In una serata di inizio giugno, il cartellone video a tre pannelli che sovrasta uno degli incroci più trafficati del centro di Toronto si mescola attraverso le sue solite pubblicità. Guida un Outlander Mitsubishi, sollecita il cartellone. Iscriviti al fornitore di servizi Bell. Compra Gorilla Glue.
All'improvviso, una diversa immagine lampeggia su due dei tre schermi: una foto di 10 donne, premute spalla a spalla su una strada fiancheggiata da mattoni. Alcuni indossano giacche e abiti influenzati dalla moda occidentale, altri articoli dai colori vivaci di abiti tradizionali indigeni. Ognuno guarda direttamente nella telecamera e sorride, alcuni debolmente, altri con un sorriso smagliante.
Lo schermo centrale del tabellone per le affissioni proclama il titolo dell'immagine - "10 avvocati indigeni" - insieme al nome della fotografa e alla sua eredità: Nadya Kwandibens, Anishinaabe.
Dall'altra parte della strada, Kwandibens è in piedi con il viso rivolto verso l'alto, a guardare mentre la sua arte riempie il tabellone. Tira fuori il telefono in modo da poter catturare il momento.
"È pazzesco!" Piange.
"10 Indigenous Lawyers" (2012) Stampa cromogena 61 x 91, 4 cm (Resilienza / Nadya Kwandibens) È una calda notte d'estate in città e Kwandibens indossa metà dei suoi capelli in una lunga treccia, con l'altra metà ronzata corta. Intorno al collo è appeso un ciondolo d'oro che spiega "Kwe", che significa "donna" in Ojibwe.
Kwandibens, 40 anni, ha scattato ritratti di indigeni negli ultimi 18 anni. Il lavoro è iniziato come un hobby, ma presto ha capito di avere un talento per questo - e un talento per mettere le persone a proprio agio, per fare battute fino a quando non hanno mostrato un sorriso perfetto e sincero.
È tra i 50 artisti che hanno contribuito a "Resilience", una nuova mostra innovativa che quest'estate porterà l'arte delle donne indigene in 167 cartelloni pubblicitari in tutto il Canada. La maggior parte dei cartelloni è digitale e ruoterà attraverso tutte le 50 opere d'arte fino all'inizio di agosto.
"[Abbiamo] questo meraviglioso sogno", afferma la curatrice Lee-Ann Martin, che ha lavorato al progetto in collaborazione con Mentoring Artists for Women's Art (MAWA), un'organizzazione che supporta le donne artisti visive in Canada. Spera che le persone che fanno viaggi estivi lungo le autostrade canadesi o facciano i loro regolari spostamenti al lavoro " vedranno queste immagini su un cartellone e andranno, " Wow! "
Martin, che è Mohawk, è uno dei principali curatori di arte indigena contemporanea del paese. Nel corso della sua ormai trentennale carriera, ha lavorato con molti artisti indigeni, ma mai con 50 contemporaneamente. Quando MAWA le ha chiesto se fosse interessata a curare una campagna pubblicitaria a livello nazionale, era ansiosa di raccogliere la sfida. Martin sapeva che il progetto avrebbe offerto una visibilità senza precedenti all'arte delle donne indigene, che è stata a lungo sottorappresentata ed esclusa dal canone canadese.
In "Dominion" (fotografia 2011, 36 "x 48"), l'artista Kwakiutl Mary Anne Barkhouse contrappone una citazione biblica a una fotografia in bianco e nero di un lupo. (Resilienza / Mary Anne Barkhouse) 
"Summer Sealift" di Shuvinai Ashoona, artista inuit, 2003 "Litografia su carta, 22" x 30 "(Collection of Indigenous and Northern Affairs, Canada) 
"Untitled", artista 2016 della rivista Métis, stampa a getto d'inchiostro per archivio 2016, 36 "x 36" (Resilience / Jaime Black) 
"Waaschign", fotografia di Maria Hupfield dell'artista anishinaabe 2017, dimensioni variabili (Resilience / Maria Hupfield) 
"Ottawa # 1 and Bearlin # 1" (2014) dell'artista Anishnabekwe Bev Koski, perline, filo, oggetto trovato; 8, 3 x 5 x 8, 9 cm e 10, 8 x 6, 6 x 5, 7 cm (Resilienza / Bev Koski) 
Meryl McMaster (membro di Plains Cree della nazione Siksika, britannica e olandese) "Dream Catcher", stampa a pigmenti d'archivio 2015 su carta per acquerelli, 32 "x 66" (Resilienza / Meryl McMaster) Per molti secoli, e in molti posti in tutto il mondo, alle donne artisti sono state negate le opportunità offerte alle loro controparti maschili. Ma in Canada, le donne artisti indigene hanno dovuto affrontare una serie unica di barriere. Il primo, afferma Martin, è che gli antropologi occidentali e gli esperti museali hanno storicamente classificato le arti tradizionali delle donne - come perline e cucito - come artigianato, piuttosto che belle arti. "L'arte femminile [indigena] è sempre stata sottovalutata perché non si adattava a questi tipi occidentali di divisioni", spiega.
