Negli anni prima della prima guerra mondiale, l'Europa sembrava perdere la presa sulla realtà. L'universo di Einstein sembrava fantascienza, le teorie di Freud mettono la ragione nella morsa dell'inconscio e il comunismo di Marx mirava a capovolgere la società, con il proletariato in cima. Anche le arti non venivano incollate. La musica di Schoenberg era atonale, le poesie di Mal-larmé mescolavano la sintassi e le parole sparse sulla pagina e il cubismo di Picasso formò un hash di anatomia umana.
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E c'erano ancora idee più radicali. Anarchici e nichilisti abitavano la frangia politica e una nuova generazione di artisti stava iniziando ad attaccare il concetto stesso di arte. A Parigi, dopo aver provato l'impressionismo e il cubismo, Marcel Duchamp respinse tutta la pittura perché era fatta per l'occhio, non per la mente.
"Nel 1913 ho avuto la felice idea di fissare una ruota di bicicletta a uno sgabello da cucina e vederla girare", ha scritto in seguito, descrivendo la costruzione che ha chiamato Bicycle Wheel, un precursore dell'arte cinetica e concettuale. Nel 1916, lo scrittore tedesco Hugo Ball, che si era rifugiato dalla guerra nella Svizzera neutrale, rifletté sullo stato dell'arte contemporanea: “L'immagine della forma umana sta gradualmente scomparendo dalla pittura di questi tempi e tutti gli oggetti appaiono solo in frammenti .... Il prossimo passo è che la poesia decida di eliminare il linguaggio. "
Nello stesso anno, Ball recitò proprio una tale poesia sul palco del Cabaret Voltaire di Zurigo, un locale notturno (chiamato per il filosofo e satirista francese del 18 ° secolo) che lui, Emmy Hennings (un cantante e poeta che avrebbe poi sposato) e alcuni amici espatriati si erano aperti come luogo di ritrovo per artisti e scrittori. La poesia è iniziata: "gadji beri bimba / glandridi lauli lonni cadori ...." Era una totale assurdità, ovviamente, rivolta a un pubblico che sembrava troppo compiaciuto di una guerra insensata. I politici di ogni sorta avevano proclamato la guerra una nobile causa, che si trattasse di difendere l'alta cultura tedesca, l'Illuminismo francese o l'impero britannico. Ball ha voluto scioccare chiunque, scrisse, che considerasse "tutta questa carneficina civile come un trionfo dell'intelligence europea". Un artista del Cabaret Voltaire, l'artista rumeno Tristan Tzara, ha descritto i suoi spettacoli notturni come "esplosioni di imbecillità elettiva".
Questo nuovo movimento artistico irrazionale si chiamerebbe Dada. Ha preso il nome, secondo Richard Huelsenbeck, un artista tedesco che vive a Zurigo, quando lui e Ball hanno trovato la parola in un dizionario franco-tedesco. Per Ball, si adatta. "Dada è" sì, sì "in rumeno, " cavallo a dondolo "e" cavallo per hobby "in francese", ha osservato nel suo diario. "Per i tedeschi è un segno di ingenua ingenuità, gioia nella procreazione e preoccupazione per la carrozzina". Tzara, che in seguito affermò di aver coniato il termine, lo usò rapidamente sui manifesti, pubblicò il primo diario di Dada e ne scrisse uno del primo di molti manifesti di Dada, pochi dei quali, abbastanza appropriatamente, avevano molto senso.
Ma la visione assurdista si diffuse come una pandemia - Tzara chiamò Dada "un microbo vergine" - e ci furono focolai da Berlino a Parigi, New York e persino Tokyo. E nonostante tutta la sua bizzarria, il movimento si dimostrerebbe uno dei più influenti nell'arte moderna, prefigurando l'arte astratta e concettuale, l'arte dello spettacolo, l'op, il pop e l'arte dell'installazione. Ma Dada si estinguerebbe in meno di un decennio e fino ad ora non ha avuto il tipo di grande retrospettiva museale che merita.
La mostra Dada alla National Gallery of Art di Washington, DC (in mostra fino al 14 maggio) presenta circa 400 dipinti, sculture, fotografie, collage, stampe e film e registrazioni sonore di oltre 40 artisti. La mostra, che si sposta al Museum of Modern Art di New York (dal 18 giugno all'11 settembre), è una variante di una mostra ancora più ampia che è stata inaugurata al Centre Pompidou di Parigi nell'autunno del 2005. Nel tentativo di rendere Dada più facile da capire, i curatori americani, Leah Dickerman, della National Gallery, e Anne Umland, del MoMA, l'hanno organizzata intorno alle città in cui il movimento fiorì: Zurigo, Berlino, Hannover, Colonia, New York e Parigi.
