Boa di metallo che si avvolgono come una scultura intorno al collo di chi lo indossa; abiti di pizzo e denti di alce che si adatterebbero perfettamente in una discoteca elegante; Le magliette ispirate ai graffiti che integrano le immagini di Apache sono solo l'inizio. Qualunque cosa si presuma di conoscere sugli stili di moda e abbigliamento creati dai designer nativi americani, è probabile che le aspettative siano rivolte verso una nuova mostra in mostra al Smithsonian's National Museum of the Indian Indian, a New York City.
Intitolato "Native Fashion Now", lo spettacolo mette in luce 67 designer negli Stati Uniti e in Canada e risale agli anni '50 fino ad oggi. Questi creatori spaziano dai grandi nomi della moda, dai designer alle celebrità e alle star del cinema, agli artisti sperimentali che usano l'abbigliamento come mezzo per fare una dichiarazione più ampia. La diversità degli stili offre un profondo senso dei molti temi culturali, artistici e politici che emergono dalle comunità native - e questo è di progettazione.
"Volevamo portare il pubblico a un livello più profondo, più ampio di comprensione e celebrare davvero questa molteplicità di voci", afferma Karen Kramer, curatrice di arte e cultura nativa americana e oceanica presso il Peabody Essex Museum di Salem, nel Massachusetts, l'organizzazione che originariamente ha sviluppato lo spettacolo. Lo spettacolo ha già visitato altri tre musei prima di aprirsi al National Museum of the American Indian. "Volevamo allontanarci da una lente antropologica e sottolineare davvero l'arte o l'agenzia degli artisti nella loro voce creativa".
A tal fine, Kramer ha lavorato consapevolmente per attirare designer e opere che trasmettessero un'ampia gamma di approcci alla moda e bilanciassero la rappresentazione geografica e di genere dello spettacolo. All'ingresso, i visitatori potranno vedere le opere dei designer che sono entrati nel mainstream e i lettori di blog e riviste di moda probabilmente hanno già familiarità con le loro offerte: un ombrellone a fiori fatto di cuoio, perline e metallo, di Patricia Michaels, prima secondo classificato nella stagione 11 di "Project Runway"; o abiti in cotone serigrafato del designer Cherokee Lloyd “Kiva” New — il primo designer nativo a lanciare con successo un marchio di moda internazionale di alta gamma (Kiva, un riferimento a una struttura religiosa nativa del sud-ovest).
Questi lavori sono riuniti insieme nella sezione "Pathbreakers" dello spettacolo — designer che hanno trovato successo sulle passerelle di sfilate di moda o vestendo celebrità (tra cui Betty Ford e Lucille Ball, i cui abiti sono esposti qui).
"Questa sezione è un punto di accesso per la maggior parte delle persone, con artisti che hanno raggiunto una certa visibilità nel mainstream", afferma Kathleen Ash-Milby, curatrice associata al museo, che ha organizzato la presentazione dello spettacolo a New York. È una delle quattro categorie, che Ash-Milby sottolinea "non sono rigide", ma aiutano a comunicare alcune delle principali linee trasversali della moda nativa.
The Guardian — Bringer of Thunder, Lightning and Rain di Orlando Dugi (Diné [Navajo]) e Troy Sice (Zuni), borsa, 2013; Corna di alce, pelle di razza, piume di pappagallo, pelliccia di gatto selvatico, rubini, conchiglia, perle di vetro e argento sterling (per gentile concessione degli artisti) 
T-shirt Columbus scoperta dai nativi americani di Jared Yazzie (Diné [Navajo]) per OxDx, 2012, cotone (Peabody Essex Museum, Salem, Massachusetts, Dono di Karen Kramer, fotografia di Thosh Collins) 
Dente di alce floreale Old Time di Bethany Yellowtail (Apsáalooke [Crow] e Northern Cheyenne) per B Yellowtail, collezione “Apsáalooke”, 2014, pizzo, applicazioni in pelle e denti di alce (Peabody Essex Museum, acquisto al museo, fotografia di Thosh Collins) 
Corsetto e gonna di Dallin Maybee (Northern Arapaho e Seneca) e Laura Sheppherd, 2010, seta, cotone e acciaio; silk shantung (Portland Art Museum, acquisto con fondi forniti da un donatore anonimo, fotografia di Valerie Santagto) 
Stivali di Jamie Okuma (Luiseño e Shoshone-Bannock), 2013-2014. Perle di vetro su stivali disegnati da Christian Louboutin (francese). (Peabody Essex Museum, commissione con il sostegno di Katrina Carye, John Curuby, Karen Keane e Dan Elias, Cynthia Gardner, Merry Glosband e Steve ed Ellen Hoffman © 2015 Peabody Essex Museum, fotografia di Walter Silver) 
Braccialetto di Mike Bird-Romero (Ohkay Owingeh [San Juan] e Taos Pueblos) e Eddie Begay (Diné [Navajo]), 2000–1010, argento sterling, ostrica spinosa, conchiglia di abalone, turchese, getto e onice. (Per gentile concessione di Catherine B. Wygant © 2015 Peabody Essex Museum, fotografia di Walter Silver) 
Bracciale di Mike Bird-Romero (Ohkay Owingeh [San Juan] e Taos Pueblos), Ray Adakai e Alice Shay (Diné), 2000–10, argento sterling, ostrica spinosa, conchiglia di abalone, turchese, getto e onice (Courtesy Catherine B Wygant © 2015 Peabody Essex Museum, fotografia di Walter Silver) 
Tunica Chilkat di Alano Edzerza (Tahltan), 2013 Cotton. (Peabody Essex Museum, dono di Karen Kramer, © 2015 Peabody Essex Museum, fotografia di Thosh Collins) 
Il mantello e il copricapo The Messenger (The Owl), della collezione Mahotan di Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) per Mahota Handwovens, 2014, filato di lana di seta; filati di lana di seta, metallo, argento, perle di vetro e piume di pavone (Portland Art Museum, acquisto con fondi forniti da un donatore anonimo, fotografia di Greg Hall) 
