La testa di Oloferne è sottosopra. il suo viso si contorce in agonia. Judith spinge il ginocchio nella sua gabbia toracica mentre combatte selvaggiamente, spingendo il pugno contro lo sterno della serva. Mentre Judith taglia il collo di Oloferne, il sangue schizza dalla sua gola e corre sulle lenzuola di lino bianco.
Quasi 400 anni dopo, anche i cittadini sfiniti del mondo moderno sono sorpresi da questa immagine: un dipinto del momento chiave della storia di Judith, la vedova ebrea che salva la città di Betulia dall'attacco degli assiri uccidendo il loro comandante. Per i mecenati italiani all'inizio del XVII secolo, con il loro gusto per le immagini drammatiche, persino violente, il genere e la notorietà dell'artista hanno solo accentuato l'effetto del dipinto. Appannato dallo scandalo e ostacolato da una società che si aspettava che le donne fossero suore o mogli, Artemisia Gentileschi divenne tuttavia la pittrice più abile della sua epoca. Era, secondo l'iscrizione sull'incisione dell'artista Jerome David, "Un miracolo nella pittura, più facilmente invidiato che imitato".
In questi giorni, dopo secoli di abbandono, Artemisia è ovunque. Il New York Times l'ha definita "questa ragazza" di questa stagione ". Un nuovo romanzo popolare, La passione di Artemisia di Susan Vreeland, è stato pubblicato a gennaio e il mese successivo, Lapis Blue Blood Red, una commedia su di lei, ha aperto -Broadway. (Numerosi libri accademici, un catalogo raisonne e altri due romanzi sono stati scritti anche su di lei dieci, e una delle sue opere è stata anche inclusa nella trama della serie Painted Lady del capolavoro con Helen Mirren. Nel 1997, è stata oggetto di una Film francese, Artemisia .) Soprattutto, una mostra delle sue opere - e quelle del suo padre ancora una volta celebrato, Orazio - al Metropolitan Museum of Art di New York ha fatto molto per consolidare la sua reputazione di artista dinamica e originale, una delle pochissime pittrici del suo tempo abbastanza audace da affrontare temi storici e allegorici.
“Orazio e Artemisia Gentileschi: pittori di padre e figlia nell'Italia barocca” presenta 51 dipinti di Orazio e 35 di Artemisia. In mostra fino al 12 maggio al Met prima di trasferirsi al Saint LouisArt Museum (dal 14 giugno al 15 settembre), questa prima retrospettiva delle opere del padre e della figlia mette in luce le loro risposte divergenti alle influenze barocche.
Anche se nel caso di Artemisia il riconoscimento è atteso da tempo, l'autopotente promotore ha avuto un notevole successo nella sua vita. Pittore di duchi, principi, cardinali e re, fu la prima donna ammessa alla prestigiosa Accademia del Disegno. "Mi sono visto onorato da tutti i re e sovrani d'Europa a cui ho inviato le mie opere, non solo con grandi doni, ma anche con le lettere più favorite, che tengo con me", ha scritto alla sua amica l'astronomo Galileo in 1635. Ma i suoi successi artistici hanno dovuto competere con un evento della vita reale. All'età di 17 anni, è stata violentata da una collega di suo padre. Il successivo processo, e la sua trascrizione di 300 pagine sopravvissute, hanno plasmato la valutazione della storia dell'artista.
Orazio Gentileschi fu uno dei primi pittori a rispondere a una nuova estetica che scoppiò a Roma nel 1600, la settima estate di Artemisia. La presentazione di un'unica commissione - le due opere di Caravaggio sulla vita di San Matteo - ha introdotto elementi chiave di un nuovo canone, alla fine chiamato Barocco. Fino a quell'estate, Orazio aveva sostenuto se stesso, sua moglie e quattro figli eseguendo commissioni piuttosto blande per varie pale d'altare e cappelle a Roma. Ma colpito dalla visione di Caravaggio, il 37enne Orazio ha abbracciato con entusiasmo le narrative drammatiche dell'artista più giovane, i giochi dinamici di luci e ombre, le composizioni energiche e i primi piani della realtà, come la groppa di un cavallo o un cadavere in decomposizione. Caravaggio scandalizzava il mondo dell'arte dipingendo direttamente, in modo non idealizzato, da modelle dal vivo, alcune delle quali, secondo le voci, erano prostitute; i rivali hanno persino affermato di aver usato il corpo di una donna annegata come modello per la sua Madre di Cristo irrigidita e scalza sul letto di morte.
