Ascolta attentamente un rombo lontano: 100 anni fa, il 29 maggio 1913, lo shock del nuovo esplose in un teatro parigino quando i Ballets Russes di Diaghilev eseguirono il Rite of Spring di Stravinsky . Il pubblico accarezzato e ingioiellato del Theatre des Champs-Elysees è scoppiato al ballo folk e alla musica discordante che li ha confrontati. Invece della grazia e della tradizione di balletti come il Lago dei cigni di Ciajkovskij, la coreografia sconnessa di Spring e l'ambientazione pagana russa hanno lanciato un coro di fischi che si sono trasformati in risse: che cosa stava calpestando quel piede? Dov'era il tutù della tradizione? Con sorpresa e costernazione del pubblico, il "Modernismo" era appena arrivato con un gigantesco crollo del piatto.
Serge Diaghilev e Igor Stravinsky intendevano utilizzare questa esibizione come un annuncio del Modernismo, uno spettacolo volto a sfondare i confini tradizionali dell'arte, della musica e della danza per presentare qualcosa di totalmente nuovo e innovativo. L'idea della danza come spettacolo è qualcosa che mi ha incuriosito, poiché ho organizzato una mostra della Portrait Gallery sulla danza in America, in apertura il 4 ottobre. Senza fomentare rivolte, lo spettacolo ha avuto un ruolo determinante nella danza dalle Follie di Ziegfeld a Beyonce spettacoli teatrali; il pubblico è sempre attirato da piume, paillettes e bellissimi movimenti. Come hanno scritto il compositore e paroliere Kander ed Ebb nella canzone a tema "Razzle Dazzle" di Chicago , "Dai loro un atto con molto flash al suo interno / E la reazione sarà appassionata".
Igor Stravinsky di Alvin Langdon Coburn. Stampa alla gelatina d'argento, 1921 (Foto per gentile concessione della National Portrait Gallery) Mi piace essere abbagliato. E come esploratore culturale inveterato, sono sempre alla ricerca del fattore "wow", quella cosa magica che ti fa scoppiare gli occhi. Nelle arti dello spettacolo, può essere un momento di interruzione dello spettacolo sul palco o sullo schermo, il magnifico salto di un ballerino nell'ozono o una voce elettrizzante che ti lascia senza fiato. Questi sono momenti cristallini che marchiano la tua psiche per sempre.
Ultimamente, sono stato sorpreso da un paio di straordinarie esibizioni: un concerto dell'Orchestra di Filadelfia sotto il loro elettrizzante nuovo direttore, Yannick Nézet-Séguin e un'esibizione di gala del Kennedy Center di My Fair Lady in cui Jonathan Pryce e Laura Michelle Kelly ti hanno fatto penso che stessero creando i ruoli del professor Higgins ed Eliza per la prima volta.
Ma sono stato anche abbagliato da una mega mostra appena aperta alla National Gallery of Art: "Diaghilev and the Ballets Russes, 1909-1929: When Art Dancer with Music". Baz Luhrmann potrebbe aver usato molto glamour e sfarzo nella sua nuova versione 3-D di The Great Gatsby, ma la Galleria ha creato il mondo scintillante di Diaghilev in una sontuosa mostra della realtà: l'arte, la musica, la danza e il costume che hanno espresso la "ricerca del nuovo" un secolo fa . Come spiega la co-curatrice della mostra Sarah Kennel, Diaghilev “non ha mai voluto riposare sugli allori. Ha sempre innovato e riprogettato. "
Michel Fokine di Clara Sipprell. Stampa alla gelatina d'argento, 1923, lascito di Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) Una collaborazione tra la National Gallery of Art e il Victoria and Albert Museum, la mostra è stata inaugurata a Londra nel 2010. La mostra della Galleria è un ibrido di quella mostra, che incorpora 80 opere della collezione V&A e aggiunge circa 50 nuovi oggetti. "Diaghilev" mette in mostra le sorprendenti collaborazioni artistiche forgiate dall'impresario russo e mette in luce compositori come Stravinsky, Prokofiev e Satie e artisti come Bakst, Picasso e Matisse. Due importanti coreografi di Diaghilev: Michel Fokine, che ha lavorato con lui nei primi anni, e George Balanchine, che ha lavorato con i Ballets Russes alla fine della vita di Diaghilev - sarebbe emigrato negli Stati Uniti; Fokine fondò una scuola di balletto a New York e Balanchine avrebbe avuto un impatto iconico sulla danza americana, sia a Broadway che nel balletto.
