A Paul Gauguin non mancava la fiducia. "Sono un grande artista, e lo so", si vantava in una lettera del 1892 a sua moglie. Disse più o meno la stessa cosa agli amici, ai suoi rivenditori e al pubblico, descrivendo spesso il suo lavoro come persino migliore di quello che era accaduto prima. Alla luce della storia dell'arte moderna, la sua fiducia era giustificata.
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Pittore, scultore, incisore, ceramista e scrittore, Gauguin è oggi uno dei giganti del postimpressionismo e un pioniere del modernismo. Era anche un grande narratore, creando narrazioni in ogni mezzo che toccava. Alcune delle sue storie erano vere, altre quasi inventate. Perfino i lussureggianti capolavori tahitiani per i quali è più noto riflettono un paradiso esotico più immaginario che reale. Le favole inventate da Gauguin dovevano promuovere se stesso e la sua arte, un'intenzione che ebbe più successo con l'uomo che con il suo lavoro; era ben noto durante la sua vita, ma i suoi quadri erano venduti male.
"Gauguin ha creato il suo personaggio e ha stabilito il suo mito su che tipo di uomo fosse", afferma Nicholas Serota, direttore della Tate di Londra, la cui mostra "Gauguin: Maker of Myth", ha viaggiato il mese scorso alla National Gallery di Washington d'arte (fino al 5 giugno). "Gauguin aveva la genuina sensazione di avere una grandezza artistica", afferma Belinda Thomson, curatrice della mostra della Tate Modern. "Ma gioca anche ai giochi, quindi non sei sicuro di poterlo prendere alla lettera."
Delle quasi 120 opere esposte a Washington, diversi autoritratti allettanti raffigurano Gauguin in varie forme: pittore in difficoltà in uno studio di soffitta; vittima perseguitata; anche come Cristo nel giardino degli ulivi. Un autoritratto del 1889 lo mostra con un alone santo e un serpente diabolico (con le mele del Giardino dell'Eden per buona misura), suggerendo quanto possa essere contraddittorio.
Certamente l'artista sarebbe stato soddisfatto dalla rinnovata attenzione; il suo obiettivo, dopo tutto, era essere famoso. Si vestiva in modo bizzarro, scriveva critiche egoistiche del suo lavoro, corteggiava la stampa e distribuiva persino foto di se stesso ai suoi fan. Era spesso ubriaco, bellicoso e promiscuo, e forse suicida. Si allontanò dalla società parigina in luoghi sempre più esotici - Bretagna, Martinica, Tahiti e infine alle Isole Marchesi nella Polinesia francese - per sfuggire a un mondo che pensava si stesse modernizzando troppo rapidamente.
I suoi colori vividi, l'appiattimento della prospettiva, le forme semplificate e la scoperta della cosiddetta arte primitiva hanno portato gli studiosi a attribuirgli credito per aver influenzato il fauvismo, il cubismo e il surrealismo. La sua potente personalità ha anche contribuito a stabilire la convenzione dell'artista come iconoclasta (pensa Andy Warhol o Julian Schnabel). "Ha attinto dal simbolismo e dalla poesia francesi, dalla filosofia inglese, dalla Bibbia e dalle leggende dei mari del sud", afferma Mary G. Morton, curatrice dei dipinti francesi alla National Gallery. "Ha adottato un approccio multiculturale per il suo lavoro."