Orazio fece amicizia con Caravaggio e fece il giro con lui di taverne economiche. Ma forse a causa della durezza del giovane e del "temperamento selvaggio" di Orazio, come lo descrisse un contemporaneo, l'amicizia ebbe vita breve. L'influenza di Caravaggio, tuttavia, non lo fu. Per la magnifica Madonna con Bambino di Orazio (1609), ha disegnato come suoi modelli un vicino della parrocchia di Santa Maria del Popolo, dove viveva all'epoca, e suo figlio. La sua rappresentazione naturalistica della Madonna, senza aureola o gioielli, teneramente allattata, riflette l'influenza di Caravaggio e suggerisce un lato più morbido al personaggio di Orazio.
Artemisia aveva 12 anni nel 1605, l'anno in cui sua madre, Prudentia Montoni, morì di parto. Orazio inizialmente non nutriva ambizioni artistiche per la sua unica figlia, immaginando invece una vita come suora per lei. Ma l'ambizione e il talento di Artemisia si affermarono presto. A 15 anni, sotto la guida di suo padre, aveva iniziato ad assimilare i metodi di Caravaggio. Per il suo primo dipinto noto, Susanna and the Elders (1610), probabilmente usò una modella dal vivo, forse se stessa riflessa in uno specchio. Rappresentando una scena della storia biblica di Susanna, in cui due anziani bramano una giovane matrona, Artemisia ha raffigurato una donna nuda voluttuosa contorta in una posizione difensiva dai progressi di due lecher cospiratori. Il lavoro si rivelerebbe troppo profetico.
Sebbene Orazio tenesse la figlia confinata a casa sua, secondo l'usanza dei rispettabili romani dell'epoca, il domicilio dei Gentileschi fungeva anche da suo studio, con il suo traffico costante di modelle, colleghi e clienti. La vicinanza agli uomini alimentava le voci che rovinavano la reputazione della giovane Artemisia. Il 6 maggio 1611, i pettegolezzi si trasformarono in lesioni reali. Avendo affidato la supervisione della figlia diciassettenne a un amico di famiglia, Orazio era fuori casa quando il suo socio in affari, e il suo pittore, Agostino Tassi entrarono in casa e violentarono Artemisia.
All'epoca, lo stupro era visto più come un crimine contro l'onore di una famiglia che come una violazione di una donna. Così, solo quando il sposato Tassi rinnegò la sua promessa di sposare Artemisia, Orazio fece causa contro di lui. Nel successivo processo di otto mesi, Artemisia ha testimoniato che stava dipingendo quando Tassi è entrata nella stanza urlando: "Non tanto dipinto, non tanto dipinto". Poi prese la tavolozza e i pennelli dalle sue mani e li gettò a terra . Combatté e si grattò invano, attaccandolo infine con un coltello. Per stabilire la sua veridicità, le autorità hanno somministrato un test del rilevatore di bugie primitivo, sotto forma di tortura da parte delle viti a testa zigrinata, una pratica comune all'epoca. Mentre le corde si stringevano attorno alle sue dita, si diceva che avesse gridato a Tassi: "Questo è l'anello che mi dai e queste sono le tue promesse."
Deve aver superato la prova; Tassi fu condannato e condannato a un bando di cinque anni da Roma (una punizione apparentemente mai imposta). Per allontanare Artemisia da Roma e il conseguente scandalo, Orazio fece in modo che lei sposasse un pittore fiorentino minore di nome Pierantonio Stiattesi. Poco dopo il matrimonio, gli sposi sono partiti per Firenze, dove Orazio aveva chiesto il patrocinio per sua figlia dalla granduchessa di Toscana. "[È] diventata così abile che posso osare dire che oggi non ha pari, " si era vantato con la duchessa. "In effetti, ha prodotto opere che dimostrano un livello di comprensione che forse nemmeno i principali maestri della professione non hanno raggiunto."
L'opera di Artemisia a Firenze, dove perfezionò il suo senso del colore negli autoritratti e nei dipinti come l'abbagliante Conversione della Maddalena, avrebbe segnato il primo passo nel suo percorso verso la fama artistica. Quando lasciò Firenze nel 1620 o 1621, ancora alla fine degli anni '20, aveva dipinto almeno sette opere per l'influente Granduca Cosimo II de 'Medici e la sua famiglia. Ma mentre gli scriveva, "i problemi a casa e con la mia famiglia", la perdita di tre figli e l'apparente infedeltà e spese stravaganti del marito, avevano preso il loro pedaggio.
