Tutte le tendenze diventano più chiare con il tempo. Guardando l'arte anche a 15 anni di distanza, "puoi vedere gli schemi un po 'meglio", dice Melissa Ho, assistente curatrice del Museo Hirshhorn. "Esistono tendenze più ampie e profonde che riguardano il modo in cui viviamo nel mondo e il modo in cui lo stiamo vivendo".
Cos'è esattamente l'arte moderna? La domanda, dice, è meno rispondente che infinitamente discutibile.
Tecnicamente, afferma Ho, l'arte moderna è "l'espressione culturale del momento storico della modernità". Ma il modo in cui decomprimere questa affermazione è contestato. Un modo per definire l'arte moderna, o qualcosa del genere, è descrivere ciò che non è. La pittura e la scultura accademiche tradizionali hanno dominato i secoli XVII, XVIII e XIX. "Si trattava di una tecnica perfetta e senza soluzione di continuità e dell'utilizzo di quella tecnica perfetta e senza soluzione di continuità per eseguire argomenti molto consolidati", afferma Ho. C'era una gerarchia di generi, dai dipinti di storia alla ritrattistica a nature morte e paesaggi, e nozioni molto rigorose di bellezza. "Parte del trionfo del modernismo è il rovesciamento dei valori accademici", afferma.
In qualche modo in contrasto con l'arte accademica tradizionale, l'arte moderna riguarda l'espressione personale. Anche se storicamente non è sempre stato così, spiega Ho, "ora, sembra quasi naturale che il modo in cui pensi alle opere d'arte sia come espressione di una visione individuale". Il modernismo abbraccia un'enorme varietà di artisti e tipi di arte. Ma i valori dietro i pezzi sono più o meno gli stessi. "Con l'arte moderna, c'è questa nuova enfasi posta sul valore di essere originale e fare qualcosa di innovativo", afferma Ho.
Edouard Manet e gli impressionisti erano considerati moderni, in parte, perché rappresentavano scene della vita moderna. La rivoluzione industriale ha portato un sacco di persone nelle città e nuove forme di svago sono nate nella vita urbana. All'interno delle gallerie di Hirshhorn, Ho fa notare il Popolo di Chilmark di Thomas Hart Benton, un dipinto di una massa di uomini e donne aggrovigliati, che ricorda leggermente un classico Michelangelo o la famosa Zattera della Medusa di Théodore Géricault, tranne per il fatto che è una scena contemporanea sulla spiaggia, ispirato alla città del Massachusetts dove Benton passava l'estate. Ringside Seats, un dipinto di un incontro di boxe di George Bellows, è appeso nelle vicinanze, così come tre dipinti di Edward Hopper, uno intitolato First Row Orchestra di amanti del teatro che aspettano che vengano tirate le tende.
Nell'arte rinascimentale, un alto premio è stato dato all'imitazione della natura. "Quindi, una volta che è stato scheggiato, l'astrazione può prosperare", afferma Ho. Opere come Benton e Hopper sono una combinazione di osservazione e invenzione. I cubisti, all'inizio del 1900, iniziarono a giocare con lo spazio e la forma in un modo che deformava la tradizionale visione pittorica.
Gli storici dell'arte usano spesso la parola "autonomo" per descrivere l'arte moderna. "Il vernacolo sarebbe" arte per l'arte ", " spiega Ho. "Non deve esistere per nessun tipo di valore di utilità diverso dalla propria ragione esistenziale per essere." Quindi, valutare l'arte moderna è una bestia diversa. Piuttosto che chiedere, come si potrebbe fare con un dipinto di storia, della narrativa: chi è il personaggio principale? E qual è l'azione? Valutare un dipinto, diciamo, di Piet Mondrian, diventa più incentrato sulla composizione. "Riguarda la tensione compositiva", afferma Ho, "l'equilibrio formale tra colore, linea e volume da un lato, ma anche solo l'estrema purezza e rigore di esso".
