Indossa la tua arte sulla manica

L'arte da indossare occupa un posto unico nell'universo creativo. A cavallo tra moda, artigianato e arte, questa classificazione ibrida ha storicamente cercato di elevare l'abito al di sopra del suo ruolo pratico. Dai preraffaelliti del 1890 ai fabbri surrealisti degli anni '30 fino agli eco-designer di oggi, tali artigiani riconoscono che gli abiti che indossiamo rappresentano idee e opinioni.

Da questa storia

Arte da indossare

Erte: Art to Wear: The Complete Jewellery

Spesso collegati ai precetti del Surrealismo o di Dada, questi artisti hanno iniziato a sperimentare forme, motivi e materiali di gioielli e abbigliamento. In effetti, il surrealismo come movimento ha guadagnato la stima popolare dalle sue incursioni nella moda.

All'apice di questa fusione di arte d'avanguardia e haute couture, un'elegante designer italiana di nome Elsa Schiaparelli ha collaborato con luminari surrealisti come Jean Cocteau e Salvador Dalí. Con Dali, Schiaparelli ha creato uno dei suoi capi più sorprendenti: l'abito di aragosta, un abito di organza di seta color crema accentuato con crine di cavallo sintetico creato da Schiarparelli, che Dali ha poi decorato con una grande aragosta macchiata di prezzemolo.

Chiamato anche il movimento dei mestieri da indossare e includendo l'arte della fibra, l'artigianato in pelle, i gioielli di tutti i materiali e qualsiasi cosa immaginabile per adornare se stessi, il movimento artistico da indossare non si identificò come tale fino agli anni '60. Tuttavia, molti riconoscono artisti e gioiellieri modernisti che creano tra il 1920 e il 1950 sono tra i primi produttori di artigianato.

Questa settimana le opere di 50 artisti che vendono di tutto, dai gioielli, all'abbigliamento, alle sciarpe e alle borse, sono esposte all'evento annuale di raccolta fondi Craft2Wear della Smithsonian Institution presso il National Building Museum di Washington, DC. I proventi dello spettacolo, prodotti dal Smithsonian Women's Committee, supportano borse di studio e dotazioni per la ricerca presso l'istituzione.

Tre artisti, Starr Hagenbring, Susan Sanders e Kathleen Nowak Tucci, che lavorano su una varietà di materiali fisici e con decenni di esperienza nel design, saranno tra quelli che offrono oggetti in vendita durante l'evento. La loro arte è apparsa in tutto il mondo, da una cover di Vogue Italia al bavero di Margaret Thatcher in televisione.

Unire questi tre artisti e la mostra Crafts2Wear è un interesse costante nel combinare arte e materiali alti e bassi, in linea con la missione dirompente del movimento dell'arte indossabile attenta all'ambiente degli anni '60 e '70.

Hagenbring trasforma insetti ampiamente insultati in arazzi complessi e cangianti, trasformando "i brutti in meravigliosi". Tucci si diletta nel creare "qualcosa di eccezionale valore da qualcosa che sarebbe finito nelle nostre discariche". E Sanders, elaborando la giustapposizione tra l'alto e materiali bassi, lavora in una piattaforma ultra-tecnologica - stampa 3D - con materiali industriali economici, incontrando l'arte dove non ci si potrebbe aspettare.

Starr Hagenbring: The Beauty of Bugs

Hagenbring, con sede a New York, continua la tradizione delle fibre artistiche dipinte di Dalì e Schiaparelli, usando il tessuto come tela, intrecciando fili colorati e applicando vernici brillanti e opalescenti per creare sorprendenti tableau. La sua arte, che può essere vista e acquistata nel suo negozio Art & Eyes di New Orleans, affronta numerosi argomenti: sagome classiche ed esotiche, disegni astratti e, più recentemente, insetti realistici e astratti.

La sua creatività nasce dal desiderio di superare le avversioni personali.

Da bambina, i ragni l'hanno presa dal panico fino a quando non si è sfidata a impegnarsi profondamente nel loro mondo. Ha trovato la loro intricata bellezza. E l'esperienza ha stimolato un fascino per tutta la vita.

