COME IL CANNONE TC E I SUOI CONTEMPORANEI CAMBIARONO L'ARTE DEI NATIVI AMERICANI | ALLO SMITHSONIAN | SMITHSONIAN - ARTICOLI, ARTE E CULTURA, ARTE E ARTISTI, PRESSO IL FABBRO, MOSTRE

Per i giovani artisti lontani da casa, l'Istituto di arti indiane americane (IAIA) a Santa Fe, nel New Mexico, a metà degli anni '60, deve essere stato una scena inebriante. Venivano da tutti gli Stati Uniti, molti ancora adolescenti, da piccole città, città e riserve. Uno di loro, Alfred Young Man, un Cree che arrivò lì da una prenotazione nel Montana, in seguito ricordò gli studenti che parlavano 87 lingue diverse. Era "una delle Nazioni Unite degli indiani", ha scritto.

La scuola ha messo a disposizione degli adolescenti ricchi negozi di materiali artistici e li ha liberati. Hanno fatto esplodere Rock 'n' Roll e Bob Dylan a tarda notte negli studi d'arte. Si radunarono in un dormitorio femminile per mangiare la pasta fritta fatta in casa. Hanno dipinto e scolpito, eseguito musica e ballato. Hanno studiato secoli di arte europea, americana e asiatica e hanno discusso dei diritti civili e della pop art. I loro istruttori, nativi e non nativi allo stesso modo, li hanno esortati ad abbracciare e condividere i loro vari background culturali.

Le opere d'arte che sono nate da quell'ambiente sono state rivoluzionarie, afferma Karen Kramer, curatrice di "TC Cannon: At the Edge of America", una mostra dedicata a uno di quegli artisti, che ora si trova al National Museum of the Indian Indian's Heye Center a New York City. Cannon, pittore e scrittore, insieme a colleghi come i pittori Young Man, Linda Lomahaftewa e Earl Biss, la ceramista Karita Coffey e lo scultore Doug Hyde, furono tra i primi a esprimere un forte punto di vista dei nativi americani attraverso idee e metodi di arte contemporanea all'avanguardia. Insieme, afferma Kramer, "hanno cambiato l'aspetto e l'arte dell'arte dei nativi americani".

Nella prima parte del 20 ° secolo, anche i sostenitori dell'arte dei nativi americani avevano pensato che avrebbe dovuto essere riparato da influenze artistiche esterne, come modo per preservarlo. L'opera era dominata da disegni e acquerelli distintamente rappresentativi raffiguranti rituali tradizionali, caccia al cervo e simili. Alla fine degli anni '50, studiosi e artisti nativi americani si incontrarono all'Università dell'Arizona per discutere su come rivitalizzare l'arte. Proponevano qualcosa che all'epoca sembrava radicale: dare ad alcune delle sue stelle nascenti lo stesso tipo di educazione artistica disponibile per studenti non nativi. La proposta del gruppo ha sollevato quella che chiamava una "domanda sconcertante", anche se gli studenti nativi avrebbero "beneficiato dell'associazione con concetti, forme e tecniche artistiche non indiane". Fortunatamente per TC Cannon e la sua coorte, la proposta è andata avanti, e alla fine, nel 1962, l'Ufficio federale degli affari indiani aprì IAIA.

All'inizio, gli studenti IAIA "decisero che non sarebbero stati il tipo di artisti che erano i loro antenati", dice Mike Lord, che sebbene non fosse uno studente lì, era intimo amico di Cannon e altri. Hanno chiamato il lavoro della generazione precedente "Bambi art", dice. Come in seguito Cannon affermò, "Sono stanco dei dipinti di cervi simili a Bambi riprodotti più e più volte - e sono stanco dei dipinti dei cartoni animati della mia gente". Lord dice che gli studenti hanno preso un orgoglio "quasi in faccia a te" in " fare cose che non erano mai state fatte prima. "

Kramer attribuisce la forza della scuola alla stima che ha costantemente spinto per la cultura dei nativi, una cultura che il governo degli Stati Uniti aveva trascorso decenni cercando di schiacciare. Alcuni di quei "traumi culturali", dice Kramer, erano stati sorprendentemente recenti: molti genitori di studenti IAIA avrebbero frequentato collegi obbligatori gestiti dal governo che vietavano le loro lingue, abiti, pratiche religiose, acconciature e persino nomi. I loro nonni potrebbero essere stati rimossi con la forza dalla loro terra. "Se sei cresciuto [facendoti vergognare del tuo [passato] background culturale e hai la pressione di assimilare", dice, quindi arrivare in una scuola che incoraggia a "mettere in primo piano il tuo patrimonio culturale ed esserne orgoglioso è un grande perno. "

Gli istruttori di IAIA erano artisti affermati e attivi nel mondo dell'arte contemporanea dell'epoca. Uno aveva studiato con l'artista figurativo della Bay Area Wayne Thiebaud, un altro con l'influente astrattista Hans Hofmann a New York. "Questa confluenza della qualità degli istruttori, l'energia e la condivisione degli studenti che è stata incoraggiata, l'energia politica che circonda gli anni '60 e '70 [e] il movimento per i diritti civili", afferma Kramer, il tutto combinato per rendere IAIA un luogo altamente fermento produttivo.

