Collegare il presente al passato è la missione centrale degli storici, e in particolare degli storici che lavorano nei musei. Una nuova mostra, "Dark Fields of the Republic", che ho curato per la National Portrait Gallery, guarda la fotografia di Alexander Gardner, uno studente di Mathew Brady, che fu tra i primi a documentare gli orrori dei campi di battaglia della Guerra Civile. Durante l'eroico e tragico periodo medio del diciannovesimo secolo americano, furono le immagini scioccanti dei morti di Gardner che aiutarono a inaugurare il mondo moderno.
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Martha McDonald, artista performativa con sede a Filadelfia, era stata attratta dalla questione dei rituali vittoriani in lutto nei suoi lavori precedenti The Lost Garden (2014) e The Weeping Dress (2012) e quando le abbiamo chiesto di creare un pezzo per accompagnare e amplificare il temi dello spettacolo Gardner, concordò prontamente.
Gardner fu una delle figure di spicco della rivoluzione fotografica nell'arte e nella cultura avvenuta negli Stati Uniti e in Europa a metà del XIX secolo. Nato in Scozia e con un background di classe operaia, Gardner era affascinato dalla tecnologia emergente della fotografia e trovò lavoro nello studio di Brady per il quale fece sia ritratti che, soprattutto, iniziò a fotografare i campi di battaglia della Guerra Civile. Il successo delle sue fotografie nella sua mostra del 1862, "The Dead at Antietam", permise a Gardner di mettersi in proprio, di allestire la sua galleria a Washington e di continuare a fotografare la guerra e in seguito l'ovest americano.
Per suggerire tutte le dimensioni di quell'esperienza passata, i programmi artistici e culturali di poesia, danza e performance art sosterranno la mostra. McDonald, che era in procinto di creare il suo lavoro Hospital Hymn: Elegy for Lost Solders, si è seduta con me per discutere delle sue intenzioni e dei suoi scopi artistici, nonché della sua carriera di artista performativa. Il pezzo debutterà il 17 ottobre al museo.
David Ward: l'edificio della Portrait Gallery è stato utilizzato come deposito di truppe, come ospedale e Walt Whitman lavorava come infermiera nell'edificio. Quanto ha giocato la storia dell'edificio nel modo in cui hai concepito il tuo lavoro?
Durante la mia prima visita al sito, sono stato immediatamente colpito dall'idea che questo splendido, maestoso edificio fosse un tempo pieno di malati e morenti. Ho iniziato a pensare a tutti gli spiriti che erano ancora presenti nell'edificio e ho pensato che questo fosse un territorio davvero ricco per il mio. Sono tornato a casa da quella visita e ho letto i giorni dell'esemplare di Whitman, che è in gran parte il suo periodo come infermiera durante la guerra civile. Whitman scrive specificamente di visitare i soldati nell'ospedale dei brevetti e di quanto fosse strano vedere tutti i letti allineati accanto ai casi dei modelli di brevetto, specialmente di notte quando erano illuminati. Mi ha colpito il modo in cui Whitman era ossessionato e con il cuore spezzato per il "milite ignoto" - le migliaia di soldati dell'Unione e confederati che sono morti lontano da casa, senza famiglia o amici in giro, e come molti di loro sono stati sepolti in massa, non contrassegnati tombe, o per nulla sepolte, lasciate a decadere nei boschi o sul campo di battaglia.