Soyez mystérieuses (Sii misterioso) è il titolo che Gauguin ha dato a un bassorilievo in legno intagliato di una femmina. Era un precetto con cui viveva. Come se i suoi dipinti non fossero sufficientemente pieni di ambiguità, ha dato loro titoli deliberatamente confusi. Alcuni erano sotto forma di domande, come da dove veniamo? Cosa siamo noi? Dove stiamo andando?, una scena tropicale sconcertante come il suo titolo. Altri sono stati scritti in tahitiano, una lingua che alcuni potenziali acquirenti hanno trovato scoraggiante. Anche nelle sue prime foto Gauguin inseriva qualche oggetto strano: un boccale fuori misura, ad esempio, nel ritratto altrimenti affascinante del suo giovane figlio addormentato, Clovis. In The Loss of Virginity, lo strano elemento è una volpe, la cui zampa poggia casualmente sul petto di una donna nuda che giace in un paesaggio della Bretagna. (La modella, una sarta parigina, avrebbe presto dato alla luce il figlio di Gauguin, una figlia di nome Germaine.)
L'artista stesso era probabilmente la volpe nella foto, un animale che sosteneva fosse il "Simbolo indiano della perversità". Un ottavo peruviano, questo figlio di parigini borghesi si riferiva spesso a se stesso come un selvaggio selvaggio. Il suo primo commerciante, Theo van Gogh (fratello di Vincent), suggerì che il lavoro di Gauguin era difficile da vendere perché era "mezzo inca, mezzo europeo, superstizioso come il primo e avanzato in idee come alcune delle seconde".
I Mari del Sud hanno fornito a Gauguin alcune delle sue migliori opportunità di fare leggende. Deluso dal fatto che molti rituali e divinità tradizionali fossero già scomparsi dalla cultura tahitiana, ha semplicemente ricostruito il suo. Di ritorno a Parigi, creò una delle sue sculture più enigmatiche: una grottesca femmina nuda con occhi sporgenti, calpestando un lupo insanguinato ai suoi piedi mentre afferrava una creatura più piccola con le sue mani. Gauguin lo considerava il suo capolavoro in ceramica e lo voleva posto sulla sua tomba. Il suo titolo: Oviri, tahitiano per "selvaggio".
La vita di Gauguin era abbastanza interessante senza tutta la mitologia. Era nato Eugene Henri Paul Gauguin il 7 giugno 1848, a Parigi da un giornalista politico, Clovis Gauguin, e sua moglie, Aline Marie Chazal, figlia di una femminista di spicco. Con le rivoluzioni che spazzarono l'Europa quando Paul aveva appena un anno, la famiglia cercò la relativa sicurezza del Perù, dove Clodoveo intendeva avviare un giornale. Ma morì lungo la strada, lasciando Aline, la sorella di Paul e Paul, Marie, per continuare a Lima, dove rimasero con lo zio di Aline.
Cinque anni dopo tornarono in Francia; Gauguin era di nuovo in alto mare quando aveva 17 anni, prima nella marina mercantile, poi nella marina francese. "Come puoi vedere, la mia vita è sempre stata molto irrequieta e irregolare", ha scritto in Avant et Après (prima e dopo), riflessioni autobiografiche che sono state pubblicate dopo la sua morte. "In me, moltissime miscele."
Alla morte della madre di Gauguin, nel 1867, il suo caro amico Gustave Arosa, un finanziere e collezionista d'arte, divenne il suo guardiano. Arosa presentò il suo rione ai pittori di Parigi, lo aiutò a trovare un lavoro come agente di cambio e gli fece organizzare l'incontro con Mette Gad, la donna danese che avrebbe sposato nel 1873.
All'epoca, Gauguin era circondato da persone che volevano diventare artisti, incluso il collega agente di borsa Émile Schuffenecker, che sarebbe rimasto amico anche dopo che gli altri erano stanchi delle buffonate di Gauguin. Hanno partecipato a mostre d'arte, hanno comprato quadri francesi e stampe giapponesi e si sono dilettati con gli oli. Sebbene fosse solo un pittore domenicale, Gauguin fece accettare un paesaggio nell'importante salone di Parigi del 1876. E sei anni dopo, quando perse il lavoro nel crollo della borsa del 1882, Gauguin iniziò a dipingere a tempo pieno, anche se aveva una moglie e quattro figli da sostenere. "Nessuno gli ha dato l'idea di dipingere", ha detto Mette molto più tardi a uno dei biografi di suo marito. "Ha dipinto perché non poteva fare diversamente."
