Il 2 dicembre 2016, una festa da ballo a Oakland, in California, uno spazio di magazzino noto come Ghost Ship è andato in fiamme, causando almeno 36 vittime. Fu il più mortale disastro del fuoco nella storia della città.
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Ad oggi, la causa dell'incendio non è nota. Tuttavia, le prime reazioni della stampa arrivarono in una lunga lista di rappresentazioni "te lo dicevo". Il layout di Ghost Ship è stato descritto come una trappola per firmep, trappola mortale e ingombro di "labirinto". La comunità è stata chiamata un composto, comune e ha dato altre etichette che ipotizzano ulteriormente che questo disastro stava certamente aspettando che accadesse. Che era inevitabile.
I musei, specialmente nella Bay Area, hanno espresso la loro simpatia per l'evento, e SFMOMA ha aperto le sue porte gratuitamente pochi giorni dopo per le persone colpite di "riflettere, piangere e guarire".
Altri nel campo del museo hanno lavorato per colmare il divario tra istituzioni e spazi di base. Nei giorni successivi all'incidente della nave fantasma, Kimberly Drew, responsabile dei social media del Metropolitan Museum of Art, riferì ai suoi colleghi un documento di provenienza popolare, seminato dall'attivista d'arte Susan Surface, che era pieno di suggerimenti per luoghi della comunità su come ridurre i rischi. Lauren Zelaya, curatrice del Brooklyn Museum, ha indicato il popolare programma First Saturdays del museo come uno sforzo intenzionale per i produttori locali di testare i loro progetti sotto la sicurezza e la guida di una sede istituzionale.
Ma mentre questi sono gesti importanti per qualsiasi grande tragedia, i musei e le istituzioni d'arte sono rimasti in gran parte lontani da questo incidente. Ciò perpetua il presupposto che spazi come la Nave fantasma sono marginali - e persino irrilevanti - per il mondo dell'arte formale.
In realtà, la realtà è piuttosto l'opposto.
Magazzini e social fai-da-te (fai-da-te) sono nati per la prima volta negli anni '60, quando l'industrializzazione americana si è calmata, lasciando grandi fabbriche vuote, inutilizzate e convenienti. I quartieri che ora sono conosciuti come paradisi per musei, teatri e gallerie - come SoHo di New York, Downtown Los Angeles e Mission District di San Francisco - hanno iniziato come spazi di raccolta accessibili per gli artisti e i loro sostenitori. Contrariamente ai prestigiosi, maestosi e forse anche antiquati ambienti dei musei, i luoghi del fai-da-te sono responsabili dell'estetica un tempo evitata, come i mattoni a vista e gli infissi in metallo che diventano popolari significanti dello "spazio creativo".
Gli equipaggi di emergenza si trovano di fronte al luogo di un incendio del magazzino lunedì 5 dicembre 2016, a Oakland, in California, che ha provocato ben 36 vittime. (Marcio Jose Sanchez / AP) Recentemente, i musei hanno reinventato alcuni dei loro programmi per raggiungere nuovi dati demografici e hanno tratto ispirazione aggressiva dagli stessi spazi creati come loro alternative. Non è raro trovare un programma museale sotto forma di spettacolo pop-up, pulce d'arte o festa di blocco.
La PS1 di Long Island City ha funzionato per 30 anni con il riconoscimento che le istituzioni mancavano della volontà e delle infrastrutture per supportare adeguatamente gli artisti locali ed emergenti, fino a quando non è stata acquisita dal Museum of Modern Art nel 2000 e ribattezzata MoMA PS1. Lo Smithsonian's Asian Pacific American Center ha recentemente introdotto il modello di laboratorio culturale, sicuramente un cenno al modo in cui gli spazi fai-da-te e di base servono in modo univoco le comunità creative.
I musei e gli spazi fai-da-te hanno condiviso una storia lunga e complessa, ed è vitale per i musei non interpretare la recente tragedia di Ghost Ship come un inevitabile fallimento di artisti e curatori dilettanti, ma piuttosto un riflesso della riluttanza delle istituzioni a condividere adeguatamente risorse e informazioni con le loro controparti creative. Alcuni programmi museali oggi possono apparire e sembrare simili agli spazi fai-da-te che li hanno ispirati, ma questo dovrebbe essere visto come un'opportunità.
Ecco sei modi in cui musei, gallerie e istituzioni culturali possono sfruttare le loro conoscenze e risorse per avvantaggiare gli spazi fai-da-te:
Condividi i documenti di sicurezza e accessibilità
I musei possono aiutare prestando competenza in materia di sicurezza, condividendo personale e protocollo e offrendo di rendere pubblici i loro manuali e procedure sulla sicurezza e l'accessibilità che fungono da modelli. Alcune istituzioni potrebbero discutere di non rendere accessibili i loro documenti, poiché questi documenti sono lunghi e complicati, specialmente per gli estranei. È vero che la pila di codici di sicurezza, licenze, recensioni e corsi di formazione può sembrare avere la precedenza sulla creatività. Ma una guida minima attraverso la terminologia di base, acronimi e punti chiave può fare molto.