La seconda cosa che mi ha colpito è stata la fascinazione di Whitman per il modo in cui la natura è stata una sorta di testimonianza della sofferenza e della perdita della guerra. Immagina un soldato ferito in battaglia che striscia nel bosco per morire, il suo corpo è mancato alle squadre di sepoltura che sono arrivate diverse settimane dopo durante una tregua. Whitman scrive che il soldato "si sbriciola nella madre terra, non sepolto e sconosciuto". Ora, leggendo la Repubblica di sofferenza di Drew Gilpin Faust, questo non è stato solo un incidente immaginato, ma è accaduto a migliaia di soldati in guerra. Sia gli Specimen Days che le successive poesie della guerra civile di Whitman suggeriscono che i corpi di questi sconosciuti soldati diventarono il compost della nazione: i loro spiriti ora sono presenti in ogni filo d'erba, in ogni fascio di grano e in ogni fiore. Scrive: “... i morti infiniti - la terra intera satura, profumata dall'espirazione delle loro impalpabili ceneri nella chimica della natura distillata, e sarà così per sempre, in ogni futuro chicco di grano e spiga di grano, e in ogni fiore che cresce e ogni respiro che facciamo ... "
La performer Martha McDonald presenta in anteprima il suo nuovo lavoro Hospital Hymnal: Elegy for Lost Soldiers alla National Portrait Gallery il 17 ottobre 2015, alle 13:00 (fotografia di Kelly Cobb) DW: Il portfolio di Gardner, "The Dead at Antietam" ha suscitato scalpore quando è stato esposto a New York City nell'ottobre 1862. Il New York Times ha commentato che le fotografie avevano una "terribile distinzione" che ha portato la realtà della guerra a casa dei civili. Parleresti un po 'di come i temi della mostra hanno giocato su come hai concettualizzato il pezzo?
Stavo pensando a come esprimere quell'idea in uno spettacolo nella Sala Grande e ho avuto la visione di riempire l'intera sala con fiori di feltro rosso, il tipo di fiori che una vedova, madre o sorella in lutto avrebbe potuto creare in lei Salotto del XIX secolo in seta, carta o cera per commemorare la persona amata perduta. L'ho immaginato come un accumulo del lavoro di tutto questo dolore, il dolore di una nazione di persone in lutto.
Poi ho avuto l'idea di suggerire l'ospedale temporaneo rivestendo la sala con lettini militari coperti da lenzuola bianche e che avrei messo i fiori rossi in federe e rilasciato i fiori nell'esibizione tagliando ogni cuscino aperto per suggerire le ferite tendenti l'ospedale dei brevetti e il sangue versato. Volevo suggerire sia la perdita della vita, ma anche il lavoro del lutto che è stato fatto da tutti coloro che sono rimasti indietro, che hanno lottato per piangere i loro cari senza un corpo da seppellire.
Questo è un problema simile che i partecipanti al funerale hanno dovuto affrontare dopo l'11 settembre. Questa domanda su come ti dolori senza un corpo è importante per me. Quindi le migliaia di fiori che rilascerò suggeriscono l'enormità della perdita, ma sono anche simboli di rinnovamento e rinascita, come suggerito nell'immagine compost di Whitman di fiori che spuntano dagli oscuri campi di battaglia.
DW: Siamo stati attratti da te a causa del tuo lavoro che personifica il lutto. E abbiamo avuto conversazioni sul titolo della mostra "Dark Fields", che suggerisce il peso e gli aspetti tragici di un periodo cruciale nella storia americana.
C'è una fotografia di Alexander Gardner nella mostra che mostra i corpi di soldati morti schierati sul campo di battaglia prima che vengano sepolti. Quando vidi per la prima volta la fotografia, fui sopraffatto dal numero assoluto di morti, ma trovai anche stranamente bello il modo in cui i loro corpi formavano un lungo arco attraverso il campo. È quasi scultoreo.
Quando guardo la copia della foto che ho appeso al muro nel mio studio e poi guardo il mucchio di fiori rossi sul lettino che ho sistemato lì dentro, mi sembra che i miei fiori rossi possano anche essere visti come stand -ins per i soldati perduti, il volume di fiori che lascia intendere l'immensità della perdita umana. Le foto di Gardner informeranno il pubblico del mio approccio più lirico all'argomento.
Farò anche un piccolo opuscolo per il pubblico di dimensioni simili ai piccoli quaderni che Whitman teneva mentre visitava i soldati. L'opuscolo conterrà alcune informazioni di base sull'uso dell'ufficio brevetti come ospedale e il ruolo di Whitman lì, nonché i testi delle canzoni che sto cantando. Quindi anche le persone riceveranno un po 'di educazione da questo.
