La morte della pittura fu predetta per la prima volta a metà del XIX secolo, quando l'avvento della fotografia sembrò strappare la realtà dalla mano del pittore. "Se la fotografia è autorizzata a sostituire l'arte in alcune delle sue funzioni", scrisse il poeta e critico d'arte francese Charles Baudelaire nel 1859, "presto soppianterà o corromperà completamente". Da allora gli artisti hanno cercato di venire a patti con le implicazioni della fotografia.
Impressionisti come Monet e Renoir, respingendo le immagini statiche e meccaniche delle fotografie e la pittura accademica stantia del loro tempo, hanno iniziato a dipingere le proprie impressioni su come l'occhio percepisce la luce e l'atmosfera nella natura. Alcuni dei loro contemporanei, tra cui Degas e Toulouse-Lautrec, hanno preso una piega diversa. Hanno iniziato a utilizzare le fotografie come fonte di ispirazione, ritagliando le loro immagini come la fotocamera potrebbe, ad esempio, e introducendo distorsioni di prospettiva basate sull'obiettivo della fotocamera.
Quindi, cento anni fa, Matisse e Picasso realizzarono i dipinti radicali che avrebbero definito una nuova era dell'arte moderna. Matisse sfigurò la figura con il suo rigonfio Blue Nude nel 1907, dipingendo da una fotografia per liberare la sua immaginazione e rompere le abitudini formate dal disegno dalla vita. Picasso usò anche fotografie per dipingere le sue Demoiselles d'Avignon del 1907, con ogni figura che sembrava un'esposizione multipla, vista da diverse angolazioni allo stesso tempo - un passo decisivo nel cubismo.
Con l'avanzare del XX secolo, pittori come Wassily Kandinsky e Jackson Pollock abbandonarono del tutto il concetto di arte come rappresentazione, producendo tele che non contenevano alcun oggetto riconoscibile. Nelle loro opere "astratte", la pittura stessa è diventata il soggetto. Negli anni '60, gli artisti concettuali - ispirati a Marcel Duchamp e ad altri dadaisti degli anni '20 - adottarono l'idea che l'arte dovrebbe mirare alla mente, non all'occhio, realizzando dipinti in cui l'idea alla base dell'opera era più importante dell'opera stessa . Con alcune ovvie eccezioni - Pop Art, Realismo fotografico e artisti come David Hockney - l'arte figurativa o figurativa era in gran parte considerata un ricordo del passato alla fine del XX secolo. Ma negli ultimi anni, alcuni pittori contemporanei hanno iniziato a risalire alle radici dell'arte moderna per trovare nuovi modi di espressione. Stanno mescolando la figura umana e altre forme riconoscibili con elementi di astrazione e narrativa ambigua in modi mai visti prima.
"L'entusiasmo per la mia professione in questo momento è eccezionale", afferma Joachim Pissarro, curatore di pittura e disegno al Museum of Modern Art di New York. "Trenta anni fa si parlava della fine della pittura. Oggi a nessuno importa di questo." Per le giovani generazioni, dice, "la polarizzazione tra astrazione e rappresentazione che esisteva nell'ultima metà del XX secolo è semplicemente insignificante. Ciò che stiamo vedendo ora è molto interessante. E totalmente nuovo."
Sparsi da Brooklyn a Trinidad a Lipsia, in Germania, gli artisti rappresentati in queste pagine stanno rinnovando "una convinzione nella pittura", afferma Laura Hoptman, curatrice senior del New Museum of Contemporary Art di New York City.
Peter Doig
"Quando le persone hanno iniziato a interessarsi al mio lavoro alla fine degli anni '80, la pittura era completamente fuori programma", afferma Peter Doig, uno scozzese di 49 anni che vive a Trinidad. "Ciò che le gallerie consideravano all'avanguardia era tutto concettuale: la pittura sulla pittura, l'arte che diceva qualcosa sul modo in cui è fatta. Ho deliberatamente lavorato contro questo. Per me, una volta che sei un pittore, sei costantemente costretto a guardare il mondo come potenziale soggetto per la pittura. E questo va dal vedere qualcosa per strada, al vedere qualcosa in un film, in una rivista, tutto davvero ".