Per risparmiare, la famiglia, che alla fine avrebbe incluso cinque figli, si trasferì nella casa di famiglia di Mette a Copenaghen. Gauguin si descrisse come "più che mai tormentato dalla sua arte", e durò solo un anno e mezzo con i suoceri, tornando con il figlio Clovis a Parigi nel giugno 1885. Clovis fu affidato a Marie; Gauguin non ha mai più vissuto con la sua famiglia.
Una ricerca di alloggi sempre più economici lo portò in Bretagna nel 1886, dove l'artista scrisse presto a sua moglie con spavalderia caratteristica che era "rispettato come il miglior pittore" a Pont-Aven, "anche se questo non mette più soldi in tasca. ”Gli artisti furono attratti dal villaggio sulla punta occidentale della Francia per la ruvidezza del suo paesaggio, gli abitanti in costume che erano disposti a posare e le superstizioni celtiche sovrapposte a riti cattolici che pervadevano la vita quotidiana. "Adoro la Bretagna, " scrisse Gauguin. “Qui trovo il selvaggio e il primitivo. Quando i miei zoccoli risuonano su questo terreno di granito, sento il tonfo potente e ovattato che sto cercando nella pittura. ”
Sebbene ammiratore di Claude Monet, collezionista di Paul Cézanne, studente di Camille Pissarro e amico di Edgar Degas, Gauguin aveva cercato a lungo di andare oltre l'impressionismo. Voleva che la sua arte fosse più intellettuale, più spirituale e meno dipendente dalle rapide impressioni del mondo fisico.
A Pont-Aven, il suo lavoro ha preso una direzione radicalmente nuova. La sua visione del sermone è stato il primo dipinto in cui ha usato colori vibranti e forme semplici all'interno di contorni audaci e neri, in uno stile chiamato cloisonnismo che ricorda le vetrate. L'effetto ha spostato il dipinto lontano dalla realtà naturale verso uno spazio più ultraterreno. Nel discorso, un ramo di un albero su un campo di vermiglio divide l'immagine in diagonale, in stile giapponese. In primo piano un gruppo di donne bretoni, i cui cappelli tradizionali sembrano "mostruosi elmetti" (come Gauguin scrisse a Vincent van Gogh), hanno chiuso gli occhi a occhi aperti. In alto a destra è la loro esperienza religiosa collettiva: la scena biblica di Giacobbe alle prese con un angelo dalle ali d'oro. La risposta di un critico al quadro evocativo e allucinatorio fu di ungere Gauguin il maestro del simbolismo.
Soddisfatto della grande tela, Gauguin si arruolò con gli amici artisti per portarlo in una chiesa di pietra nelle vicinanze. Ma il prete locale ha rifiutato la donazione come "non religiosa e non interessante". Gauguin ha colto questo affronto come un'opportunità di pubbliche relazioni, scrivendo lettere oltraggiate e incoraggiando i suoi collaboratori a diffondere la parola a Parigi. Come ha osservato la storica dell'arte Nancy Mowll Mathews, "La visione del sermone di Gauguin ha acquisito più notorietà essendo respinta di quanto non avrebbe mai potuto essere accettata educatamente dal prete e altrettanto educatamente messa in un armadio".
Nel 1888, come è ormai leggendario, Vincent van Gogh invitò Gauguin, che aveva incontrato a Parigi, a unirsi a lui ad Arles per creare uno "Studio del Sud" degli artisti. Inizialmente Gauguin esitò, sostenendo che era malato, debito -ridimensionato o troppo coinvolto in una potenziale impresa commerciale. Ma Theo van Gogh offrì al perennemente povero Gauguin un motivo per accettare l'invito di suo fratello: uno stipendio in cambio di un dipinto al mese. La permanenza di due mesi di Gauguin nella Casa Gialla di Arles si è dimostrata produttiva e gravosa. "Vincent e io non siamo d'accordo su molto, e soprattutto non sulla pittura", ha scritto Gauguin all'inizio di dicembre. Poco dopo in una discussione ubriaca, Van Gogh si avvicinò a Gauguin con un rasoio. Gauguin fuggì e Van Gogh si girò il rasoio, tagliandogli una parte dell'orecchio. Anche così, i due corrispondevano fino a quando Van Gogh non si uccise 18 mesi dopo.