Desiderosa di ricominciare da capo, si trasferisce a Roma e prende una casa in Via del Corso con il marito e la figlia Prudentia (l'unico dei loro quattro figli a sopravvivere). Il disagio finanziario e la gelosia di suo marito, tuttavia, continuarono a erodere il suo matrimonio. Una notte del 1622, dopo aver trovato un gruppo di spagnoli sulla soglia a serenare la moglie, Pierantonio presumibilmente ne tagliò uno in faccia. Successivamente uscì con Artemisia e Prudentia (che sarebbero diventati anche artisti).
La madre single trovò difficile ottenere commissioni (i gusti romani erano cambiati mentre Artemisia era a Firenze). Nel 1627, con la speranza di un nuovo patrocinio, si trasferì a Venezia, dove ricevette una commissione da Filippo IV di Spagna per dipingere un pezzo di accompagnamento di Discovery of Achilles di Peter van Rubens e Anthony van Dyck. Due anni dopo, fuggendo dalla peste del 1630 (che spazzò via un terzo della popolazione di Venezia), Artemisia passò a Napoli, poi sotto il dominio spagnolo. Lì completò la prima pala d'altare della sua carriera e una commissione pubblica per una grande chiesa, onori che l'avevano sfuggita forse a causa del suo genere. Nel corso degli anni, Artemisia si lamentava ripetutamente delle insidie della competizione in un settore esclusivamente maschile. "Ti dispiace per me perché il nome di una donna solleva dubbi fino a quando non si vede il suo lavoro", scrisse al suo ultimo grande mecenate, Don Antonio Ruffo, sfidando a dover contrattare sui prezzi e difendere costantemente il valore e l'originalità della sua arte. "Se fossi un uomo", dichiarò, "non posso immaginare che sarebbe andata così".
Orazio era rimasto a Roma quando Artemisia era partita per Firenze e si era guadagnata la reputazione di uno dei migliori pittori di quella città, vincendo commissioni per importanti pale d'altare e guadagnandosi il patrocinio della ricca famiglia Savelli. Nel 1621, su invito del nobile genovese Giovan Antonio Sauli, si trasferì a Genova, dove iniziò la fase più significativa della sua carriera, dipingendo una serie di composizioni sensuali per Sauli: una Maddalena penitente, una Danaë e il lotto multicolore e Le sue figlie . Fu qui che dipinse anche la sua magistrale Annunciazione n. "Queste sono straordinarie opere d'arte", afferma Judith Mann, curatrice della prima arte europea al Saint LouisArt Museum e co-curatrice della mostra attuale. "Ti fanno sussultare mentre entri nella stanza."
Nell'Annunciazione di Orazio, una rappresentazione dell'angelo Gabriele in ginocchio davanti alla Vergine Maria, un'opulenta tenda rossa, lenzuola bianche e la delicata sciarpa d'oro della Vergine catturano la luce. La disposizione formale delle figure di Orazio infonde al dipinto una solennità devozionale. Il dipinto suggerisce la divergenza stilistica tra padre e figlia dopo ogni uscita da Roma. Orazio ha temperato il dramma che ha imparato da Caravaggio con il suo senso di raffinatezza. Le sue composizioni più formali enfatizzano il colore e una resa accurata della superficie e della trama piuttosto che i gesti drammatici. Artemisia ha creato un senso di immediatezza e ha usato dettagli rivelatori - come l'elegante braccialetto che circonda il braccio omicida di Judith - come contrappunto alle sue rappresentazioni grafiche, aumentando così il dramma.
Nel 1625-1627 di Artemisia circa Judith e la sua serva, una versione meno spaventosa della morte di Oloferne spesso citata come caso di studio del barocco alto, Judith e il suo servo si fermano, sembrando di sentire un rumore fuori dalla tenda di Oloferne. L'interno oscuro è illuminato teatralmente da una sola candela. La mano di Judith protegge il viso dal bagliore, attirando l'attenzione sul guanto di ferro scartato di Oloferne. L'occhio dello spettatore viaggia verso l'oggetto nelle mani della cameriera: la testa mozzata di Oloferne.