Per un pezzo che ha fatto sui rituali vittoriani in abiti da lutto, l'artista Martha McDonald ha appreso che gli stampi nei tessuti a volte macchiavano la pelle. ( Crying Portrait (tear stains), 2010, fotografia di Matthew Stanton) DW: Penso che dimentichiamo quanto fosse rumorosa la vita ordinaria intorno al 1850-80 - per non parlare del volume del rumore in una battaglia come Gettysburg - e allo stesso modo l'odore e gli odori di quel periodo. La gente di oggi non si rende conto di quanto sia stato spiacevole: merda di cavallo in tutte le strade, abbronzanti, corpi indifesi, vestiti che non sono mai stati puliti. Quanto di tutto questo ti porterà al lavoro?
Oh, gli odori del 19 ° secolo! Posso solo immaginare l'orrore di tutto questo! Leggere i giorni dell'esemplare di Whitman e la Repubblica di sofferenza di Faust mi ha sicuramente dato la sensazione degli odori putridi che avrebbero turbinato nei campi della Guerra Civile, negli ospedali e nei campi di battaglia, ma le città erano anche luoghi abbastanza profumati.
Ci ho riflettuto molto quando stavo cercando abiti da lutto vittoriani e come gli instabili coloranti a base vegetale macchiassero i corpi delle donne. La gente faceva il bagno così di rado, le macchie restavano in giro per molto tempo, a volte molto tempo dopo essersi trasferite dal lutto. Le ricette che ho trovato nelle riviste femminili per rimuovere le macchie sembravano orribili: la cosa principale che hanno usato era l'acido ossalico, che è quello che usi per pulire l'argenteria. Non sto affrontando in alcun modo gli odori del 19 ° secolo in questo pezzo, ma sono interessato a suggerire altre esperienze sensoriali del periodo: il suono dei miei piedi che echeggia attraverso la sala mentre cammino da una culla all'altra, la trama ruvida dei fiori di feltro contro la freschezza dei fogli bianchi.
DW: Concettualizziamo il passato attraverso documenti o ritratti scritti — prima del 20 ° secolo c'erano poche registrazioni — tendiamo a pensare al passato come a un silenzio che secondo me gioca nella nostra romanticizzazione di esso - congelato nel silenzio come una mostra dietro il vetro. Come lo affronterai?
Canterò un numero di vecchi inni che erano popolari durante l'era della Guerra Civile, alcuni presi dalla sacra tradizione dell'arpa del Sud e altri che sono inni popolari del Nord, come "The Shining Shore". Di recente ho letto che [l'inno ] era molto popolare tra i soldati durante la guerra, ma era fuori moda perché ricordava troppo ai veterani della guerra. Non c'è da meravigliarsi del suo ritornello: "Per ora stiamo sul filo della Giordania / I nostri amici stanno passando sopra / E poco prima della Shining Shore / Abbiamo quasi scoperto."
DW: In che modo questi inni giocano nella tua esibizione?
La musica che canterò si basa sul ricordo di Whitman di essere entrato nell'ospedale dell'Armory a tarda notte e di aver sentito un gruppo di infermiere cantare ai soldati. Descrive le canzoni come "inni declamatori" e "vecchie canzoni pittoresche" ed elenca alcuni dei testi di "Shining Shore", che sto imparando ora. Descrive la vista di "uomini che giacciono su e giù per l'ospedale nelle loro culle (alcuni gravemente feriti - altri che non salgono mai di lì) le culle stesse con il loro drappo di tende bianche e le ombre" che lanciano. Come hanno inclinato la testa per ascoltare.
Dice che alcuni degli uomini che non erano lontani cantarono insieme alle infermiere. Sono rimasto sorpreso quando ho letto quel brano sul canto negli ospedali, ma poi ho ricordato tutti i racconti che avevo letto delle famiglie del 19 ° secolo che cantavano a casa per svago e cantavano attorno al letto di una persona malata o morente e mi ha ricordato come la musica pervasiva (o "musica fatta in casa" come Whitman intitolava il suo ingresso sulle infermiere cantanti) era nel 19 ° secolo. La gente cantava per ogni occasione.