Nel 1965, il governo canadese ha istituito l'Indigenous Art Center per preservare e promuovere l'arte contemporanea da parte degli indigeni. Ma alcune donne artisti non sono state in grado di sfruttare i programmi del centro, secondo Martin. Secondo l'Indian Act, una legge del 1876 che cercava esplicitamente di assimilare il Popolo delle Prime Nazioni del Canada, le donne indigene persero il loro status nativo se sposarono uomini non statali. Sebbene questa disposizione sia stata abolita nel 1985, tra i suoi numerosi effetti dannosi vi era la negazione del sostegno del governo agli artisti in questa comunità.
Una campagna pubblicitaria a livello nazionale, che sarà vista da migliaia di persone ogni giorno, sembrava una potente risposta a anni di emarginazione. "Quelle [immagini] in piedi nelle dimensioni di un tabellone per le affissioni - che non potevano essere fatte nella galleria e hanno la stessa statura e simbolismo", afferma Martin con enfasi. Né uno spettacolo tradizionale poteva sperare di raggiungere il vasto pubblico che vedrà "Resilience" quest'estate.
MAWA aveva già lavorato con una società canadese di affissioni, quindi garantire la segnaletica rappresentava una piccola sfida. Meno semplice era l'assemblaggio di 50 opere d'arte che sarebbero state entrambe esposte piacevolmente in formato cartellone e che rispecchiano la diversità delle donne artigiane indigene del paese, comprese quelle che si identificano come First Nations, Inuit e Métis, un termine usato per descrivere le persone di origini indigene miste ed europee. Martin voleva anche catturare artisti emergenti e affermati, acquisendo immagini non solo da alcuni dei più noti del settore - Shelley Niro, Rebecca Belmore, Bonnie Devine - ma curando anche pezzi di artisti come Ursula Johnson e Jennie Williams che sta lasciando il segno sulla scena artistica canadese.
"The Sun is Setting on the British Empire", banner in vinile del 2017, 151 "x 259" di Marianne Nicolson (Musgamakw Dzawada'enuxw First Nations e discendenza scozzese). (Resilienza / Marianne Nicolson) 
“Ancestral Women Taking Back Their Dresses” dell'artista canadese Métis Sherry Farrell Racette, gouache del 1990 e acquarello su carta, 20 ”x 24” (Collezione del Saskatchewan Arts Board, Regina) 
“White Swan” di Jeneen Frei Njootli, artista di Vuntut Gwitchin, fotografia 2013, 11 ”x 17” (Collezione di indigeni e affari del nord del Canada) 
"Jingle Dancers Assembled" dell'artista Mohawk Skawennati, stampa 2011, 36 "x 62" (Collezione di indigeni e affari del nord del Canada) I cartelloni pubblicitari "Resilience" si snodano su una vasta distesa di terra, dalla costa della Columbia Britannica all'estremità orientale di Terranova. Si innalzano su strade di piccole città, vivaci centri cittadini e strade tortuose. Alcune località sono cariche di significato profondo; diversi cartelloni pubblicitari incombono sulla cosiddetta "Highway of Tears", un tratto di autostrada nella British Columbia dove almeno dieci donne e ragazze indigene sono scomparse o sono state trovate morte tra il 1969 e il 2006. Migliaia di casi simili sono stati segnalati in Canada negli ultimi decenni - una crisi che una volta il capo nazionale dell'Assemblea delle Prime Nazioni Perry Bellegarde ha definito "una tragedia nazionale, ma ... una vergogna internazionale".
Come suggerisce il nome, tuttavia, "resilienza" non riguarda la vittimizzazione. Le opere d'arte presenti nel progetto sono provocatorie, gioiose, belle. C'è il ritratto di Niro di sua madre, che si mette in posa sul bagagliaio di un'auto, con il braccio scagliato timidamente dietro la testa. Dayna Danger, una strana artista visiva, ha contribuito con la fotografia di una donna nuda che fissa con orgoglio la cinepresa mentre stringe un paio di corna al suo corpo. Christi Belcourt ha offerto un intricato dipinto di fiori, bacche e uccelli, reso nello stile della tradizionale perlina Métis.
