell'epoca è statico, come delicate farfalle appuntate in una teca. E in effetti, abbiamo difficoltà a immaginare quegli individui con la cornice congelata che si muovono, respirano, parlano, camminano, cantano, anche solo per le loro routine quotidiane. Quando accompagno i visitatori attraverso la mostra della Galleria dei ritratti "America's Presidents", ricordo loro che non sappiamo davvero come fossero i nostri padri fondatori, se non come rappresentato da diversi artisti; e possiamo solo indovinare come suonavano.
The Maltese Falcon, romanziere poliziesco Dashiell Hammett, fu adattato al cinema nel 1931. (Immagine gentilmente concessa dalla National Portrait Gallery (c) 1937 Edward Biberman) Ho pensato al potere del film di rivelare di recente mentre mi preparavo a presentare una proiezione di The Maltese Falcon alla Portrait Gallery. Questo film del 1941 segna il debutto di John Huston come regista e il passaggio di Humphrey Bogart dal gangster alla star. È inconfondibilmente l'era della depressione nelle sue ombre noirish; come l'omonimo romanzo di Dashiell Hammett del 1930, i racconti del film si incastonano come un cinegiornale; l'occhio privato Sam Spade (Bogart), l'Uomo grasso (Sydney Greenstreet) e Joel Cairo (Peter Lorre) sono disegnati con coraggio e parlano in dialoghi a fuoco rapido che rinforzano il ritmo staccato del film. Il momento catturato della storia lascia poco tempo alla sfumatura o alla sottigliezza; la narrazione si muove spietatamente e implacabilmente .
Questo ritmo staccato è un tema che sottolineo quando accompagno le persone attraverso la mostra della Portrait Gallery degli anni '20 fino agli anni '40, anni che hanno visto la nascita dell'America moderna. Tra il 1890 e gli anni 1920, 23 milioni di immigrati erano arrivati sulle coste americane; la maggior parte proveniva dall'Europa meridionale o orientale. Pochi parlavano inglese. In quel periodo, il volto del paese è cambiato. Allo stesso tempo, il paesaggio pastorale di Emerson e Thoreau si trasformò in paesaggi urbani: il censimento del 1920 mostrò che, per la prima volta, l'America era più urbana che rurale. New York è emersa come un vasto centro di cultura del consumo, una fornace di cartelloni pubblicitari e neon che alimenta, in una delle mie frasi preferite, "una sconcertante macchina del desiderio". Era una città che dava il ritmo ai ritmi di Gershwin, la coreografia di Martha Graham, e la fiction hard-boiled di Dashiell Hammett.
Le "immagini in movimento" erano una metafora perfetta per la cultura staccato americana in rapido cambiamento. Emersi nel dinamismo della vita di strada di New York, i film hanno ottenuto un successo immediato come intrattenimento pop-up quando imprenditori come Adolph Zukor, Louis B. Mayer e William Fox hanno allestito teatri nei negozi degli immigrati del Lower East Side. La lingua non era un ostacolo, quindi i film muti avevano un pubblico già pronto.
La capacità dei film di trasportarci è rimasta una delle principali attrazioni di questo mezzo. L'ironia è che mentre il film è un documento culturale straordinario che congela il tempo, ci rimuove anche dal banale.
Allison Jessing, coordinatrice del programma che organizza serie di film qui alla Portrait Gallery e allo Smithsonian American Art Museum, mi ha detto che "il film può essere altrettanto sovversivo, potente ed emotivamente risonante come la pittura, la scultura o qualsiasi altra forma d'arte tradizionale". Crede che i teatri di Smithsonian debbano essere considerati delle gallerie a sé stanti, "mettendo in mostra capolavori allo stesso modo in cui esponiamo opere d'arte che siedono su un piedistallo o appese a un muro." -up entertainment ”tecnica dei primi imprenditori del cinema. A tal fine, i musei hanno acquistato uno schermo gonfiabile pop-up largo 16 piedi per proiettare film nel cortile di Kogod e Allison utilizzerà il grande schermo per una serie più grande della vita che lei chiama "Courtyard Cinema Classics".
Uno schermo pop-up di 16 piedi mostrerà a breve film nel cortile di Kogod. (Foto di Allison Jessing) Il 15 novembre verrà presentato il primo della serie: lo Yankee del Connecticut del 1949 a King Arthur's Court, un musical di viaggio nel tempo con Bing Crosby e Rhonda Fleming. Sono lieto di presentare questo film, che si basa (molto più o meno) sull'omonimo romanzo di Mark Twain del 1889; Potrei indossare il mio boa.
Mostrare film nei musei dimostra ancora una volta che Sam Spade aveva ragione: sono le cose di cui sono fatti i sogni.
