Da una descrizione della stampa ora, nel 2017, sembra perfettamente tradizionale. Un'incisione in bianco e nero su carta, una forma d'arte che esiste da 500 anni. Un ritratto di una donna. Sullo sfondo, probabilmente una specie di interno domestico. Un titolo semplice, American Girl .
Ma nel 1974, quando l'artista Emma Amos realizzò American Girl, ora nelle collezioni dello Smithsonian American Art Museum, il paese brulicava di movimenti di protesta sociale: per la liberazione delle donne, per Black Power, per i diritti LGBT, per i diritti dei nativi americani. Gruppi un tempo silenziati chiedevano di essere visti e ascoltati. Gli artisti hanno sostenuto queste proteste non solo marciando e scrivendo ma attraverso le arti visive. Gli artisti neri hanno discusso se particolari mezzi o stili avanzavano la giustizia razziale.
Romare Bearden, per esempio, aveva lavorato per anni in collage, in parte come un modo per dare risalto alle immagini di individui neri reali. Dibattito ribolliva se era accettabile essere un pittore astratto o se il lavoro degli artisti neri "doveva essere in qualche modo sull'esperienza dei neri", molto probabilmente descrivendo le persone di colore, dice Alex Mann, curatore del museo di stampe e disegni . All'epoca alcuni artisti cercavano ispirazione in Africa e cercavano di creare arte per e sugli africani di tutto il mondo. Altri hanno realizzato un lavoro apertamente politico o radicale, che spazia dalla scultura sotto forma di cocktail Molotov rivolto a zia Jemima a stampe e manifesti che richiedono un'azione.
American Girl è un lavoro più tranquillo e personale di molti dei suoi tempi. Tuttavia, ci sono una miriade di modi in cui un artista può fare una dichiarazione sociale. La stessa Amos avrebbe continuato a fare un lavoro più apertamente politico. Dice Mann: "A volte parli in frasi brevi, a volte usi poesie".
Amos era in sintonia sia con il movimento per i diritti civili sia con il crescente movimento delle donne. Nata nel 1938, è cresciuta nella città natale di Martin Luther King Jr., segregata ad Atlanta, dove "non sarebbe stata la benvenuta nel museo", afferma Mary Ryan, comproprietaria della Ryan Lee Gallery di New York, che rappresenta Amos oggi. (L'artista stessa non è più disponibile per le interviste, ma alcune delle sue opere dagli anni '80 al 2010 sono esposte in galleria fino a metà dicembre.) Poco dopo che Amos si è trasferita a New York all'inizio degli anni '60, un gruppo di artisti neri di spicco formarono un collettivo chiamato Spiral, per discutere i modi migliori in cui il loro lavoro poteva sostenere la causa della giustizia razziale. Hanno invitato Amos ad unirsi a loro, come membro più giovane del gruppo, e unica donna.
La storica dell'arte femminista Linda Nochlin, deceduta il mese scorso, nel 1971 scrisse un articolo innovativo, "Perché non ci sono grandi donne artiste?", Sulle barriere sociali che le donne incontrano nel diventare artisti. Come una donna di colore, Amos ha affrontato quegli ostacoli e altro ancora. Ha cercato di trovare lavoro come insegnante di arte a New York, ma è stata rifiutata ripetutamente perché, dice Mann, era "giovane, femmina, nera". Era consapevole, dice, "che gli artisti bianchi e soprattutto gli artisti maschi bianchi non stavano affrontando stesse sfide. ”Fece fatica a far sentire la sua voce, scoprendo che le gallerie raramente esponevano dipinti di artisti neri. Senza un posto dove mostrare il suo lavoro, è stata tentata di smettere del tutto di dipingere, dicendo a un intervistatore: "Sono stremato dal fatto che rimarrò bloccato con altri dipinti. . . Li sto facendo senza motivo. Nessuno li ha mai visti '”.
Nel 1974, quando aveva fatto American Girl, Amos aveva iniziato a staccarsi dal gruppo Spiral, chiedendosi "se gli artisti neri di sesso maschile più anziani che l'avevano supportata la prendessero sul serio e offrissero la sua piena opportunità", dice Mann. Qualche anno dopo, Amos si unì al collettivo femminile femminista Heresies, e in seguito divenne una delle anonime attiviste del mondo dell'arte Guerrilla Girls.
