Come la scoperta archivistica di questo artista ha scatenato l'arte dell'alta tecnologia

Poco più di un anno fa, Jordan Bennett, un artista indigeno della provincia canadese di Terranova, stava pensando al suo prossimo lavoro. Su un computer, aprì il database delle collezioni online della Smithsonian Institution e digitò le parole "Mi'kmaq" - il nome della sua stessa nazione - e "Terranova". Apparve una fotografia, e poi una manciata di altri, negativi dallo Smithsonian's National Museum of the Indian Indian. Erano stati fucilati da un antropologo negli anni '30 in una comunità a poche ore di distanza da quella di Bennett.

Mentre li guardava, all'improvviso il cognome di uno dei soggetti attirò la sua attenzione: Joe "Amite" Jeddore.

"Ho contattato il mio amico John Nicholas Jeddore", ricorda Bennett, "e ha detto:" Questo è il mio prozio "."

Incuriosito, Bennett ha iniziato a rivisitare le fotografie e la sua esperienza ha portato a una delle nove opere d'arte ora esposte nella nuova mostra "Transformer: Native Art in Light and Sound" presso il George Gustav Heye Center dell'American Indian Museum a New York City.

Bennett si sedette con la famiglia Jeddore e insieme scoprirono esattamente dove erano state scattate le fotografie, che mostravano Amite Jeddore prepararsi per la pesca al salmone. Bennett e il suo amico John Nicholas Jeddore registrarono l'audio in ogni luogo, per lo più suoni all'aperto, con il cane che abbaiava occasionalmente o la gente che passava. Quindi, attraverso mesi di ascolto e perfezionamento, Bennett ha intrecciato le registrazioni, insieme alle parole dei membri della comunità Mi'kmaq, in un paesaggio sonoro digitale multistrato.

Nell'opera d'arte, chiamata Aosamia'jij — Too Much Too Little, questa colonna sonora tecnologicamente sofisticata emerge ora da dietro una rete di vimini tradizionali Mi'kmaq. Quello che Bennett chiama i suoi "cestini ibridi" era un progetto in sé. L'artista ha trascorso due settimane in Nuova Scozia con la nonna e la prozia di una cugina, imparando la tessitura del cesto di frassino. Costruì i diffusori, coprì i frontali con la sua rete intrecciata e li tagliò con erba dolce, che secondo lui non è solo una classica finitura decorativa sui cestini Mi'kmaq, ma anche importante per il Mi'kmaq sia come medicina che come “spirituale scopi. "Con questi dettagli, dice, " Stai aggiungendo una parte più profonda di te stesso ". Il lavoro finito, dice, tocca" la storia familiare dei Jeddores ", insieme a" il mio apprendimento, la mia comprensione delle tradizioni Mi'kmaq. "

L'antropologo che fece le fotografie nel 1931 probabilmente pensò che "questa era una cultura morente", dice l'artista. "Volevo tornare alla memoria di Amite, per fargli sapere che stiamo ancora facendo questo lavoro" - la pesca tradizionale del salmone e la tessitura del cestino. Aggiunge: "Volevo colmare il divario tra ciò che lo Smithsonian aveva e ciò che abbiamo a Terranova."

Il canestro di Bennett può essere tradizionale, ma molte delle altre opere di "Transformer" recano poche tracce di artigianato indigeno. Invece, il filo conduttore che collega tutte le opere dello spettacolo è che gli artisti "stanno lavorando all'interno dei media contemporanei per raccontare una storia indigena", afferma David Garneau, co-curatore della mostra e professore associato di arti visive all'Università di Regina nel Saskatchewan. Incorporando luce o suono o entrambi, le opere d'arte spaziano da ritratti e video digitali a installazioni sonore. Sono alimentati dall'elettricità, ma riflettono il contenuto nativo tradizionale.

In un certo senso, non c'è nulla di nuovo in questo equilibrio tra media moderni e tradizione indigena. Che si tratti di perle di vetro europee importate centinaia di anni fa o di film e video nel 20 ° secolo, "Gli artisti nativi hanno sempre raccolto le tecnologie disponibili", afferma Kathleen Ash-Milby, co-curatrice di "Transformer". Ora, e specialmente in Canada, dove i finanziamenti del governo sostengono l'arte, la tecnologia e in particolare gli artisti indigeni, anche gli artisti nativi stanno adottando i media digitali. (Sei dei dieci artisti in mostra provengono dal Canada, un fatto che entrambi i curatori attribuiscono al finanziamento più forte lì. Garneau dice semplicemente: "Ci sono molti meno artisti che lavorano in questo modo negli Stati Uniti.")

Nella scelta delle opere per lo spettacolo, dice Ash-Milby, hanno cercato artisti che prendessero la tecnologia "in una direzione molto estetica", cioè enfatizzando il colore e la forma piuttosto che, diciamo, narrando la storia o combattendo gli stereotipi.

