La colonna sonora della composizione indeterminata di John Cage “Fontana Mix” (immagine: BBC Radio 3)
Con lo sviluppo della notazione musicale, la musica è stata liberata dai legami delicati delle tradizioni orali e uditive. Una struttura sottostante standardizzata significava che tutto, dal canto gregoriano a "Johnny B Goode", poteva essere preservato e proliferato con relativa facilità. Tuttavia, a partire dagli anni successivi alla seconda guerra mondiale, alcuni musicisti e compositori più progressisti hanno iniziato a pensare che lo staff musicale potesse essere più restrittivo che liberatorio e ha iniziato a sperimentare nuove forme più espressive di notazione musicale grafica.
Il compositore americano John Cage ha esplorato la possibilità di utilizzo e l'indeterminatezza nelle sue composizioni musicali con l'obiettivo di cancellare la sua soggettività dalla sua musica, la mano degli artisti, per così dire. Per comunicare le sue "composizioni" indeterminate, per usare il termine in modo approssimativo, Cage ha sviluppato metodi elaborati di notazione grafica che coinvolgono una serie di trasparenze. Ha usato questo metodo per la prima volta nella colonna sonora del 1958 per "Variazioni I", che consisteva in sei quadrati trasparenti - uno con 27 punti che rappresentano il suono e cinque con cinque linee, che rappresentano qualsiasi valore musicale assegnato. La composizione è stata ottenuta posizionando i quadrati uno sopra l'altro in qualsiasi combinazione. Cage continuerà a sviluppare ed espandere questo metodo negli anni '50 e '60, come si vede nell'immagine in alto che raffigura la colonna sonora un po 'più elaborata per "Fontana Mix". La notazione di Cage è composta da quattro cassette multi-canale, dieci trasparenze incise con minuscole punti, un lucido con una linea retta e dieci fogli di carta su cui sono state disegnate linee ondulate colorate e un "bastone" simile a una carta millimetrata. I lucidi sono stati usati per ricavare coordinate che sono state quindi utilizzate per determinare quale nastro è stato utilizzato, come così come i valori del suono dal nastro: lunghezza (in pollici), volume, timbro e così via. Secondo la All Music Guide to Classical Music, Cage ha descritto la colonna sonora come "una macchina fotografica da cui chiunque può scattare una fotografia".
La colonna sonora di "Pendulum Music" di Steve Reich (immagine: Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000)
La colonna sonora di "Pendulum Music" di Steve Reich (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) La colonna sonora di Steve Reich per "Pendulum Music" è una serie di istruzioni scritte e semplici che descrivono come il pezzo viene messo in scena ed eseguito. La registrazione di cui sopra è stata fatta da Sonic Youth per il loro album del 1999 SYR4: Goodbye 20th Century. Parti della partitura scritta a mano sono un po 'difficili da leggere, quindi ecco una trascrizione:
“2, 3, 4 o più microfoni sono sospesi al soffitto tramite i loro cavi in modo che pendono tutti alla stessa distanza dal pavimento e siano tutti liberi di oscillare con un movimento pendolare. Il cavo di ciascun microfono è collegato a un amplificatore collegato a un altoparlante. Ogni microfono pende alcuni pollici direttamente sopra o accanto al suo altoparlante.
La performance inizia con gli artisti che prendono ogni microfono, tirandolo indietro come un'altalena e poi all'unisono rilasciandoli tutti insieme. Gli artisti quindi accendono con cura ciascun amplificatore fino al punto in cui si verifica il feedback quando un microfono oscilla direttamente sopra o accanto al suo altoparlante. Pertanto, una serie di impulsi di retroazione sono diretti che saranno tutti all'unisono o non dipenderanno dalle relazioni di fase che cambiano gradualmente nei diversi pendoli del microfono.
Gli artisti si siedono quindi per guardare e ascoltare il processo insieme al pubblico.
Il pezzo termina qualche volta dopo che tutti i microfoni si sono fermati e stanno fornendo un tono continuo da parte degli artisti che tirano fuori i cavi di alimentazione degli amplificatori. ”
Notazione grafica di Brian Eno per Music for Airports (pubblicato sul retro della copertina dell'album) Nel 1978 il musicista Brian Eno ha creato l'album fondamentale Ambient 1: Music for Airports . Eno ha coniato il termine "ambiente" per descrivere questo paesaggio sonoro atmosferico e distinguerlo dalla "musica dell'ascensore" in scatola, introdotta da Muzak. In tal modo, ha creato non solo un album, ma un intero genere di musica. Eno è stato ispirato da compositori come Cage e Reich, ma non ha avuto una formazione musicale formale. Quando gli è stato chiesto da un'intervista perché non ha mai imparato a leggere la musica, Eno, che ha preferito scrivere direttamente su nastro, ha risposto:
“Non sarebbe molto utile per me. Ci sono state una o due occasioni in cui sono stato bloccato da qualche parte senza il mio registratore e ho avuto un'idea, ho cercato di memorizzarlo, e poiché una buona idea si basa quasi sempre su una sfumatura sconosciuta, è quindi automaticamente difficile da ricordare. Quindi in quelle occasioni molto rare ho pensato: "Dio, se solo potessi scriverlo." Ma in effetti, molto di ciò che faccio ha a che fare con la trama del suono, e non puoi notarlo comunque ... Questo perché la notazione musicale è nata in un momento in cui le trame sonore erano limitate. Se hai detto violini e fiati che hanno definito la trama del suono, se dico sintetizzatore e chitarra non significa nulla: stai parlando di 28.000 variabili. ”
Al posto della notazione tradizionale, Eno ha creato la grafica vista sopra, che sembra essere più interessata a comunicare un'impressione visiva della musica e non è veramente intesa come guida per la riproduzione della musica.