E come ho detto prima, il canto ha fornito alle persone un modo per esprimere emozioni intense, troppo intense per la società educata, come il dolore e la perdita. Sono un grande sostenitore del potere curativo di una canzone triste. Quando viene cantato un lamento, il cantante invita gli ascoltatori a entrare in contatto con il proprio dolore. L'esecuzione di un lamento o di un inno triste crea uno spazio in cui le persone possono piangere o vivere le proprie emozioni in pubblico in un modo che è profondamente curativo perché consente agli ascoltatori di vivere i propri drammi personali in una folla di persone che stanno elaborando il proprio dolore o provare altre emozioni profonde.
DW: Hai sviluppato un numero di pezzi che attingono alla storia americana, che come storico americano devo lodare. Cosa ti attira al passato?
Il mio lavoro si impegna in un dialogo tra passato e presente. Trovo una profonda risonanza con l'artigianato e le canzoni popolari che le persone usavano nel XVIII e XIX secolo per affrontare ed esprimere sentimenti di perdita e desiderio. Approprio di queste forme d'arte storiche nelle mie esibizioni e installazioni come un modo per articolare le mie perdite e il mio desiderio ed esplorare la presenza e l'assenza. Guardo il passato per riflettere sul presente ma non sono certo l'unico artista americano che guarda alla nostra storia come fonte di ispirazione.
DW: Ho la sensazione che gli artisti contemporanei non siano così interessati alla storia americana come fonte o ispirazione - sbaglio?
Il mio lavoro può essere contestualizzato all'interno di un gruppo di artisti contemporanei che si dedicano alla storia e al folklore per esplorare la narrazione personale e riflettere sull'attuale clima socio-politico, artisti come Dario Robleto, Allison Smith e Duke Riley. Questi artisti si appropriano di artigianato popolare per trasmettere la loro narrativa personale, tra cui la pettinatura del 19 ° secolo e la trincea dei soldati (Robleto), lo scrimshaw del marinaio e l'arte del tatuaggio (Riley) e i costumi del re-enactor della Guerra Civile (Smith).
Ci sono state un paio di recenti mostre di artisti contemporanei che si occupano di storia, tra cui "The Old Weird America: Folk Themes in Contemporary Art" al Contemporary Arts Museum di Houston (2008) e "Ahistoric Occasion: Artists Making History" a MASSMoca (2006) che mostrano l'ampiezza di questa tendenza.
DW: Sei una femminista impegnata, potresti parlare del tuo recupero delle voci delle donne come un aspetto della nostra comprensione storica in evoluzione.
Sono sempre stato interessato a recuperare le voci delle donne nel mio lavoro, sia guardando gli stereotipi femminili nell'opera, nella letteratura e nella mitologia come ho fatto nei miei primi lavori, sia esplorando la storia delle donne come custodi della memoria nel mio lavoro più recente. Essere una femminista è parte integrante della mia pratica artistica.
Il mio lavoro è una specie di risposta performativa alla storia sociale delle donne, in tutta la sua ricchezza, complessità e invisibilità. C'è un libro davvero fantastico che ho letto di recente intitolato Women and the Material Culture of Death, che si occupa di recuperare il lavoro in gran parte invisibile che le donne hanno svolto nel corso dei secoli per commemorare le persone care perdute e mantenere vivo il ricordo delle famiglie, delle comunità e del paese. Nel suo libro Drew Gilpin Faust affronta anche il ruolo chiave delle donne nella guarigione della nazione dopo la guerra civile.
Sono ispirato come artista da queste forme artigianali, ma penso anche che sia importante per le persone conoscerle come pratiche materiali che hanno aiutato la società ad affrontare e vivere con la morte e la perdita. Alla società contemporanea mancano questi rituali. Neghiamo la morte e l'invecchiamento. Di conseguenza, siamo completamente fuori contatto con la nostra stessa impermanenza, che causa ogni sorta di problemi come l'avidità, i crimini d'odio, la distruzione dell'ambiente, ecc.