Lo studio di Doig, in una rinnovata distilleria di rum nella capitale di Trinidad, Port of Spain, è pieno di grandi tele che raffigurano paesaggi junglelike, fiumi imbrattati di vernice e figure ambigue. Quando lasciò Londra per trasferirsi a Trinidad nel 2003, molti dei suoi amici lo chiamarono "fare un Gauguin", dopo che l'artista francese Paul Gauguin, che si trasferì a Tahiti nel 1891 per diventare tutt'uno con la natura. Lo stile di Doig è talvolta paragonato a quello di Gauguin, ma il suo approccio alla pittura è abbastanza diverso. Il suo metodo si basa su una sorta di elaborazione delle informazioni che spesso inizia con una fotografia, dice, perché dipingere dalle fotografie lo allontana da ciò che è reale o vero. "Perché un dipinto deve essere sincero?" lui chiede.
Doig ha realizzato diversi dipinti da una vecchia cartolina acquistata in un negozio di spazzatura di Londra che raffigura una scena fluviale in India. "Quando dipingo direttamente dalla natura", dice, "sono troppo preso dal tentativo di farlo nel modo giusto. L'uso della fotografia o di una cartolina mi permette solo di prendere ciò che voglio e di lasciare il resto fuori. Ho fatto una fotografia del minuscolo guru nella cartolina, e ne ho fatto un'altra foto, e l'ho fatto esplodere in modo che diventasse una macchia sfocata, e ho dipinto da quello, ed è diventato una specie di uomo barbuto, qualcosa di misterioso e nero. non so se è una figura religiosa o un fanatico, ma c'è qualcosa di spirituale in lui. "
Indica una tela di 9 piedi per 12 di una figura abbozzata che si arrampica su una palma, abbraccia il tronco e scruta fuori da un vuoto astratto di pennellate, gocciolamenti e crepe. "Quei gocciolamenti e le crepe sono i tipi di cose belle nella pittura che sono uniche", dice. "Prendi rischi e ti vengono dati, ma li odierei diventare un manierismo o espediente." Tuttavia, è stata la figura che ha colpito di più il regista del SITE Santa Fe, Laura Heon, quando il dipinto è stato esposto alla Biennale del museo del 2006. "In un certo senso, è un ritorno all'umanesimo", dice. "C'è qualcosa di molto generoso nel fare una foto di un essere umano."
Una grande retrospettiva del lavoro di Doig si aprirà alla Tate Modern di Londra a febbraio.
Dana Schutz
Nei dipinti di Dana Schutz, il falso e il reale sono difficili da distinguere. "So che le mie immagini sono costruite, ma ci credo quando dipingo", dice nel suo studio in un vecchio edificio industriale trasformato in cooperativa di artisti a Brooklyn. Schutz, 30 anni, ama creare figure e inserirle in scenari diversi in una serie di dipinti, in cui sembrano assumere una vita propria. Una di queste serie è di figure che chiama "mangiatori di sé", una forma ridotta di persone che sopravvivono nutrendosi di parti del proprio corpo e poi ricostruendosi. I dipinti, con le loro fantastiche immagini e quelli che lei chiama i suoi "colori estroversi" - rosa e rosso acceso, viola elettrico e verdi della giungla - sono stati elogiati come nuovo espressionismo, ed è facile interpretarli in termini di mali sociali - da modelli anoressici del consumismo famelico - o anche come scorci nella psiche dell'artista. Ma Schutz non è d'accordo.
"Non sono un espressionista", protesta. "Questi dipinti non riguardano me che esprimono come mi sento affatto". I mangiatori di sé, dice, "sono una soluzione pittorica; puoi smontarli e rimetterli insieme. È come se fossero appena diventati materiali".
Ma Schutz afferma che i suoi dipinti a volte sono ispirati da ciò che vede su Internet o a cui sta pensando in quel momento. "Voglio che questi dipinti inizino da qualche parte nell'immaginazione pubblica, dove le persone hanno la sensazione di poter conoscere quella storia, come la chirurgia plastica o il consumo di produzione, o il modo in cui facciamo storie alternative per noi stessi", dice. "Sempre più mi sento come la cosa più radicale che l'arte possa fare è offrire a qualcuno un'esperienza che in qualche modo non ha familiarità".
Per Schutz non esiste una linea dura tra la pittura astratta e quella figurativa. "Non penso a loro come a qualcosa di separato." In un nuovo dipinto di un uomo e una donna che guidano, le figure nell'auto sembrano quasi di plastica, come se si stessero sciogliendo in un caldo paesaggio hawaiano. "Il modo in cui sto pensando a loro", dice, "è che in futuro, se ci guardassi indietro, quali caratteristiche rimarrebbero, in modo leggermente distorto o generalizzato?