Circa 25 anni fa, mentre visitava la Birmania, Hagenbring incontrò un muro posto auto coperto, coperto quasi interamente da insetti di diversi tipi e dimensioni. Fu come ricorda, "un'esibizione di insetti della Smithsonian Institution". Troppo sorpresa di essere disgustata, esaminò invece il "display" e scoprì una diversità di dimensioni, forme delle ali, motivi geometrici, cantilever nascosti e bellezza generale. Ora, la molteplicità e la forza di queste creature infondono gran parte della sua arte da indossare.

Gli insetti hanno ispirato la creazione di oggetti d'arte per secoli, dalle tradizionali maschere africane ai dipinti cubisti di Picasso, un patrimonio riconosciuto da Hagenbring. Concentrandosi sulla loro inaspettata bellezza e non allontanandosi da dettagli ampi e realistici, Hagenbring afferma di aver superato il "fattore ew " che molte persone associano agli insetti. Il suo obiettivo è di invogliare le persone a trovare la bellezza inaspettata e informa un desiderio più ampio di incoraggiare le persone a, come dice con enfasi: “Fermati, fermati, fermati. Guarda cosa abbiamo intorno a noi. "

Kathleen Nowak Tucci: Estetica ecologica

Negli anni '60 e '70, il nuovo movimento indossabile d'arte ha anche abbracciato la consapevolezza ambientale come parte della sua missione, sottolineando le trame e le qualità dei materiali naturali e sostenibili. I membri della nascente comunità fondevano l'estetica con la funzione, cercando di sconvolgere le classifiche o le gerarchie tradizionali all'interno delle comunità artistiche che elevano l'arte "fine" al di sopra dei mestieri utilizzabili. Un'enfasi sul lavoro tessile - precedentemente respinto dalla legione di grandi artisti come "lavoro delle donne" - si è discostato con il crescente movimento di liberazione delle donne.

Analogamente impregnato di valuta politica, il recente lavoro di Kathleen Nowak Tucci si collega con le crescenti preoccupazioni globali per la distruzione ecologica, i rifiuti e l'inquinamento, e estende l'interesse degli artisti indossabili tradizionali per materiali "bassi" o outré a camere d'aria di biciclette scartate, cavi freno d'acciaio gettati e capsule di caffè Nespresso usate. I suoi gioielli riciclati sono iniziati con le camere d'aria "liberate" dai bidoni della polvere delle officine di riparazione di biciclette.

Mentre è colpita dalla quantità di rifiuti umani che incontra, dagli scarichi di biciclette e dai negozi di motociclette Harley-Davidson a Pensacola, in Florida, Tucci è stata inizialmente attratta dal lavorare con la gomma perché i "materiali sono così favolosi". Le proprietà malleabili della gomma, e le qualità protettive dell'acciaio creano un aspetto spigoloso che ricorda la cotta di maglia medievale, ma molto più indossabile.

Nel 2010, Vogue Italia presentava i gioielli di Tucci sulla copertina di un problema che riportava la recente fuoriuscita di petrolio BP nel Golfo. Come qualcuno che assiste alle vasche unte che imbrattano l'acqua, Tucci era grato di poter materializzare un messaggio di resilienza e la speranza di risurrezione attraverso i suoi ornamenti bonificati. Non molto tempo dopo, Tucci ha spiato una scatola di capsule Nespresso color caramella nell'ufficio del suo grafico, e ha iniziato a integrare il nero opaco delle camere d'aria con le scintillanti tonalità gioiello dell'alluminio anodizzato salvate dalle pattumiere dell'ufficio. Alla fine, si rese conto che le capsule Nespresso reggevano le proprie e crearono pezzi autonomi fervidamente luminosi. Nel maggio 2015, Tucci ha vinto il Saul Bell Design Award in materiali alternativi, una categoria che include qualsiasi materiale non un metallo prezioso. Il prossimo passo per l'eco-designer? A Tucci piacerebbe vedere un pezzo riciclato mentre cammina sul tappeto rosso di Hollywood durante un grande evento (Maggie Gyllenhaal o Tilda Swinton potrebbero portarlo a termine magnificamente).