Dopo che Gauguin tornò a Parigi da Arles, creò una delle sue incisioni più bizzarre, il Vaso Autoritratto a forma di testa mozzata . Forse un'allusione a Giovanni Battista, questa testa di gres sgocciola con smalto rosso macabro. L'immagine raccapricciante è nata dalla sanguinosa esperienza con van Gogh? La ghigliottina di un condannato assassino Gauguin aveva recentemente assistito? O era semplicemente un cenno all'allora attuale fascino per il macabro?
L'esposizione universale del 1889, per la quale fu costruita la Torre Eiffel, segnò un momento decisivo per Gauguin. Ha partecipato con entusiasmo allo spettacolo Wild West di Buffalo Bill, ha ammirato i calchi in gesso del tempio buddista di Borobudur e ha visto i dipinti in mostra. Gli artisti che non erano inclusi in queste mostre sponsorizzate dallo stato hanno cercato di capitalizzare la popolarità della fiera (28 milioni di persone si sono rivelate) organizzando i propri spettacoli al di fuori del perimetro. Ma il non invitato Gauguin, supportato in gran parte dal devoto Schuffenecker, organizzò audacemente uno spettacolo di gruppo al Café Volpini sul quartiere fieristico.
Gauguin è stato particolarmente preso con le esposizioni etnografiche dell'Esposizione, con nativi delle colonie francesi in Africa e nel Pacifico meridionale. Dipinse ballerini giavanesi, collezionò fotografie della Cambogia e suscitò altrimenti il suo desiderio di un elisio tropicale. Voleva, scrisse, "liberarsi dall'influenza della civiltà ... per immergermi nella natura vergine, non vedere nessuno se non i selvaggi, per vivere la loro vita". Era anche consapevole che "la novità è essenziale per stimolare gli stupidi acquisto pubblico ".
Fu probabilmente l'Esposizione a indicarlo a Tahiti. Mentre si preparava per il suo viaggio l'anno successivo, scrisse ad un amico che "sotto un cielo invernale, su un terreno meravigliosamente fertile, il Tahitiano deve solo alzare le braccia per raccogliere il suo cibo". La descrizione arriva quasi parola per parola da il manuale ufficiale dell'Esposizione.
Arrivato nella capitale della Polinesia francese, Papeete, nel giugno 1891, Gauguin lo trovò molto meno esotico di quanto avesse immaginato o sperato. "Il suolo tahitiano sta diventando completamente francese", ha scritto a Mette. "I nostri missionari avevano già introdotto molta ipocrisia protestante e spazzato via parte della poesia" dell'isola. I missionari avevano anche trasformato la moda femminile, senza dubbio con sgomento di Gauguin, dai tradizionali sarong e pareu agli abiti di cotone con collo alto e maniche lunghe. Si trasferì presto nel villaggio di Mataiea, dove i locali, così come il paesaggio tropicale, erano più di suo gradimento perché erano meno occidentalizzati.
Gauguin ha riconosciuto la fine del vecchio ordine tahitiano nel suo inquietante dipinto Arii Matamoe (The Royal End) . Il fulcro è una testa mozzata, che Gauguin ha descritto con freddezza come "ben sistemato su un cuscino bianco in un palazzo della mia invenzione e sorvegliato anche dalle donne della mia invenzione". L'ispirazione per il dipinto, se non la decapitazione, potrebbe essere stata la funerali del re Pomare V, a cui Gauguin assistette poco dopo essere arrivato sull'isola; Pomare non fu decapitato.