Spero che il mio lavoro ricordi alla gente l'impermanenza e di pensare alle proprie vite e al modo in cui potrebbero adattare alcuni di questi rituali per affrontare e vivere con la perdita che li circonda.
DW: Parla un po 'della tua evoluzione artistica o traiettoria e di come ti sei allenato in origine.
Di solito mi riferisco a me stesso come un artista interdisciplinare. Realizzo installazioni e oggetti che attivo nell'esecuzione per trasmettere narrativa. Negli ultimi 10 anni il mio lavoro si è concentrato molto su interventi site specific in musei e giardini di case storiche dove disegno il sito e le sue storie per esplorare come questi luoghi pubblici si collegano con storie private e stati emotivi.
La mia pratica artistica si è sviluppata attraverso una traiettoria piuttosto non convenzionale. Ho iniziato a lavorare come giornalista. Ero uno scrittore di giornali e riviste. Ho anche cantato con ensemble barocchi professionisti, esibendomi in chiese e sale da concerto. A metà degli anni '90, ho attraversato un percorso con una strana scena di performance art molto politicizzata a Filadelfia, esibendomi in cabaret e night club.
Mentre cantavo le mie arie barocche in questo ambiente di drag queen e attivisti per l'AIDS, ho scoperto il potente potenziale dei costumi per trasmettere la narrativa. Coltivato da drag queen benevoli in questo ambiente super teatrale, ho sviluppato pezzi di performance che attingevano all'artificio dell'opera barocca e ai personaggi mitologici che li popolavano per esplorare il genere, l'identità e il potere e le mie narrazioni personali.
Ho attinto al mio background giornalistico per fare la ricerca pesante e scrivere monologhi che ho parlato al pubblico. Ho realizzato un pezzo su sirene, sirene e arpie - mezze donne / mezze bestie che non si adattano alla terra, al mare o all'aria - e il mio rapporto con loro. Ho esplorato la Madwoman in Opera. Ho realizzato un altro grande pezzo guardando l'epico lavoro mitologico di Penelope di tessere e non tessere per esplorare il dolore dell'attesa e dell'accettazione, attingendo alla morte di mia madre. Questi spettacoli includevano spesso proiezioni video (ho cantato il duetto di sirene di Henry Purcell con me stesso in video), set elaborati e talvolta altri cantanti e ballerini.
DW: Come persona interessata a creare arte, come ti sei evoluto in un artista della performance.
Dopo anni di esibizioni teatrali, ho iniziato a sentirmi davvero limitato dalla piattezza del proscenio teatrale e dalla distanza del pubblico seduto passivamente nel teatro oscurato. In quel periodo fui invitato dal Rosenbach Museum and Library di Filadelfia a realizzare un pezzo in risposta alla loro collezione di libri rari e arti decorative.
Sono rimasto affascinato dal modo in cui i fratelli Rosenbach hanno usato le loro collezioni per reinventarsi: sono cresciuti come figli di mercanti ebrei della classe media che sono falliti ma quando i fratelli hanno accumulato una fortuna vendendo libri rari negli anni '20, hanno assunto lo stile di vita sontuoso dei signori di campagna inglesi. La mia esibizione ha portato il pubblico in un tour del museo, concentrandosi su oggetti che stavano fingendo di essere qualcos'altro - specchi di cineseria, mobili dell'Impero, fogli forgiati di Shakespeare - per esaminare come usiamo i nostri oggetti per ridefinirci.
Fare lo spettacolo di Rosenbach mi ha fatto capire che non ero così interessato a creare "magia da palcoscenico" per trasportare il pubblico da qualche altra parte. Quello che volevo davvero fare era portarli letteralmente attraverso i siti e scoprire le loro storie nascoste attraverso una sorta di tour di canzoni.