"C'è così tanto da fare nelle [opere]", afferma Michelle McGeough, storica dell'arte indigena all'Università della British Columbia. “[Gli artisti] stanno affrontando questioni di appropriazione, stanno affrontando questioni relative ai modi in cui le donne indigene sono spesso viste. Penso che sia così importante per le giovani donne indigene vedere questo lavoro in questi spazi pubblici. "
Lisa Myers, una delle artiste presenti nel progetto, ritiene che anche per i non indigeni sia importante vedere il lavoro. Il giorno prima che i cartelloni pubblicitari fossero programmati per essere pubblicati, Myers ha previsto l'impatto che avrebbe avuto un progetto di questa portata. "Quando vedranno una varietà di opere d'arte di donne indigene, capiranno che esiste una voce vitale, molto consapevole e informata che viene dalle donne indigene", afferma. "E non solo donne artigiane indigene, ma donne indigene in generale."
Il suo contributo ai cartelloni pubblicitari è tratto dal suo progetto video del 2013 "attraverso la tensione superficiale", che la vide piantare una telecamera sulle rive di vari laghi e fiumi nel tentativo di "catturare la linea dell'orizzonte dell'acqua - qualcosa, dice, , che "è in realtà un po 'impossibile". L'ancora mostra il fiume Ottawa, sparato da terra, con i tetti verdi dell'edificio del parlamento canadese che sbirciano su un gelido guscio d'acqua. Da questo punto di vista, sembra che l'onda stia per ingoiare la sede del governo del paese.
"Questo è ciò che regola", dice Myers, elaborando il significato dell'immagine. "Abbiamo questi due poteri insieme in un'immagine: [l'acqua] è in realtà ciò che ci governa, questi sono i tipi di cose che sono molto più importanti."
Gran parte dell'arte di Myers è preoccupata per il potere di sostegno del mondo naturale. I mirtilli, per esempio, appaiono in primo piano nel suo lavoro. Li filma, usa i loro pigmenti per tingere serigrafie e li serve a sconosciuti come parte di una serie di spettacoli chiamata "Pranzo a terra". Il suo interesse per la frutta deriva, in parte, dall'esperienza d'infanzia di suo nonno che fugge da una scuola residenziale; sopravvisse ai mirtilli selvatici quando fuggì dalla scuola, viaggiando per 155 miglia a piedi.
Il lavoro di Kwandibens riflette anche sui legami ancestrali con la terra. Il suo contributo a "Resilienza" fa effettivamente parte di una serie più ampia intitolata "Indiani concreti", che presenta immagini di indigeni nei vivaci centri cittadini che si trovano sul territorio un tempo detenuti dai loro antenati.
Le donne che ha raccolto per "10 avvocati indigeni" - che ha preso in una strada fiancheggiata da mattoni a Vancouver, nella Columbia Britannica, nel 2012 - vantano tutte background e aree di competenza legale diverse, ma il modo in cui le ha fotografate le cattura come fronte unito.
"C'è qualcosa che accade quando qualcuno si mette davanti alla telecamera e sono così orgogliosi di ciò che sono, così orgogliosi di quello che fanno", afferma Kwandibens. "Per me, si tratta di onorare la loro presenza."
Da bambina, Kwandibens ha trascorso anni in affido, un ambiente che dice "non ha necessariamente prodotto una tale consapevolezza dell'identità, in particolare dell'identità dei nativi". Ora, si immerge nella cultura indigena. Ha fondato una società di fotografia chiamata Red Works e viaggia attraverso il Canada scattando foto nelle comunità indigene. Un'altra sua serie, "Outtakes", è una raccolta esuberante di foto di indigeni che ridono. Il progetto intende, in parte, combattere lo stereotipo dell '"indiano stoico", afferma Kwandibens. Ma non si preoccupa eccessivamente di correggere la percezione della sua cultura da parte di estranei.
"Si tratta sempre di come ci vediamo", dice ogni 30 secondi circa, il cartellone "Resilience" scivola su un nuovo dipinto, disegno o foto di un altro artista che conosce o ammira. “Si tratta di responsabilizzazione. Si tratta di elevare la nostra gente. "
Correzione 14 luglio 2018: questo post originariamente riportava erroneamente la distanza percorsa dal nonno di Lisa Myers. Sono 155 miglia, non 15 miglia.