Sebbene fosse un veemente anticlericale, l'artista non riuscì a scuotere completamente la sua eredità cattolica. La sua rispettosa Ultima Cena contrappone lo splendore dell'alone giallo cromo di Cristo con sobrie sculture tribali. Nella Natività, un'infermiera tahitiana tiene in braccio il bambino Gesù, mentre un angelo dalle ali verdi fa la guardia e una Maria esausta riposa.
Nei suoi quaderni e nella sua immaginazione Gauguin portava con sé le opere che significavano di più per lui. Tra questi: fotografie di dipinti tombali egiziani, capolavori del Rinascimento e un catalogo all'asta del 1878 della collezione del suo guardiano Arosa, con opere di Camille Corot, Gustave Courbet ed Eugene Delacroix. Come molti artisti oggi - Jeff Koons, Richard Price e Cindy Sherman, tra questi - Gauguin ha espropriato liberamente da tutti. "Non ha mascherato i suoi prestiti, che erano di ampia portata", afferma il curatore Thomson. "Questo è un altro modo in cui è così moderno."
Sul muro della sua capanna di bambù a Mataeia, Gauguin appende una copia di Olympia, il rivoluzionario dipinto di Édouard Manet di una prostituta spudoratamente nuda con un fiore tra i capelli. Da sempre il birichino, Gauguin ha portato la sua giovane padrona Tehamana a credere che fosse un ritratto di sua moglie. Tehamana è stata il modello per diverse opere in mostra, tra cui Merahi Metua no Tehamana (Gli antenati di Tehamana), Te Nave Nave Fenua (La terra deliziosa) e Manao tupapau (Lo spirito dei morti tiene d'occhio) .
Sebbene il capolavoro di Manet, che una volta Gauguin aveva copiato, ispirasse senza dubbio Manao tupapau, l'amante di Gauguin non giace sulla sua schiena come Olympia ma sul suo stomaco, i suoi occhi che guardano sopra la sua spalla terrorizzati al tupapau, uno spirito con cappuccio nero, vicino al piede del letto.
"Allo stato attuale, lo studio è un po 'indecente", ha riconosciuto Gauguin in Noa Noa, un resoconto dei suoi viaggi in Tahiti che ha scritto dopo essere tornato a Parigi. "Eppure, voglio fare un quadro casto, che trasmetta la mentalità indigena, il suo carattere, la sua tradizione." Così Gauguin ha creato una storia per il dipinto, che può essere o non essere vera. Affermò che quando era tornato alla capanna a tarda notte, le lampade si erano spente. Accendendo un fiammifero, Tehamana spaventò così tanto dal suo sonno che lo fissò come se fosse uno sconosciuto. Gauguin ha fornito una ragione ragionevole per la sua paura: "gli indigeni vivono nella costante paura del [tupapau]". Nonostante i suoi sforzi per controllare e moderare la narrazione, l'Accademia svedese di belle arti trovò Manao tupapau sconveniente e lo rimosse da una mostra di Gauguin nel 1898.
Sebbene i due anni di Gauguin a Tahiti siano stati produttivi - ha dipinto circa 80 tele e prodotto numerosi disegni e sculture in legno - hanno portato pochi soldi. Scoraggiato, decise di tornare in Francia, sbarcando a Marsiglia nell'agosto del 1893 con solo quattro franchi a suo nome. Ma con l'aiuto di amici e una piccola eredità, fu presto in grado di organizzare uno spettacolo personale del suo lavoro tahitiano. L'accoglienza critica è stata mista, ma il critico Octave Mirbeau si è meravigliato della capacità unica di Gauguin di catturare "l'anima di questa razza curiosa, il suo passato misterioso e terribile e la strana voluttuosità del suo sole". E Degas, all'apice del suo successo e influenza, acquistò diversi dipinti.