L'ambiente pericoloso di alcuni spazi fai-da-te di solito non è dovuto alla riluttanza a rendere gli spazi sicuri, ma piuttosto alla mancanza di capacità o consapevolezza. Mentre le istituzioni d'arte traggono vantaggio dall'avere personale che equilibra le competenze creative e amministrative, molti progetti fai-da-te sono sforzi guidati dalla visione in cui i produttori imparano mentre vanno. Questa metodologia di prova ed errore è spesso efficace e innocua, ma abbiamo imparato che le conseguenze possono anche essere disastrose.
Educare gli operatori fai-da-te sulle migliori pratiche
Tenere seminari e condividere metodi per garantire la sicurezza pubblica anche in caso di capacità e risorse limitate.
Anche gli artisti con una formazione artistica formale potrebbero non avere familiarità con le procedure standard relative all'uscita (vie di uscita di emergenza), alla velocità di combustione (infiammabilità dei materiali) e alle normative ADA (accessibilità). I musei possono offrire tutorial (proprio come il popolare edit-a-thon di Wikipedia e concedere seminari) o pubblicare webinar o brevi video con suggerimenti.
Collabora con i produttori
I musei possono servire meglio queste comunità raggiungendo e collaborando con gli artisti. Le persone che si sono prese la responsabilità di creare progetti, indipendentemente da conoscenze e risorse limitate, sono il potere dei progetti di base. Sono abituati ad apprendere fornendo informazioni sui pasti e osservando gli altri.
Fornire incoraggiamento sotto forma di posizioni di volontariato, lavoro a contratto e persino opportunità di assunzione non può che rafforzare sia i musei che la comunità artistica circostante in modo reciprocamente vantaggioso. Sviluppando legami con questi produttori, i musei traggono vantaggio dalle competenze - adattabilità, pensiero critico e sensibilizzazione locale - che producono produzioni fai-da-te di successo.
Partecipa agli eventi
I professionisti del museo possono essere potenti voci di coinvolgimento per i programmi di base, ma inizia con l'esperienza personale. Molte delle ipotesi sui pericoli di eventi come in Ghost Ship provengono da persone che non hanno mai partecipato. Mentre la copertura della stampa sulla tragedia della nave fantasma potrebbe portare a mettere in parallelo una festa di magazzino in un campo minato, la verità è che la maggior parte delle produzioni prende in considerazione considerazioni di sicurezza di base, anche se non attraverso un protocollo formale.
I professionisti dei musei potrebbero offrire suggerimenti mentre osservano gli eventi, condividendo le competenze che possono migliorare la sicurezza e l'accessibilità in questi luoghi.
Artisti a pagamento
C'è molto da dire sulle condizioni sociali che spingono artisti e produttori a ricorrere a infrastrutture instabili e a respingere i protocolli di sicurezza, ma gran parte di ciò può essere ricondotto alla capacità economica. Come i professionisti di altri campi, gli artisti lavorano per massimizzare le loro risorse, per quanto limitate.
La maggior parte dei musei ha un certo livello di sensibilizzazione locale nelle loro missioni, ma spesso agli artisti e ai collaboratori locali viene chiesto di offrire i loro servizi gratuitamente o a tariffe molto basse. Agli artisti viene chiesto di rinunciare o attualizzare le loro commissioni quando collaborano con piccole organizzazioni senza scopo di lucro, solo per fare lo stesso quando lavorano con istituzioni di grande budget, partendo dal presupposto che gli artisti trarranno vantaggio da compensi immateriali o "esposizioni".
Il pagamento di salari equi agli artisti non solo consente loro di continuare a vivere e lavorare in città sempre più costose, ma consente anche loro di ampliare i propri progetti in modo creativo e logistico. I musei dovrebbero riconsiderare le loro tariffe salariali per gli artisti, con la consapevolezza che ciò non solo contribuisce a bisogni di base come l'affitto e il cibo, ma anche per luoghi di qualità, materiale espositivo e risorse per la sicurezza.
Un'ottima guida per determinare tariffe ragionevoli per gli artisti in base al budget annuale di qualsiasi organizzazione è il calcolatore fornito da WAGE (Working Artists for a Greater Economy).
Essere un ponte per contatti e risorse
Anche se un museo non ha le risorse finanziarie per pagare gli artisti, probabilmente hanno rapporti con organizzazioni governative locali e nazionali, partner aziendali e istituzioni desiderosi di lavorare con gli artisti. In alcuni casi, i governi locali offrono borse di studio, agevolazioni fiscali o abitazioni e spazi di lavoro poco conosciuti come mezzo per incoraggiare le zone aziendali per gli artisti. Poiché è più probabile che gli artisti guardino ai musei rispetto ai loro municipi per chiedere aiuto, i musei possono sfruttare le loro relazioni per aiutare gli artisti bisognosi a trovare risorse esistenti, ma sottoutilizzate.
Poiché gli elementi dei programmi fai-da-te continuano a ispirare la pratica museale, è importante che i musei non inghiottano i progetti esistenti ed emergenti con un atteggiamento "possiamo gestirlo da qui". Piuttosto, una linea aperta di comunicazione e scambio reciproco può garantire che le operazioni di base siano in grado di prosperare in arene urbane sempre più difficili, mentre i musei possono accedere alla comunità locale di mecenati che sono stati istituiti per servire.