Susan Sanders: stampa 3D del suo accattivante lavoro manuale

Negli anni '80, l'arte da indossare rifletteva l'estetica pop e i materiali artificiali popolari all'epoca. Gli stili grafici e le applicazioni piatte sottolineano le immagini di superficie. Nel 21 ° secolo, i creatori di arte da indossare hanno continuato a sperimentare tecniche e materiali, tra cui la stampa 3D più recente. Susan Sanders, originaria di Washington DC, ha iniziato la sua incursione nel mezzo alcuni anni fa dopo aver trascorso anni a perfezionare la sua estetica su vari materiali, tra cui argento, oro, seta, microfibra e pietra. Il suo lavoro è apparso in gallerie di tutto il mondo ed è stato venduto a un ampio spettro di clienti.

Anni fa, quando Sanders stava fabbricando spille di insetti di grandi dimensioni, completamente articolate, ottenendo una zanzara particolarmente grande e sorprendente. Non molto tempo dopo che il negozio del museo al Whitney di New York vendette la creazione, la segretaria di Stato degli Stati Uniti Madeleine Albright apparve in televisione indossandola. La spilla appare anche nel libro Albright Read My Pins: Stories from a Diplomat's Jewel Box , e come parte di una mostra itinerante, arrivata alla Smithsonian Institution nel 2010.

Sanders ha usato così tanti materiali diversi per tutta la sua carriera di 42 anni - durante tutto il quale ha lavorato ad Alessandria, la Torpedo Factory della Virginia - perché le piace rinfrescare periodicamente la sua percezione artistica. Quindi, quando ha visto per la prima volta gioielli stampati in 3D alcuni anni fa, il suo interesse è stato suscitato. Dopo un corso di software in un college della comunità, un seminario del fine settimana, innumerevoli video didattici su YouTube e ancora più ipotesi ed esperimenti, Sanders ha iniziato a produrre i suoi gioielli stampati in 3D, inizialmente in nero opaco, e poi dipinti a mano in tonalità brillanti che migliorano il molti angoli intrecciati del suo accattivante lavoro manuale. Sanders, che ha conseguito una laurea in design industriale presso la Carnegie-Mellon, afferma che il suo "gusto si inclina verso le forme geometriche" e il processo astratto di formulazione dei suoi progetti sembra che sia "tornata a casa".

I suoi disegni 3D sono tutti creati in un unico pezzo ma spesso hanno molte parti mobili: giunti invisibili, cerniere e sfere curiosamente ingabbiate. La plastica di nylon leggera utilizzata nel processo di stampa consente a Sanders di creare pezzi più grandi che sono ancora molto indossabili e convenienti. Il costo relativamente basso del processo le consente di raggiungere un pubblico di acquisto più ampio, un bel cambiamento dal lavorare con metalli preziosi.

Tutte e tre le donne concordano sul fatto che i clienti che indossano i loro prodotti devono essere auto posseduti, devono essere disposti a essere visti. L'abbigliamento, che si tratti di pantaloni della tuta o di un cappotto coperto di scarabei brillantemente illustrato, è performante. Ciò che indossiamo è il legame sempre affascinante tra il nostro io privato e la percezione del pubblico. Gli artisti di quest'anno a Craft2Wear offrono una miriade di modi per colmare questa lacuna con umorismo, stile e individualità.

Lo spettacolo Smithsonian Craft2Wear 2015 si svolgerà dal 1 al 3 ottobre al National Building Museum di Washington, DC. Lo spettacolo si aprirà giovedì 1 ottobre con Advance Chance Party & Fashion Show dalle 17:30 alle 21:00. I biglietti costano $ 75 e devono essere acquistato in anticipo. L'ingresso giornaliero per venerdì, dalle 10 alle 20 e sabato, dalle 10 alle 17 è di $ 10 (solo in contanti), pagabile alla porta. Il 2 ottobre, dalle 17:30 alle 20:00, Artful Happy Hour (dalle 17:30 alle 20:00) offrirà agli acquirenti la possibilità di brindare alle abilità degli artisti e di celebrare il supporto di lunga data della Commissione Smithsonian per la scienza e l'arte . I biglietti della lotteria per un paio di orecchini a baccello in mica di perle nere donati dall'artista Keith Lewis e una borsetta in maglia di pavone donati dagli artisti artigianali Bozenna e Lukasz Bogucki possono essere acquistati per $ 5 ciascuno o cinque per $ 20 ogni giorno dello spettacolo.