Ha trasformato il suo studio Montparnasse in un salone eclettico per poeti e artisti. Giocando per il riconoscimento, indossava un soprabito blu con un astrakan fez, portava un bastone intagliato a mano e migliorava la sua immagine sorprendente con l'ennesima giovane amante, l'adolescente Anna giavanese e la sua scimmia da compagnia. Accompagnò Gauguin a Pont-Aven, dove Gauguin progettò di trascorrere l'estate del 1894. Ma invece di godersi lo stimolo artistico della Bretagna, Gauguin si trovò presto in una rissa con i marinai bretoni, che stavano raccogliendo Anna e la sua scimmia, che se ne andò lui con una gamba rotta. Mentre si stava riprendendo, Anna è tornata a Parigi e ha saccheggiato il suo appartamento, ponendo fine in modo enfatico al loro rapporto di mesi.
Le femministe potrebbero vedere l'azione di Anna come un rimborso per il lungo abuso di Gauguin sulle donne. Dopotutto, abbandonò moglie e figli, cercò gli amanti dei minorenni e visse una vita di edonismo che si concluse con un'insufficienza cardiaca esacerbata dalla sifilide. Tuttavia, ha spesso espresso tristezza per il suo matrimonio fallito e in particolare ha perso i suoi figli. E ha creato molte più immagini femminili rispetto ai maschi, condividendo con i suoi contemporanei simbolisti l'idea dell'Eterno Femminile, in cui le donne erano seducenti femme fatali o fonti virtuose di energia spirituale. Le sue belle ed enigmatiche donne tahitiane sono diventate icone dell'arte moderna.
Poi ci sono le elaborate sculture delle porte che identificano la residenza finale di Gauguin nelle remote isole Marchesi polinesiane francesi, circa 850 miglia a nord-est di Tahiti. Ci andò all'età di 53 anni nel settembre del 1901 per trovare, ha detto, "un ambiente incivile e la solitudine totale" che "riaccenderà la mia immaginazione e porterà il mio talento alla sua conclusione". Le lettere scolpite sans-serif della porta spiegano la Maison du Jouir ( House of Pleasure) —efficacemente, un luogo di cattiva reputazione. Forse per schernire la sua vicina, il vescovo cattolico, il portale presenta nudi femminili in piedi e l'esortazione a "Soyez amoureuses vous serez heureuses" - "Sii innamorato e sarai felice". La curatrice di Tate Christine Riding suggerisce che l'opera potrebbe non essere anti-femminista come potrebbero indicare le usanze di oggi. Gauguin potrebbe offrire alle donne un'idea liberatrice: perché non dovrebbero godere dell'amore tanto quanto gli uomini?
Gauguin trascorse i suoi ultimi giorni a combattere le autorità coloniali per presunta corruzione, nonché per ciò che considerava norme ingiustificate in materia di alcol e moralità infantile. In abito nativo e piedi nudi, ha anche sostenuto, in tribunale, che non avrebbe dovuto pagare le tasse. "Per me, è vero: sono un selvaggio", ha scritto a Charles Morice, il collaboratore del suo libro di memorie Noa Noa . “E le persone civili sospettano questo, perché nei miei lavori non c'è nulla di così sorprendente e sconcertante come questo aspetto 'selvaggio nonostante me stesso'. Ecco perché [il mio lavoro] è inimitabile ".
Con il deteriorarsi della sua salute, Gauguin pensò di tornare in Europa. Il suo amico Daniel de Monfreid ha litigato, affermando che l'artista non aveva intenzione di fare il viaggio e che un ritorno a Parigi avrebbe messo a repentaglio la sua crescente reputazione. "Al momento sei lo straordinario, leggendario artista che invia dal profondo dell'Oceania le sue opere sconcertanti e inimitabili, le opere definitive di un grande uomo che è scomparso, per così dire, dalla faccia della terra."