Il mantello e il copricapo The Messenger (The Owl), della collezione Mahotan di Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) per Mahota Handwovens, 2014, filato di lana di seta; filati di lana di seta, metallo, argento, perle di vetro e piume di pavone (Portland Art Museum, acquisto con fondi forniti da un donatore anonimo, fotografia di Greg Hall) 
Boa postmoderno di David Gaussoin e Wayne Nez Gaussoin (Diné [Navajo]) e Picuris Pueblo, 2009, acciaio inossidabile, argento sterling, smalto e piume (Museo Peabody Essex, fotografia di David Gaussoin e Museo delle arti e della cultura indiana, modello : Tazbah Gaussoin) 
Pettorale di razza, collezione “Shokmalli '” di Kristen Dorsey (Chickasaw), 2013-2014, argento sterling, pelle di razza, larimar, rame e ottone (per gentile concessione dell'artista fotografia di Carly Street) 
Abito, mantello e copricapo di Orlando Dugi (Diné [Navajo]) Collezione “Desert Heat”, 2012, seta, organza, piume, perline e oro 24k; penne e piume di istrice; piume, perle e argento (© 2015 Peabody Essex Museum, fotografia di Thosh Collins, modello: Louisa Belian) "Revisitors" sottolinea gli artisti che incorporano tradizioni, materiali e stili dei nativi nelle loro opere contemporanee, "attingendo direttamente alla cultura e alle convenzioni dei nativi", afferma Ash-Milby.
Questi includono l'abito in pizzo e dente di alce, progettato dal corvo e dalla designer nordica Chehanenne Bethany Yellowtail. Il designer ha attinto capi in rilievo e altri cimeli di famiglia come ispirazione per il pezzo, che incorpora una linea di denti di alce lungo le maniche e il petto, nonché appliques floreali in pelle. Anche qui c'è un ombrello in pelle di cervo decorato con immagini pittoriche di uomini a cavallo e altre azioni. Viene da Teri Greeves, un designer Kiowa con sede a Santa Fe, che fa riferimento alla tradizione delle storie pittoriche della Pianura.
"Stavo andando al mercato indiano di Santa Fe e continuavo a notare questa proliferazione della moda nativa contemporanea, e il mercato indiano stesso si stava spostando verso una visione più ampia della moda nativa contemporanea", afferma Kramer, descrivendo come il focus dello spettacolo si è ampliato mentre cercava artisti da includere.
Native Fashion Now: stile indiano nordamericano
Celebrando il design dei nativi americani come una forza importante nel mondo della moda contemporanea, questo libro presenta sguardi belli, innovativi e sorprendenti di artisti nativi americani. La moda americana tradizionale è sempre stata influenzata dal design dei nativi americani, e questo perché gli artisti nativi hanno sempre creato abiti, gioielli e accessori squisiti.
AcquistareOltre alla propria ricerca di designer, ha attinto al contributo di un gruppo di consulenti che hanno contribuito a modellare la formazione e a stabilire collegamenti con designer con i quali potrebbe non avere la stessa esperienza. Tra le loro selezioni c'erano abiti da strada, magliette e persino skateboard di numerosi artisti provenienti dalle comunità Apache, Navajo, Tlingit e Athabascan.
Queste opere fanno parte del gruppo "Activators", riconoscendo gli artisti che esprimono identità e idee politiche attraverso i loro progetti. L'abito a tre pezzi di Tommy Joseph con un motivo d'aquila fa riferimento al suo gruppo di clan Tlingit e al parka e al cappello di Winifred Nungak, foderati con pelliccia di volpe e tinti di rosa incorpora motivi specifici per le tribù degli artisti, ma con una sensibilità street style.
"Gli oggetti hanno iniziato a parlare tra loro, ed è diventato ovvio il modo in cui lo spettacolo poteva essere organizzato se non in ordine cronologico per tema dell'idea", afferma Kramer. "Si sono quasi risolti da soli."
"Provocateurs", è il più esplicitamente politico e sperimentale. "È quasi come questa urgenza per le opere", afferma Kramer. “Tipo, svegliati. Sta succedendo questo. Davvero, c'è molta energia in esso e l'eccitazione intorno ad esso. "
Una camicia di cotone di Carla Hemlock presenta il Trattato di Canandaigua del 1794 cucito nella parte posteriore, un documento che imponeva al governo degli Stati Uniti di pagare annualmente beni alla Confederazione Irochese e che è ancora in vigore oggi. Un abito di vinile nero, dell'artista corvo Wendy Red Star, con lunghe frange che si insinuano sul pavimento, evoca gocciolamenti di olio o sangue. Più scultura che indumento pratico, l'opera mette in luce lo sfruttamento delle risorse naturali nelle terre native.
"È così sorprendente, e ti fa davvero mettere in dubbio la fattibilità di indossarlo e il tipo di affermazione che fai", afferma Kramer. "Questa mostra è un'opportunità davvero importante per i designer e gli artisti nativi nativi di definire da soli cosa è la moda nativa e cos'è l'arte nativa, piuttosto che avere un mercato tradizionale in gran parte modellato da persone non native che usano design e stile ispirati ai nativi e motivi per alimentare le idee del grande pubblico su cosa sia la moda nativa. ”
"Native Fashion Now" è in mostra fino al 4 settembre 2017 presso il Museo Nazionale degli Indiani d'America a New York City, situato presso la Alexander Custom US House, One Bowling Green, New York, New York, 10004.