"I dipinti di ciò che non puoi vedere, di ciò che non riesci a sentire, abbondano nell'arte del 17 ° secolo", afferma Keith Christiansen, curatore di dipinti italiani al Met e cocuratore della mostra. In un dipinto con lo stesso tema fatto 20 anni prima, Orazio prese una virata diversa. Nella sua versione, le donne sembrano anche fuori dal palco, ma il loro linguaggio del corpo è più stilizzato. Le pieghe dei loro abiti corrispondono, così come i loro profili, come se i due assassini fossero in ballo. "Artemisia prende spesso la strada di George Lucas, puntando a un effetto teatrale", afferma Christiansen. “Vuole che tu sia completamente respinto. Orazio comunica questo momento psicologico in modo formale, rendendo bellissima anche la brutta testa. Predilige il tessuto; lei favorisce il sangue. È la scarpa morbida per il suo stiletto. ”
Dato il trauma iniziale di Artemisia, molti spettatori moderni vedono opere come Judith e la sua serva e, in particolare, Judith che uccide Oloferne, come un dipinto di vendetta. Ma gli studiosi non sono d'accordo sul significato dello stupro nel suo lavoro. I patroni ricchi con un gusto per la violenza e l'erotismo potrebbero aver avuto tanto a che fare con la sua materia come ricordi dolorosi (e Judith era un argomento popolare anche con artisti maschili). Inoltre, come osserva Mann, meno di un quarto dei dipinti noti di Artemisia raffigurano donne vendicative. "Non diamo ad Artemisia il dovuto se la vediamo in quella carreggiata", dice Mann. "Probabilmente ci manca molto a causa di quell'aspettativa". Manca, purtroppo, la maggior parte dei dipinti su cui è stata costruita la sua reputazione di ritrattista. Rimangono solo il Ritratto di un Gonfaloniere (un magistrato civico) e alcuni autoritratti, come La Pittura . In Autoritratto come suonatore di liuto, probabilmente dipinto mentre Artemisia era a Firenze, l'artista, dall'aspetto sereno e bello, si ritrae come musicista in un elegante abito fiorentino.
quando Orazio compì 60 anni, il suo successo a Genova lo incoraggia a commercializzare le sue capacità a Marie de 'Medici, regina madre di Francia e membro della famiglia più prestigiosa della Toscana. Fu su sua richiesta che si trasferì a Parigi nel 1624, dove eseguì dipinti per il suo Palais du Luxembourg. Il legame di Orazio con la regina madre pagò altri dividendi. Non molto tempo dopo che sua figlia Henrietta Maria sposò Carlo I d'Inghilterra, Orazio fu reclutato dal duca di Buckingham, che aveva incontrato al matrimonio, per venire alla corte del re inglese.
Il 62enne Orazio è stato installato in spaziosi quartieri di Londra, a causa delle generose spese di soggiorno e invitato alle cene con la famiglia reale. Come unico pittore italiano e uno dei pochi artisti cattolici a Londra, si fece strada nella cerchia della regina cattolica Henrietta Maria. Presto lo fece lavorare al più vasto progetto della sua carriera - il soffitto della sua casa a Greenwich - una rappresentazione in nove tele di figure allegoriche.
Nel 1638 o nel 1639, dopo aver evitato una convocazione di quattro anni da parte di Carlo I e una supplica di suo padre, Artemisia si trasferì infine a Londra stessa. I suoi tentativi di proteggere il lavoro da potenti connessioni in Italia erano falliti e, nonostante la spiacevole prospettiva di lavorare per un re protestante e la tensione del viaggio, aveva un bisogno disperato di soldi.
I dettagli di ogni riunione con suo padre - sarebbero passati almeno 17 anni da quando si erano visti - sono andati persi. Nel febbraio del 1639, Orazio morì all'età di 75 anni, dopo 13 anni di servizio alla corte di Carlo I, che lo onorò con un sontuoso funerale.
Artemisia rimase a Londra per due anni, fino a quando le assicurazioni di lavoro la riportarono intorno al 1641 a Napoli, dove visse fino alla sua morte nel 1652 o '53, producendo opere come Galatea e Diana al suo bagno per Don Antonio Ruffo . Quando le offrì meno del prezzo concordato per Diana, Artemisia fu incensata: "Penso che la tua più illustre signoria non subirà alcuna perdita con me", scrisse nel 1649, "e che troverai lo spirito di Cesare in quest'anima di una donna. "
Nel 1653, poco dopo la morte di Artemisia, due noti poeti, Pietro Michiele e Gianfrancesco Loredan, quest'ultimo i quali una volta le avevano scritto lettere d'amore, collaborarono alla pubblicazione di una poesia scritta nella sua voce: “ Nel dipingere i ritratti di questo e quello, / ho acquisito un merito infinito nel mondo. / Scolpendo le corna [del becco] che ho dato a mio marito, / ho abbandonato il pennello e ho preso lo scalpello. ”
Sebbene forse i sentimenti di un corteggiatore respinto, le linee catturano appropriatamente il dilemma storico di Artemisia: per secoli il suo talento è stato oscurato dalle voci e dallo scandalo che circondano la sua vita personale. Ora, sta ottenendo il riconoscimento che sentiva di meritare. "Le opere", ha dichiarato una volta, "parleranno da sole".