Da allora ho guidato il pubblico attraverso un giardino botanico del 18 ° secolo, un cimitero vittoriano (entrambi a Filadelfia), su una piccola barca che viaggiava lungo un fiume attraverso il centro di Melbourne, in Australia, e fuori nelle corsie di navigazione, e in un privato in -home theater progettato da Leon Bakst negli anni '20 nel seminterrato di un palazzo a Baltimora. In tutti questi pezzi, il mio interesse principale è stato quello di risvegliare il pubblico all'esperienza di essere nel sito: l'odore e il sapore delle erbe nell'orto, il vento tra gli alberi e le rondini che si nutrono di insetti nel cimitero, il gigantesche navi portacontainer che hanno sminuito la nostra piccola barca sul fiume e l'angolazione del sole al tramonto al crepuscolo. Ho iniziato a parlare sempre meno nelle mie esibizioni e lasciare che il sito e i miei oggetti parlassero di più.
Il canto è sempre stato al centro della mia pratica artistica. È probabilmente la modalità di espressione più essenziale per me. Sento che mi permette di comunicare con un pubblico molto più profondamente di quanto possa parlare. Permette un diverso tipo di contatto emotivo. Come membro del pubblico, provo una tale emozione quando sento la vibrazione della voce di un cantante, specialmente da vicino, nel mio stesso corpo. So quanto può essere potente. Cantare mi permette anche di esplorare e attivare l'acustica di questi spazi e di evocare i ricordi delle persone che una volta vivevano e lavoravano lì. È quasi come se stessi evocando i loro spiriti attraverso la canzone.
Quando mi sono trasferito in Australia nel 2008, ho avuto l'incredibile opportunità e la libertà di sperimentare il mio lavoro, provare nuove cose e buttare via altre persone. Ho smesso di cantare musica barocca a quel punto perché volevo passare più tempo a realizzare oggetti e costumi e meno tempo a mantenere la mia voce in forma. Devi essere come un atleta professionista per cantare quella musica, vocalizzando diverse ore al giorno 5-6 giorni alla settimana. Quando ho iniziato a lavorare in Australia sulla cultura del lutto vittoriana, mi sono riconnesso con la musica popolare appalachiana e continuo a trovare le sue melodie ossessionanti e i testi così adatti per esprimere il desiderio e la perdita. Sono anche molto interessato a come gli immigrati anglo-irlandesi hanno portato queste canzoni in America come ricordi delle case che hanno lasciato alle spalle. Sono affascinato dal modo in cui le persone usano il canto popolare per legarsi alle persone e ai luoghi che hanno perso e per esprimere sentimenti che non sono in grado o non sono autorizzati a esprimere nella società educata.
Sono interessato a portare il pubblico in un viaggio fisico attraverso il tempo e lo spazio, spesso camminandoli letteralmente attraverso un sito. Ma voglio anche portarli in un viaggio emotivo attraverso la musica e le immagini visive che creo per incoraggiarli a pensare alle proprie vite e alle proprie perdite.
DW: Come ultima domanda, cosa speri di ottenere nella creazione e nell'esecuzione di questo pezzo?
Immagino di sperare di ottenere diverse cose con la performance: vorrei creare un'esperienza per il pubblico che li risvegli al sito della Great Hall, alla straordinaria acustica, alla grande architettura e alla storia "nascosta" della sua utilizzare come ospedale temporaneo durante i soldati della guerra civile in cui i soldati morirono.
Vorrei che il pubblico pensasse al volume delle perdite durante la Guerra Civile 150 anni fa e forse in che modo ciò si riferisce alle attuali perdite che subiamo nei conflitti in corso nella regione del Golfo e nell'escalation della violenza razziale, in atto in tutto il paese proprio adesso.
E infine, vorrei invitare il pubblico a pensare alle proprie vite e alle proprie perdite e avere l'opportunità di condividere un momento collettivo di dolore e rinnovamento. Probabilmente questo è molto da chiedere a un pubblico, ma è a questo che sto lavorando mentre sviluppo il progetto.
Il 18 settembre 2015 la National Portrait Gallery aprirà la mostra “Dark Fields of the Republic. Alexander Gardner Photographs, 1859-72. ”Martha McDonald farà il suo debutto come parte di una serie di performance art, “ Identify ”che verrà inaugurata quest'anno alla National Portrait Gallery il 17 ottobre 2015 alle 13:00