Pablo Picasso Costume per il Conjuror cinese di Parade, c. 1917 (© Victoria and Albert Museum, Londra) Organizzate in ordine cronologico, le cinque principali sezioni espositive raccontano la storia della carriera di Diaghilev: "Le prime stagioni", "Vaslav Nijinsky — Ballerino e coreografo", "L'avanguardia russa", "L'avanguardia internazionale" e "Modernismo, Neoclassicismo e Surrealismo. ”Esiste anche un'affascinante componente audiovisiva che include rare riprese dei Balletti Russi e Nijinsky, Rudolf Nureyev che si esibisce in Afternoon of a Faun e Mikhail Baryshnikov che balla The Prodigal Son.
Trenta anni fa, questa favolosa mostra sarebbe stata definita un "film di successo". Nel linguaggio dei musei contemporanei, quella parola non è favorevole: i blockbuster sono caduti nel mirino di un duro arrogante a un certo punto, e il mondo dei musei di oggi spesso favorisce una dipendenza riduzionista su pareti grigie e moquette grigia piuttosto che approcci più sgargianti. Come qualcuno che è iniziato nell'era di successo, trovo oggi la mancanza di abbagliamento un commento preoccupante su quanto i musei si sono allontanati da un pubblico affamato di ispirazione.
Henri Matisse Costume for a Mourner di The Song of the Nightingale, 1920 in feltro di lana e velluto in generale (V&A, London) Ma la mostra di Diaghilev mi ha fatto sorridere nel momento in cui sono entrato nel suo abbraccio: dal costume in rilievo di Boris Godunov che Chaliapin indossava nel 1908 al sipario gigante di The Blue Train (1924) , lo spettacolo di Diaghilev è un promemoria di ciò che possono essere le mostre.
Mark Leithauser è il capo del design e curatore senior della National Gallery of Art, e qui ha creato un enorme mondo di wow. Responsabile della progettazione di molti dei monumenti di quel museo, mi ha parlato di come l'idea di "successo" non riguardi davvero le dimensioni: riguarda un fenomeno. Il primo film di successo, "King Tut", aveva solo 52 oggetti. Quando fu aperto alla Galleria nel 1976, la gente rimase in fila per ore. Il regista J. Carter Brown ha affermato che lo spettacolo è stato popolare per la "pura qualità visiva" e l '"età mozzafiato" degli oggetti, insieme al senso titubante di essere in una caccia al tesoro. D'altra parte, "Treasure Houses of Britain" nel 1985 aveva oltre un migliaio di oggetti e aiutò a collegare la "grandezza" all'idea popolare di successo.
Leithauser crede fermamente che una mostra debba essere radicata nella narrazione. In “Treasure Houses”, la storia parlava di circa 500 anni di raccolta in Gran Bretagna, ma anche di circa 500 anni di trasformazione architettonica nella casa di campagna britannica, una trasformazione evocata nelle scene architettoniche e nell'ambiente creato nella mostra.
Serge Diaghilev (© Victoria and Albert Museum, Londra) Per lo spettacolo di Diaghilev, Leithauser ha affermato che il design doveva essere teatrale come la storia: l'installazione doveva creare un'esperienza teatrale che includesse il mondo di Diaghilev. La verità, secondo Leithauser, è che le mostre "devono essere ciò che sono".
La capacità del designer di mettere le basi così brillantemente consente ai visitatori di comprendere le collaborazioni artistiche di Diaghilev sia intellettualmente che visceralmente. Leithauser è uno showman che apprezza lo spettacolo: pollice in alto per abbagliare abbagliare!