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TC Cannon: Ai confini dell'America

TC Cannon è uno degli artisti nativi americani più influenti e inventivi del ventesimo secolo. Al lavoro durante gli anni '60 e '70 socialmente e politicamente turbolenti, Cannon creò un vocabolario visivo influenzato dalla sua eredità di Kiowa e Caddo e artisti come Vincent van Gogh, Henri Matisse e Robert Rauschenberg.

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TC Cannon, morto in un incidente d'auto nel 1978 all'età di 31 anni, era un talento multimediale. La mostra a New York combina dozzine di suoi dipinti, disegni e stampe con le sue poesie e i testi delle canzoni stampati sulle pareti. (Ha aperto lo scorso anno al Peabody Essex Museum di Salem, nel Massachusetts, dove Kramer è curatore di arte e cultura dei nativi americani e oceanici.) Lo spettacolo include anche una registrazione di Cannon che canta una delle sue canzoni ispirate a Dylan, nonché lettere e manufatti, come le due stelle di bronzo che ha guadagnato durante la guerra del Vietnam, dove ha trascorso quasi un anno con la 101a divisione dispersa nell'aria.

Cannon ebbe origini di Caddo e Kiowa e crebbe nell'Oklahoma sud-orientale rurale. È arrivato all'IAIA nel 1964, l'anno in cui ha compiuto 18 anni. Ha colto l'occasione per studiare i maestri europei, attratto in particolare da Matisse e van Gogh, insieme agli americani contemporanei Jasper Johns e Robert Rauschenberg.

"Sono stanco dei dipinti di cervi simili a Bambi riprodotti più e più volte - e sono stanco dei dipinti dei cartoni animati della mia gente", ha detto TC Cannon, sopra ca. 1965. (Per gentile concessione degli Archivi dell'Institute of American Indian Arts)

Il suo dipinto Mama and Papa Have the Going Home Shiprock Blues , che ha dipinto mentre era ancora uno studente, mostra l'influenza di Rauschenberg, dice Kramer, con le sue immagini e il suo testo a strati. Presenta una coppia di anziani che indossa una combinazione di abito tradizionale Navajo e occhiali da sole scuri alla moda, in bilico tra storia e modernità.

Quasi tutti i grandi dipinti di Cannon sono ritratti, spesso in tonalità elettriche di arancione, viola e blu brillante. Molti descrivono vividamente i nativi americani come individui viventi, a volte imperfetti. Le sue figure hanno pance pentole, fianchi larghi o espressioni scettiche, e una di esse si accovaccia su una sedia da giardino pieghevole. Ma sono ancora qui, sembrano dire, sopravvissuti e persino fiorenti, non stereotipi decorativi ma persone che passano nel mondo moderno.

In un ritratto senza titolo di George Custer fatto di feltro, la parola "Ugh?" Emerge dalla sua testa in una bolla di pensiero da cartone animato. (Collezione di Frank Harris. © 2019 Estate of TC Cannon. Foto di NMAI Photo Services.)

Cannon realizzò diverse immagini più piccole che raffiguravano George Custer, il comandante dell'esercito americano la cui "ultima posizione" fu una clamorosa vittoria per le forze dei nativi americani che combattevano una mossa per cacciarle dalla loro terra. In un ritratto senza titolo di Custer fatto di feltro, la parola "Ugh?" Emerge dalla sua testa in una bolla di pensiero da cartone animato, mentre Cannon sembra chiedersi secco come questo ragazzo sia mai emerso come un eroe americano.

"Ciò che aveva a cuore TC era il modo in cui si appropriava di certi momenti [e] personaggi nella storia americana, ma da una prospettiva indigena", afferma Kramer. "Lo stava facendo con umorismo ironico e prendeva in prestito il linguaggio visivo degli oppressori e lo utilizzava come piattaforma per esplorare l'identità dei nativi [e] la storia dei nativi".

Tra il suo "talento naturale nel dipingere le persone" e i suoi colori luminosi come il sole, dice Kramer, le sue immagini attirano gli spettatori. "Come esseri umani, siamo attratti da altri esseri umani su tela". La ritrattistica, dice, era "un strumento davvero utile ”per Cannon nel concentrarsi sugli argomenti scomodi che voleva mettere in evidenza. "Tanti problemi con cui ha affrontato negli anni '60 e '70" - libertà di religione, identità etnica, appropriazione culturale - "sono ancora così rilevanti".

"TC Cannon: At the Edge of America", a cura di Karen Kramer, è in mostra al National Museum of the Indian Indian, George Gustav Heye Center, One Bowling Green, New York, New York, fino al 16 settembre.