Una pagina della partitura di “Polymorphia” (Ex Tempore) di Krzysztof Penderecki "Polymorphia" di Krzysztof Penderecki è stato commissionato dalla Radio della Germania del Nord Amburgo nel 1961. Come suggerisce il nome, il pezzo prende effettivamente varie forme e cambia drammaticamente da una sezione all'altra. Con "Polymorphia", Penderecki era alla ricerca di nuove possibilità sonore e, se quelle possibilità includono "musica house infestata terrificante", l'ha assolutamente inchiodato. La composizione è destinata a 48 strumenti a corda ed enfatizza il timbro piuttosto che il tono e la collisione di corpi generatori di suoni in metallo, legno o pelle - ciò che la studiosa di musica Danuta Mirka definisce i "materiali primari" del compositore. La notazione è stata ispirata, in parte, da elettroencefalogrammi - misurazioni visive dell'attività cerebrale. Evita le misure tradizionali a favore di un punteggio diviso in sezioni di lunghezza variabile e, in alcune sezioni, ulteriori divisioni verticali per contrassegnare ogni secondo, con uno "spazio di intonazione totale" che descrive l'intonazione relativa di ogni strumento.
Pagina 183 della partitura per "Treatise" (Spiral Cage) di Corenlius Cardew Il “Trattato” del compositore inglese Cornelius Cardew è stato scritto tra il 1963 e il 1967. Consiste in 193 pagine di notazione grafica che impiega numeri, forme e simboli ambigui che Carew intendeva essere interpretato dall'artista. Suggerisce che gli artisti concordino le proprie regole prima della performance, ma non fornisce altre istruzioni esplicite per l'interpretazione del brano. Nel manuale "Trattato", Cardew offre ulteriori consigli criptici come "Ricorda che lo spazio non corrisponde letteralmente al tempo" e "C'è una grande differenza tra: a) fare tutto ciò che ti piace e allo stesso tempo leggere le notazioni, e b) leggere le notazioni e cercare di tradurle in azioni. Ovviamente puoi lasciare che lo spartito funzioni su materiale precedentemente fornito, ma devi farlo funzionare attivamente. ”L'unica costante in tutto il“ Trattato ”è la“ linea di vita ”spessa al centro dello spartito. Non ha alcun valore intrinseco ma viene spesso utilizzato dagli artisti come riferimento di base per il tono o altri valori musicali. In definitiva, "Trattato" è la notazione come forma d'arte. Come dice Carew, “La notazione è più importante del suono. Non l'esattezza e il successo con cui una notazione nota un suono; ma la musicalità della notazione nella sua notazione. "
Notazione di scacchi sovrapposta all'immagine di una partita di scacchi musicale tra Marcel Duchamp e John Cage (Parsons) In conclusione, la mezza notazione. Lo conto solo a metà perché utilizza un sistema di notazione tradizionale, ma non un sistema di notazione musicale . Nel 1968 John Cage ha giocato una partita a scacchi contro Marcel DuChamp come parte della performance collaborativa, Reunion (pdf), che comprendeva anche musica elettronica di David Behrman, Gordon Mumma, David Tudor e Lowell Cross. Dato il suo interesse per il caso, non è una sorpresa che Cage abbia concepito l'opera, ma è stata composta dai suddetti musicisti. La scheda stessa è stata progettata da Cross e ha nascosto resistori fotografici, microfoni a contatto e connessioni a generatori di suoni. Durante la partita il movimento dei pezzi ha attivato luci e musica elettronica, trasformando l'ambiente espositivo in base al movimento dei pezzi sul tabellone. L'arte degli scacchi si è trasformata in musica e luce, una sorta di sinestesia strategica. È un'idea affascinante. Come suonerebbe la Difesa siciliana? O un Gambetto della regina?
Gli esempi precedenti rappresentano sia la notazione per la musica sperimentale sia la notazione sperimentale per la musica. Ma sono solo alcuni dei tanti modi di notazione grafica e sperimentale che sono stati esplorati dagli artisti negli ultimi 60 anni circa. Mentre alcuni artisti ritengono che le restrizioni siano fonte di ispirazione, anche se tali restrizioni sono apparentemente illimitate come la notazione musicale, altri trovano che i progressi possono essere fatti solo frantumando le modalità di produzione e comunicazione accettate. E mentre i risultati potrebbero non essere sempre divertenti, sono innegabilmente interessanti e rappresentano uno sforzo sincero per spingere una forma d'arte in un territorio inesplorato. Avanguardia nel vero senso della parola.