American Girl fa parte di un portfolio chiamato "Impressions: Our World, vol. 1 ", che fa una dichiarazione in sé. Composto da stampe di sette artisti neri, sia uomini che donne, è stato prodotto al Printmaking Workshop, gestito dall'artista afroamericano Robert Blackburn. Era significativo che un gruppo di artisti neri organizzasse il progetto da soli. Molti a quel tempo avevano protestato contro l'incapacità dei musei di includere il lavoro degli afroamericani e gli artisti neri cercavano "una voce nel definire il contesto in cui [il loro] lavoro [è stato] mostrato", dice Evelyn Hankins, curatrice senior presso Museo e giardino delle sculture di Hirsonhorn di Smithsonian. Tutte le stampe del portfolio sono in bianco e nero, lo stesso schema di colori che Spiral aveva scelto, a causa della sua connotazione razziale, per la mostra del gruppo negli anni '60.
Come direbbe Emma Amos (sopra nel 2011): "Per me, un'artista di colore, entrare nello studio, è un atto politico". (Becket Logan) Anche le scelte di Amos sembrano dirlo. All'epoca, ritrarre qualsiasi figura nera, e in particolare una donna nera, una figura quasi invisibile nel canone storico europeo-americano, poteva essere vista come un commento sociale. Come per renderla pienamente visibile, Amos raffigura la donna apparentemente nuda; Ryan afferma che Amos "è sempre stato interessato alla bellezza del corpo nero". La diversa ricchezza di inchiostro nero nei capelli, nel corpo e nel viso della donna riflette anche le scelte. "Ogni volta che penso al colore è una dichiarazione politica", ha detto una volta Amos. Come artisti, "parliamo sempre di colore, ma i colori sono anche i colori della pelle e il termine stesso" colorato ", tutto per me significa qualcos'altro. Devi scegliere, come artista nero, di che colore rendere le tue figure. . . butterscotch, marrone o davvero nero. ”I toni profondi accentuano gli occhi pallidi e diffidenti della donna e la linea bianca che la divide da ciò che la circonda. A Hankins sembra "separata o isolata dal mondo, forse mettendo in discussione il suo posto nel mondo".
L'argomento del lavoro di Amos può apparire personale, perfino intimo, ma nel 1974 frasi come "Il personale è politico" e "Il nero è bello" erano le grida di protesta dei movimenti di protesta. Sarebbe stato difficile vedere un'opera come questa senza leggere un messaggio. Kelli Morgan, curatrice presso l'Accademia delle Belle Arti della Pennsylvania, che ha studiato le opere successive di Amos, vede American Girl come "una rappresentazione di una donna nera come fondamento della società americana". Aggiunge: "Come storica, ho letto come un'affermazione sociopolitica. "Come direbbe Amos alcuni anni dopo, " Per me, un'artista di colore, entrare nello studio, è un atto politico ".
E poi c'è il titolo dell'opera, American Girl . Cosa significa chiamare questa donna una ragazza? Nel 1974, la liberazione delle donne era nell'aria e le femministe sostenevano che la parola "ragazza" fosse umiliante. Per quanto riguarda "americano", gli artisti neri avevano decostruito il suo significato da qualche tempo. In risposta alla violenza della fine degli anni '60, Faith Ringgold aveva dipinto una bandiera con le parole "Die N *****" nascoste nelle sue stelle e strisce. Nel 1964, Lois Mailou Jones aveva affrontato le relazioni razziali con Challenge — America, un collage che raffigurava eroi neri, presidenti degli Stati Uniti, ritagli di notizie e la parola "America" che scorreva attraverso di loro come un filo. In Amos's American Girl, Morgan vede echi di una bandiera americana nel modello di strisce verticali e macchie bianche su un terreno scuro.
Allora e ora, dice Hankins, funziona come questo solleva "la questione di cosa significhi essere americani".
Aggiunge: "È una domanda con cui sembriamo avere molte difficoltà".
American Girl non è attualmente in vista. La mostra "Emma Amos: Black Bodies" della Ryan Lee Gallery è in mostra fino al 16 dicembre 2017 al 515 West 26th Street, New York, New York.