"Forse stiamo ristrutturando la figura", continua. "Fare dipinti sulla pittura sembra folle. Tutto ciò che parla della pittura. Penso che gli artisti ora vogliano dare un significato e avere un effetto. È molto diverso dal 20 ° secolo."
Una mostra del lavoro di Schutz si apre a novembre alla Contemporary Fine Arts Gallery di Berlino, Germania.
Neo Rauch
A Lipsia, l'artista tedesco Neo Rauch, 47 anni, sta influenzando una generazione di pittori del dopoguerra con dipinti ambigui che mescolano realismo e fantasia, l'ordinario con il bizzarro. Attingendo agli stili grafici dei fumetti del blocco orientale e all'arte commerciale, al realismo sociale della Germania orientale comunista, alle sue immagini dei sogni e agli elementi del suo paesaggio urbano, Rauch dipinge il tipo di figure che potresti trovare nei manifesti di propaganda, ma le inserisce scene che, dice, sono "confusamente plausibili", un tempo familiari e strane.
Rauch descrive i suoi dipinti come allegorie con un'iconografia personale che rimane privata. Di recente ha detto a un intervistatore del Metropolitan Museum of Art di New York che le sue decisioni come pittore possono sfidare la ragione, persino la sua. Ma ciò che include in un dipinto ha una sua realtà, dice, perché "nonostante tutto il desiderio di interpretazione, la pittura dovrebbe conservare il privilegio di collocare ciò che non può essere verbalizzato in una struttura ovvia". Rauch descrive il suo processo di creazione di un dipinto come una lotta per bilanciare ciò che è riconoscibile con ciò che è inspiegabile. "Per me, ha detto, " la pittura significa la continuazione di un sogno con altri mezzi ".
Una mostra delle opere di Rauch è attualmente in mostra al Metropolitan Museum of Art di New York City (fino al 14 ottobre).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, come Dana Schutz, una studentessa della Columbia Art School, ha aperto il suo studio in un loft industriale convertito a Brooklyn. I suoi dipinti, ispirati alla pittura di storia francese della fine del XIX secolo, combinano elementi figurativi con tecniche derivate dai graffiti e dall'espressionismo astratto.
"Da adolescente, cresciuto nel centro di Filadelfia, sono stato prima uno scrittore di graffiti", afferma. "Sono entrato in guai di ogni genere, sono stato arrestato, ma ho sempre avuto un piede in classe d'arte." Alla fine, il padre di un amico lo portò in alcune gallerie d'arte di New York City. "Questo è davvero l'unico modo in cui avrei persino saputo che il mondo dell'arte fosse mai esistito", afferma.
Furnas, 34 anni, dipinge le sue tele sul pavimento, come ha fatto Jackson Pollock. Ma invece di gocciolare la pittura ad olio alla Pollock, crea pozzanghere di vernice a base d'acqua che si accumula uno sopra l'altro per creare forma. Per una serie sulla Guerra Civile, ha riempito una siringa con vernice acrilica rossa che ha spruzzato sulle sue tele per rappresentare il sangue. "Gli olii non si asciugerebbero mai in tempo per il modo in cui sto usando la vernice", dice, "piatto sul terreno, nelle pozzanghere. Molto di ciò risale ai graffiti. Una delle cose che mi è piaciuta dei graffiti è che deliberatamente uso improprio del materiale. Potresti togliere i tappi di una bomboletta spray da un aerosol, ad esempio un detergente per il bancone, e metterlo su una bomboletta di vernice e ottenere un effetto completamente diverso dall'ugello .... Non mi sono mai preoccupato cavalletti o pennelli anche. Ho una vasta collezione di cappucci per bombolette spray, come immagino che alcuni pittori ad olio abbiano pennelli. Nel mio lavoro, c'è una sorta di mescolanza intenzionale di ciò che è nel negozio di ferramenta e ciò che è nel negozio d'arte. "
Nella scuola d'arte della Columbia, Furnas si è trovato a ribellarsi contro una generazione più vecchia di insegnanti che erano, dice, "artisti concettuali e postmoderni, quasi senza pittori". Vide la pittura come un atto di auto-espressione fuori moda. Voleva anche che il suo lavoro fosse accessibile agli spettatori senza che gli accademici dovessero interpretarlo. "Non volevo che queste persone vestite di nero parlassero del mio lavoro", dice. "Non volevo un intermediario." Decise di "tornare ai semi del modernismo", dice, "a Courbet, Géricault e Manet, alla pittura di storia francese della fine del XIX secolo. Sono stato in grado di reinvestigare il genere e di affrontarlo in modo diverso. Quindi sono diventato questo tipo di acquirente modernista di negozi di articoli usati! "
Una mostra delle opere di Furnas è prevista per la primavera presso la galleria Stuart Shave / Modern Art di Londra.