Secondo Ho, alcuni affermano che il modernismo raggiunge il suo apice con l'espressionismo astratto in America durante l'era della seconda guerra mondiale. Ogni artista del movimento ha cercato di esprimere il suo genio e il suo stile, in particolare attraverso il tocco. "Quindi ottieni Jackson Pollock con la sua vernice gocciolante e lanciante", dice Ho. "Ottieni Mark Rothko con i suoi campi di colore molto luminosi e sottilmente dipinti." E, a differenza dell'invisibile pennellata nei dipinti accademici fortemente vetrati, i tratti nei dipinti di Willem de Kooning sono lenti e talvolta spessi. "Puoi davvero sentire come è stato realizzato", afferma Ho.
Poco dopo la seconda guerra mondiale, tuttavia, le idee alla base dell'arte iniziarono di nuovo a cambiare. Il postmodernismo si allontana dalla moderna attenzione all'originalità e l'opera è volutamente impersonale. "Si vede un sacco di lavoro che utilizza mezzi meccanici o quasi-meccanici o mezzi deskilled", dice Ho. Andy Warhol, ad esempio, usa la serigrafia, in sostanza rimuovendo il suo tocco diretto, e sceglie i soggetti che giocano fuori dall'idea della produzione di massa. Mentre artisti moderni come Mark Rothko e Barnett Newman hanno fatto scelte cromatiche volte a connettersi emotivamente con lo spettatore, artisti postmoderni come Robert Rauschenberg introducono opportunità nel processo. Rauschenburg, dice Ho, era noto per acquistare vernice in lattine non contrassegnate nel negozio di ferramenta.
"Il postmodernismo è associato alla decostruzione dell'idea, 'Io sono il genio artistico e tu hai bisogno di me'", afferma Ho. Artisti come Sol LeWitt e Lawrence Weiner, con opere a Hirshhorn, evitano ancora di più la paternità. Il pezzo di Weiner intitolato “UNA SFERA DI GOMMA GETTATA SUL MARE, Cat. Il n. 146 ", ad esempio, è esposto al museo con grandi caratteri blu, sans serif. Ma Weiner era aperto alle sette parole riprodotte in qualsiasi colore, dimensione o carattere. "Avremmo potuto prendere un pennarello e scriverlo sul muro", dice Ho. In altre parole, Weiner considerava il suo ruolo di artista più legato al concepimento che alla produzione. Allo stesso modo, alcuni dei disegni di LeWitt della fine degli anni '60 sono fondamentalmente disegni per istruzione. Fornisce istruzioni ma chiunque, in teoria, può eseguirle. "In questa generazione del dopoguerra, c'è una tendenza, in un certo senso, verso la democratizzazione dell'arte", afferma Ho. "Come il disegno di Sol LeWitt, è questa opinione che chiunque può fare arte."
Etichette come "moderna" e "postmoderna", che cercano di individuare le date di inizio e fine per ogni periodo, a volte irk storici e curatori dell'arte. "Ho sentito tutti i tipi di teorie", afferma Ho. “Penso che la verità sia che la modernità non è avvenuta in una data particolare. È stata questa graduale trasformazione che è avvenuta nel corso di circa duecento anni. ”Naturalmente, le due volte che, per motivi pratici, devono essere fissate le date sono quando si insegnano corsi di storia dell'arte e si organizzano musei. Nell'esperienza di Ho, l'arte moderna inizia in genere intorno al 1860, mentre il periodo postmoderno mette radici alla fine degli anni '50.
Il termine "contemporaneo" non è associato a un periodo storico, come lo sono moderno e postmoderno, ma descrive semplicemente l'arte "del nostro momento". A questo punto, tuttavia, le opere risalenti al 1970 sono spesso considerate contemporanee. L'inevitabile problema con questo è che costituisce un corpo in continua espansione di lavoro contemporaneo di cui sono responsabili professori e curatori. "Devi solo tenere d'occhio come stanno andando queste cose", consiglia Ho. "Penso che stanno per essere ridefiniti."