Malato e quasi senza un soldo, Gauguin morì all'età di 54 anni l'8 maggio 1903 e fu sepolto nelle Marchesi. Quell'anno si tenne una piccola retrospettiva a Parigi. Nel 1906 seguì una grande mostra di 227 opere, che influenzarono Pablo Picasso e Henri Matisse, tra gli altri. Gauguin era finalmente famoso.
Ann Morrison è l'ex editore di Asiaweek e co-editore dell'edizione europea di Time . Ora vive a Parigi.
Paul Gauguin, in un autoritratto del 1889, ha insistito sul fatto che voleva "liberarsi dell'influenza della civiltà". (National Gallery of Art, Collezione Chester Dale) 
L'amante tahitiana di Gauguin, Tehamana, ha modellato molte delle sue opere nei Mari del Sud, tra cui la lussureggiante Te Nave Nave Fenua (La terra deliziosa), 1892, in cui una vigilia tahitiana raggiunge un fiore. (Ohara Museum of Art) 
Arii Matamoe (The Royal End), 1892, potrebbe essere basato sul funerale del re tahitiano Pomare V. (The J. Paul Getty Museum, Los Angeles) 
Gauguin definì il bassorilievo scolpito da una femmina, Be Mysterious, 1889, un precetto con il quale visse la sua vita. (Musée D'Orsay / Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Questa testa in ceramica smaltata, 1889, è un autoritratto di Gauguin. (Museo danese di arte e design, Copenaghen) 
"Vincent e io non siamo molto d'accordo", scrisse Gauguin, nel 1888, del coinquilino van Gogh di Arles. (Bridgeman Art Library International) 
Perché Gauguin includeva un boccale di legno nel ritratto di suo figlio, Clovis Addormentato, 1884? La risposta potrebbe risiedere nella necessità dell'artista di sfidare la convenzione o, molto probabilmente, gli piaceva semplicemente dipingerla: il possesso pregiato si presenta in diverse sue opere. (Collezione privata) 
Sebbene fosse un veemente anticleric, Gauguin tesseva simboli della sua educazione cattolica in molti dei suoi dipinti. Nella Natività, 1896, una tata dall'aspetto tahitiano tiene il bambino Gesù, mentre un angelo dalle ali verdi fa la guardia; sullo sfondo, Mary dorme. (Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo) 
"Sono un grande artista e lo so", scrisse Gauguin, in un autoritratto del 1903, nel 1892. "È perché lo so che ho sopportato simili sofferenze". (Kunstmuseum / Erich Lessing / Art Resource) 
Gauguin dipinse Merahi Metua no Tehamana (Gli antenati di Tehamana) a Tahiti nel 1893. (The Art Institute of Chicago, Gift of Mr. and Mrs. Charles Deering McCormick) 
Gauguin, Still Life with Fan, 1888. (Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Gauguin, Te Rerioa (The Dream), 1897. (The Samuel Courtauld Trust, the Courtauld Gallery, London) 
Gauguin, Bonjour Monsieur Gauguin, 1889. (Hammer Museum, Los Angeles, The Armand Hammer Collection, Gift of the Armand Hammer Foundation) 
Gauguin, Cristo nel giardino degli ulivi, 1889. (Norton Museum of Art, West Palm Beach, Dono di Elizabeth C. Norton) 
Gauguin, Due bambini, c. 1889. (Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhagen) 
Gauguin, No te aha oe ririr (Why Are You Angry?), 1896. (The Art Institute of Chicago, Mr. and Mrs. Martin A. Ryerson Collection) 
Gauguin, Te Faaturuma (The Brooding Woman), 1892. (Worcester Art Museum) 
Gauguin, Ritratto dell'artista con idolo, c. 1893. (Collezione del McNay Art Museum, San Antonio, lascito di Marion Koogler McNay) 
Gauguin, The Yellow Christ, 1889. (© Albright-Knox Art Gallery / Art Resource, NY)