Dickerman ripercorre le origini di Dada nella Grande Guerra (1914-18), che causò 10 milioni di morti e circa 20 milioni di feriti. "Per molti intellettuali", scrive nel catalogo della National Gallery, "La prima guerra mondiale ha prodotto un crollo della fiducia nella retorica - se non nei principi - della cultura della razionalità che aveva prevalso in Europa dall'Illuminismo." Continua per citare Freud, che ha scritto che nessun evento "ha confuso così tante delle intelligenze più chiare, o ha così completamente svalutato ciò che è più alto." Dada ha abbracciato e parodiato quella confusione. "Dada desiderava sostituire le logiche assurdità degli uomini di oggi con un'assurdità illogica", scrisse Gabrielle Buffet-Picabia, il cui artista marito, Francis Picabia, una volta attaccò una scimmia di peluche su una tavola e la definì un ritratto di Cézanne.
"Total pandemonium", ha scritto Hans Arp, un giovane scultore alsaziano a Zurigo, degli avvenimenti del cabaret Voltaire "sgargiante, eterogeneo, sovraffollato". “Tzara sta agitando le sue spalle come il ventre di una ballerina orientale. Janco suona un violino invisibile e si inchina e gratta. Madame Hennings, con la faccia di Madonna, sta facendo le spaccature. Huelsenbeck sta suonando senza sosta sul grande tamburo, con Ball che lo accompagna al piano, pallido come un fantasma gessoso. "
Queste buffonate hanno colpito la folla di Dada non più assurda della guerra stessa. Una rapida offensiva tedesca nell'aprile del 1917 lasciò 120.000 morti francesi a soli 150 miglia da Parigi, e un villaggio fu testimone di una banda di fanti francesi (inviati come rinforzi) che bazzicavano come agnelli portarono al massacro, in futili proteste, mentre venivano fatti davanti. "Senza la prima guerra mondiale non esiste Dada", afferma Laurent Le Bon, curatore dello spettacolo del Centro Pompidou. "Ma c'è un detto francese, 'Dada spiega la guerra più di quanto la guerra spieghi Dada". "
Due dei leader militari tedeschi avevano soprannominato la guerra "Materialschlacht", o "la battaglia dell'attrezzatura". Ma i papà, come si chiamavano, imploravano di differenziarsi. "La guerra si basa su un errore grossolano", scrisse Hugo Ball nel suo diario il 26 giugno 1915. "Gli uomini sono stati scambiati per macchine".
Non fu solo la guerra, ma l'impatto dei media moderni e dell'era industriale emergente della scienza e della tecnologia che provocarono gli artisti Dada. Come una volta Arp si è lamentato: "Il rappresentante dell'uomo di oggi è solo un piccolo pulsante su una gigantesca macchina senza senso." . Il simbolo del tipografo di una mano che punta appariva frequentemente nell'arte di Dada e divenne un emblema del movimento, facendo un gesto inutile. Arp ha creato composizioni astratte da forme di carta ritagliata, che ha lasciato cadere casualmente su uno sfondo e incollato dove cadevano. Ha sostenuto questo tipo di astrazione casuale come un modo per liberare l'arte da qualsiasi soggettività. Duchamp ha trovato un modo diverso di rendere impersonale la sua arte: disegnare come un ingegnere meccanico piuttosto che un artista. Preferiva il disegno meccanico, disse, perché "è al di fuori di ogni convenzione pittorica".
Quando i dadaisti hanno scelto di rappresentare la forma umana, è stata spesso mutilata o fatta sembrare fabbricata o meccanica. La moltitudine di veterani gravemente paralizzati e la crescita di un'industria protesica, afferma il curatore Leah Dickerman, "ha colpito i contemporanei creando una razza di uomini semi-meccanici". L'artista berlinese Raoul Hausmann ha fabbricato un'icona Dada dal manichino di una parrucca e vari stranezze - un portafoglio in pelle di coccodrillo, un righello, il meccanismo di un orologio da tasca - e intitolato Mechanical Head (The Spirit of Our Age). Altri due artisti di Berlino, George Grosz e John Heartfield, trasformarono il manichino di un sarto a grandezza naturale in una scultura aggiungendo un revolver, un campanello, un coltello e una forchetta e una croce di ferro dell'esercito tedesco; gli hanno dato una lampadina funzionante per una testa, un paio di dentiere sul cavallo e un supporto lampada come una gamba artificiale.