Katherine Lee
In una vecchia caserma militare trasformata in studi per artisti presso il College of Santa Fe, Katherine Lee, 22 anni, si chiede come la sua generazione cablata guarderà all'arte. "In questi giorni leggiamo così tanti messaggi visivi istantanei", dice, "come spot pubblicitari - leggilo e prendilo - e voglio che un dipinto sia interessante più a lungo di una pausa commerciale. Penso che ci sia una paura della narrativa, e questo nasce dall'idea di "ottenerlo". Le persone sono così abituate alla pubblicità che vogliono che ciò che vedono in un dipinto venga pre-pensato da qualcun altro. Ma la pubblicità fa un ottimo lavoro che forse devi trovare una nuova strategia ".
Un misterioso paesaggio quasi nero con una macchia di luce lontana è fissato al muro dello studio di Lee. Ha l'atmosfera lunatica e la profondità di un paesaggio del 19 ° secolo, ma Lee l'ha dipinta da diverse fotografie usando una miscela di grafite, oli e lattine di vernice spray. Il fogliame scuro suggerisce una giungla o una foresta, e c'è qualcosa che sembra un ombrello rosso nel mezzo di tutto. Ma non ci sono persone. È difficile sapere qualcosa sulla scena, che è proprio quello che vuole. "Quell'ombrello nella foresta suggerisce che sta succedendo qualcosa", dice. "Mi piace l'idea che tutto si comporti come potenziale contenuto. Davvero non penso a cosa significhi quando lo realizzo, perché so che avrà un suo significato."
Quando dipinge figure umane, come in un'immagine a olio e grafite di una coppia romantica che chiama Untitled Love, Lee vuole che la pittura interessi uno spettatore tanto quanto l'immagine. "Non è esattamente un dipinto figurativo", dice, "perché non riguarda proprio queste persone. Quando ho iniziato il dipinto, si trattava solo della figura, ma molto presto mi è sembrato troppo piatto. Mi sono davvero frustrato e in qualche modo distrutto la maggior parte del dipinto, e poi è stato molto meglio. Ho preso un pennello e ho semplicemente offuscato tutto violentemente. Astrattando tutto a tal punto, il dipinto si apre, guadagna un sacco di potenziale contenuto invece di spiegarsi esplicitamente. "
I dipinti di Katherine Lee saranno esposti in una mostra di tesi alla Galleria delle Belle Arti del College di Santa Fe a maggio.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, 32 anni, recentemente laureata alla School of the Arts della Columbia University, è una pittrice il cui lavoro si sta aggiungendo alla nuova eccitazione per la pittura contemporanea che fonde astrazione e rappresentazione. Nel suo studio di Brooklyn, le tele sono ricoperte da grandi pennellate astratte che ricordano de Kooning, eppure incorporano il tipo di figure che un pittore come Matisse avrebbe potuto immaginare. Neel afferma che la sua sensibilità è modellata dall'ondata di immagini che la circondano, dalla pubblicità e dalla televisione a film, video e Internet. "Siamo consumatori di immagini quasi dal giorno in cui siamo nati", dice, e pensa che l'arte ora abbia a che fare con quell'ambiente.
Nipote della pittrice figurativa del XX secolo Alice Neel, Elizabeth naviga spesso in Internet per le immagini prima di iniziare un dipinto. Non proietta fotografie su una tela, ma realizza schizzi delle immagini che desidera utilizzare. A volte, dice, gli aspetti puramente formali della realizzazione di un dipinto - la scala delle sue pennellate, per esempio - possono cambiare il suo interesse per la foto e inviarla a Internet per nuove immagini e idee. "Penso che la pittura possa avere una meravigliosa dualità; può riguardare se stessa e può riguardare il mondo", dice, "ed è un buon passaggio in un dipinto quando ciò accade."
Il collezionista britannico Charles Saatchi ha acquistato alcuni dei dipinti di Neel e ne include alcuni nella sua serie di mostre in corso, "Il trionfo della pittura", nella sua galleria di Londra. Neel farà una mostra personale al Deitch Projects di New York City nella primavera del 2008. I suoi lavori possono essere visti sul sito Web di Deitch Projects.
Lo scrittore e pittore Paul Trachtman vive nel New Mexico. Il suo articolo sui dadaisti fu pubblicato nello Smithsonian del maggio 2006 .