Per coincidenza - o no - anche questi artisti si sono rivelati gli stessi che "stavano davvero attingendo alla tradizione nel loro lavoro", dice, aggiungendo in seguito, "Tanto l'espressione tradizionale storica nativa era visivamente legata alla forma e al design, non dovrebbe non sorprenderti che questa relazione continui ".

Nel video di Nicholas Galanin Tsu Heidei Shugaxtutaan (Riapriremo di nuovo questo contenitore di saggezza che è stato lasciato nelle nostre cure), 1 e 2, ballerini nativi e non nativi cambiano ruolo, con l'americano peruviano che fa un'anca lenta- improvvisazione di luppolo in una canzone tradizionale dei Tlingit, e la ballerina Tlingit che esegue una danza tradizionale alla musica elettronica contemporanea. In Raven Brings the Light di Stephen Foster , una vecchia storia della Northwest Coast è raccontata, obliquamente, nei suoni della foresta registrati e nella luce e nell'ombra sui muri di una tenda.

Nel caso delle Quattro generazioni di Jon Corbett , la tradizione può essere incorporata nei pixel stessi. Questa serie di ritratti di famiglia è composta da immagini digitali di perline disposte a spirale su uno schermo, con facce che appaiono e scompaiono lentamente man mano che le perline vengono aggiunte e sottratte in un ritmo ipnotizzante. I pixel sullo schermo di un computer sono generalmente disposti in una griglia, ma Garneau afferma che la griglia rettangolare ha una storia opprimente come strumento dei topografi europei che hanno rotto gli insediamenti nativi nel 19 ° secolo. Quindi, invece, l'artista ha steso le perline a spirale, una forma più significativa nelle culture indigene. Il lavoro fa eco alle perle native, dice Garneau, mentre trova un nuovo modo di "superare la griglia che è lo schermo".

The Harbinger of Catastrophe di Marianne Nicolson è alle prese con minacce che riguardano gran parte del 21 ° secolo. La sua comunità di origine, Kingcome Inlet, aC, ha subito disastrose inondazioni nel 2010 "L'intera comunità è stata evacuata in elicottero", afferma. "Siamo stati lì per migliaia di anni, e non vi è stato alcun precedente per questo." Lei ritiene che l'inondazione sia stata il risultato di un secolo di disboscamento commerciale, che ha alterato il corso del fiume, associato al cambiamento climatico, che sta causando un ghiacciaio che nutre il fiume per sciogliersi. Nella sua installazione, Nicolson posizionò una luce mobile all'interno di una cassa di vetro nello stile di una tradizionale scatola di legno curvato della costa nord-occidentale, e le ombre che proiettava su per le pareti della galleria come inondazioni.

Nelle dimensioni e nella forma della scatola, con l'intarsio di conchiglia e le figure sui lati, il lavoro attinge fortemente alle tradizioni visive indigene della costa nord-occidentale. Ma i suoi riferimenti anche a spirale verso l'esterno per includere le idee dell'artista sui pericoli del capitalismo e dei cambiamenti climatici. Nicolson afferma di essere stata ispirata dal sito del museo nella parte bassa di Manhattan, vicino a Wall Street. Ad un'estremità della scatola, ritrae l'acquisto olandese di Manhattan e lo "scambio di denaro per la terra che i coloni hanno fatto con gli indigeni". E le crescenti acque alluvionali che il suo pezzo evoca, dice, potrebbero anche essere quelle che ha inondato il quartiere del museo dopo l'uragano Sandy nel 2012.

Il lavoro include anche un'immagine di una tartaruga, un animale che è significativo per molte altre culture native, ma non la sua. "Volevo aprirlo, quindi non era solo specifico per il mio posto particolare in questa terra, ma anche in tutto il Nord America", dice. "La mia speranza è che l'insegnamento della popolazione indigena" - su come prendersi cura della terra nel lungo periodo - "sarà ripreso dalla cultura più ampia. Abbiamo le soluzioni, se altre persone non le respingessero. "

Come gli altri artisti di "Transformer", Nicolson è alla ricerca urgente di nuovi modi per comunicare idee antiche. Come dice Garneau, "Un artista indigeno affronta questo dilemma: saranno una persona tradizionale nella loro arte", lavorando rigorosamente nei media tradizionali come quilling o perline, per esempio? "Quindi sono una persona contemporanea, ma non stanno facendo arte contemporanea."

"Alcuni artisti", dice, "stanno cercando di trovare uno spazio nel mezzo".

“ Transformer: Native Art in Light and Sound” è in mostra a New York City al National Museum of the Indian Indian, George Gustav Heye Center, fino al 6 gennaio 2019.