Duchamp ha fatto risalire le radici dello spirito farsesco di Dada al drammaturgo satirico greco Aristofane del V secolo aC, afferma Le Bon del Centre Pompidou. Una fonte più immediata, tuttavia, fu l'assurdista drammaturgo francese Alfred Jarry, la cui farsa Ubu Roi (re Ubu) del 1895 introdusse "Pataphysics" - "la scienza delle soluzioni immaginarie". Era il tipo di scienza che Dada applaudì. Erik Satie, un compositore d'avanguardia che ha collaborato con Picasso a produzioni teatrali e preso parte a serate di Dada, ha affermato che i suoi collage sonori - una suite orchestrale con passaggi per pianoforte e sirena, ad esempio - erano "dominati dal pensiero scientifico".
Duchamp probabilmente ebbe il maggior successo nel trasformare gli strumenti della scienza in arte. Nato vicino a Rouen nel 1887, era cresciuto in una famiglia borghese che incoraggiava l'arte: anche due fratelli maggiori e sua sorella minore diventarono artisti. I suoi primi dipinti furono influenzati da Manet, Matisse e Picasso, ma il suo Nude Descending a Staircase no. 2 (1912), ispirato ai primi studi fotografici sul movimento stop-action, era interamente suo. Nel dipinto, la figura femminile nuda sembra assumere l'anatomia di una macchina.
Rifiutato dalla giuria per il Salon des Independants del 1912 a Parigi, il dipinto fece scalpore in America quando fu esposto a New York City all'Armory Show del 1913 (la prima esposizione internazionale di arte moderna su larga scala del paese). Parodie dei cartoni animati dell'opera sono apparse sui giornali locali e un critico l'ha deriso come "un'esplosione in una fabbrica di ghiaia". Il Nudo è stato catturato (per $ 240) da un collezionista, così come altri tre Duchamps. Due anni dopo lo spettacolo, Duchamp e Picabia, i cui dipinti erano stati venduti anche all'Armory Show, scambiarono Parigi con Manhattan. Duchamp riempì il suo studio di West 67th Street con oggetti acquistati nei negozi che chiamava "readymades": una pala da neve, un pagliaio, un pettine per cani in metallo. Spiegando le sue selezioni alcuni anni dopo, disse: “Devi avvicinarti a qualcosa con indifferenza, come se non avessi alcuna emozione estetica. La scelta dei readymades si basa sempre sull'indifferenza visiva e, allo stesso tempo, sulla totale assenza di gusto buono o cattivo. ”Duchamp all'inizio non mostrò i suoi readymades, ma vide in essi un altro modo per minare le idee convenzionali sull'arte.
Nel 1917, acquistò un orinatoio di porcellana in un negozio di articoli idraulici della Fifth Avenue, lo chiamò Fountain, lo firmò R. Mutt e lo presentò a una mostra della Society of Independent Artists a New York City. Alcuni organizzatori dello spettacolo sono rimasti sbalorditi ("i poveri non hanno potuto dormire per tre giorni", ha ricordato in seguito Duchamp), e il pezzo è stato respinto. Duchamp si è dimesso da presidente del comitato espositivo a sostegno di Mutt e ha pubblicato una difesa dell'opera. La pubblicità che ne seguì contribuì a rendere Fountain uno dei simboli più noti di Dada, insieme alla stampa della Gioconda di Leonardo da Vinci l'anno seguente, a cui Duchamp aveva aggiunto baffi e pizzetto a matita.
Parodia del metodo scientifico, Duchamp ha realizzato voluminose note, diagrammi e studi per il suo lavoro più enigmatico, The Bride Stripped Bare di Her Bachelors, Even (o The Large Glass) —un assemblaggio di nove piedi di fogli di metallo, fili, olio, vernice e polvere, inserite tra i pannelli di vetro. Lo storico dell'arte Michael Taylor descrive l'opera come "una complessa allegoria del desiderio frustrato in cui i nove scapoli in uniforme nel pannello inferiore sono perpetuamente ostacolati dal copulare con la vespa, sposa biomeccanica di cui sopra".
L'irriverenza di Duchamp nei confronti della scienza è stata condivisa da due suoi compagni di New York, Picabia e un giovane fotografo americano, Man Ray. Picabia poteva disegnare con la precisione di un artista commerciale, rendendo i suoi diagrammi senza senso particolarmente convincenti. Mentre Duchamp costruiva macchine con dischi rotanti che creavano sorprendenti motivi a spirale, Picabia ricopriva tele con strisce disorientanti e cerchi concentrici, una prima forma di sperimentazione ottica nella pittura moderna. Man Ray, le cui fotografie documentano le macchine ottiche di Duchamp, ha impresso il proprio marchio sulla fotografia manipolando le immagini nella camera oscura per creare illusioni sul film.
Dopo la fine della guerra nel 1918, Dada disturbò la pace a Berlino, Colonia, Hannover e Parigi. A Berlino, l'artista Hannah Höch ha dato a Dada un ironico tocco domestico con collage che incorporavano modelli di cucito, fotografie ritagliate prese da riviste di moda e immagini di una società militare e industriale tedesca in rovina.
A Colonia, nel 1920, l'artista tedesco Max Ernst e una banda di papà locali, esclusi da una mostra museale, organizzarono il loro "Dada Early Spring" nel cortile di un pub. Oltre la stanza degli uomini, una ragazza che indossa un "abito da comunione recitava oscene poesie, aggredendo così sia la santità dell'alta arte che della religione", osserva la storica dell'arte Sabine Kriebel nel catalogo della mostra attuale. Nel cortile, "gli spettatori sono stati incoraggiati a distruggere una scultura di Ernst, alla quale aveva attaccato un'ascia di guerra". La polizia di Colonia ha chiuso lo spettacolo, accusando gli artisti di oscenità per un'esibizione di nudità. Ma l'accusa fu abbandonata quando l'oscenità si rivelò essere una stampa di un'incisione del 1504 di Albrecht Dürer intitolata Adamo ed Eva, che Ernst aveva incorporato in una delle sue sculture.
Ad Hannover, l'artista Kurt Schwitters iniziò a creare arte dai detriti della Germania del dopoguerra. "Per parsimonia ho preso tutto quello che ho trovato per fare questo", ha scritto della spazzatura che ha raccolto dalle strade e trasformato in collage e assemblaggi scultorei. "Si può persino gridare con i rifiuti, ed è quello che ho fatto, inchiodandoli e incollandoli insieme." Nato lo stesso anno di Duchamp - 1887 - Schwitters si era formato come pittore tradizionale e aveva trascorso gli anni della guerra come disegnatore meccanico in un locale lavori in ferro. Alla fine della guerra, tuttavia, scoprì il movimento dadaista, sebbene rifiutasse il nome Dada e tirò fuori il suo, Merz, una parola che ritagliò da un poster pubblicitario per la Kommerz-und Privatbank di Hannover (una banca commerciale) e incollato in un collage. Come sottolinea Dickerman della National Gallery, la parola ha invocato non solo denaro, ma anche la parola tedesca per dolore, Schmerz e la parola francese per escrementi. "Un po 'di soldi, un po' di dolore, un po 'di merda", dice, "sono l'essenza dell'arte di Schwitters". La costruzione a forma libera costruita con oggetti trovati e forme geometriche che l'artista chiamò Merzbau iniziò come un paio di collage tridimensionali, o assemblaggi, e sono cresciuti fino a quando la sua casa è diventata un cantiere di colonne, nicchie e grotte. Nel tempo, la scultura ha sfondato il tetto dell'edificio e le pareti esterne; ci stava ancora lavorando quando fu costretto a fuggire dalla Germania per l'ascesa al potere dei nazisti. Alla fine, il lavoro fu distrutto dai bombardieri alleati durante la seconda guerra mondiale.
L'ultimo hurrah di Dada è stato suonato a Parigi all'inizio degli anni 1920, quando Tzara, Ernst, Duchamp e altri pionieri di Dada hanno preso parte a una serie di mostre di arte provocatoria, spettacoli di nudo, produzioni turbolente e manifesti incomprensibili. Ma il movimento stava crollando. Il critico e poeta francese André Breton pubblicò i suoi manifesti Dada, ma iniziò a fare le faide con Tzara, mentre Picabia, stufo di tutti gli scontri, fuggì dalla scena. All'inizio degli anni 1920, Breton stava già schiudendo la prossima grande idea d'avanguardia, Surrealismo. "Dada", ha esaltato, "per fortuna, non è più un problema e il suo funerale, verso il maggio 1921, non ha provocato rivolte".
Ma Dada, che non era ancora del tutto morto, sarebbe presto saltato fuori dalla tomba. Le astrazioni di Arp, le costruzioni di Schwitters, i bersagli e le strisce di Picabia e i readymades di Duchamp si stavano rapidamente rivelando nel lavoro dei maggiori artisti e movimenti artistici del XX secolo. Dalle astrazioni di Stuart Davis alla Pop Art di Andy Warhol, dagli obiettivi e dalle bandiere di Jasper Johns ai collage e combinazioni di Robert Rauschenberg - quasi ovunque guardi nell'arte moderna e contemporanea, Dada lo ha fatto per primo. Perfino Breton, morto nel 1966, ritrattò il suo disprezzo per Dada. "Fondamentalmente, da quando Dada", ha scritto, non molto tempo prima della sua morte, "non abbiamo fatto nulla".
