Tutte le osservazioni erano state fatte e i ringraziamenti espressi al recente ricevimento di apertura della nuova mostra dello Smithsonian American Art Museum “Crosscurrents: Modern Art from the Sam Rose and Julie Walters Collection”. Quindi Rose e Walters hanno indicato che avevano un'ultima cosa per annunciare: stavano regalando David Smith del 1952, Agricola IV al museo.
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Virginia Mecklenburg, il principale curatore del museo che aveva cercato per 25 anni un'opera chiave di Smith per la collezione, era senza parole. "Quando vengono in vendita, hanno un prezzo molto al di là della capacità del museo di acquisirli", ha detto delle opere di Smith. L'annuncio la sorprese ulteriormente, poiché i collezionisti avevano appena acquistato la scultura all'asta la scorsa primavera.
"Non ne avevano nemmeno posseduto forse sei mesi", ha detto Mecklenburg.
La prima grande scultura Smith del museo appare nell'ultima galleria di "Crosscurrents", una mostra di 88 opere di 33 artisti in mostra fino al 10 aprile 2016. La mostra, che si concentra su dipinti e sculture del 20 ° secolo, ripercorre l'inizio e lo sviluppo del modernismo come parte di uno scambio di idee tra artisti europei e americani.
Il museo ha acquisito diverse altre opere di Smith nel corso degli anni, tra cui il piccolo bronzo del 1956-57, Europa e vitello, lo studio del 1938-1939, Diritto privato e leghe dell'ordine e il 1935, Figura reclinata, una scultura che appare anche in lo spettacolo.
Quest'ultimo, ha affermato Mecklenburg, acquisito nel 2013, è uno dei primi lavori di Smith, "quando stava appena iniziando a saldare le cose insieme".
Smith è nato nel 1906 a Decatur, nell'Indiana, e ha lavorato come rivettatrice automobilistica e saldatore prima di trasferirsi a New York, dove studia alla Art Students League. Nel 1957, il Museum of Modern Art fece una retrospettiva del suo lavoro. La sua vita fu interrotta quando morì per le ferite subite in un incidente d'auto nel 1965; il necrologio del New York Times del giorno successivo definì il 59enne "un importante innovatore nella scultura americana contemporanea e un pioniere nelle costruzioni in ferro e acciaio saldate".
Crosscurrents: Modern Art from the Sam Rose and Julie Walters Collection
Nel suo saggio "Breaking the Rules", Virginia M. Mecklenburg, curatrice principale dello Smithsonian American Art Museum, documenta l'ascesa del modernismo in America, mentre i confini tra arte e cultura europea e americana continuavano a rompersi e fondersi per tutto il ventesimo secolo secolo.
AcquistareUna di queste costruzioni, la serie Agricola di 17 opere - da cui proviene il nuovo dono promesso - è intitolata alla parola latina per "agricoltore". Il progetto è stata la prima grande serie di Smith, in cui ha saldato insieme parti di macchine abbandonate da una fattoria vicino il suo studio a Bolton Landing, New York.
I contorni fluenti di Agricola IV sono così calligrafici che evocano le linee grafiche della Xu Bing's 2001, Monkeys Grasp for the Moon, esposta alla Smithsonian's Sackler Gallery of Art. "Da ogni angolo diventa qualcosa di leggermente diverso e molto speciale", dice Mecklenburg della scultura Smith. Il museo lo chiama "un totem del passato agricolo", che funge da "emblema di uno stile di vita per lo più abbandonato nell'era industriale".
Un altro pezzo dello spettacolo che serve in parte come capsula del tempo è un acquerello dei primi anni del 1925 di Edward Hopper, House in Italian Quarter, che fa una visita di ritorno al museo. (Precedentemente è apparso nella mostra 1999-2000, "Edward Hopper: The Watercolors", prima di essere acquistato da Rose e Walters.)
"Ero elettrizzato quando sapevo che l'avevano acquistato, perché poi avrei saputo dov'era in futuro", afferma Mecklenburg.
Il dipinto, per il quale l'artista ha usato una varietà di tecniche dall'applicazione pennello bagnato su bagnato a secco (tutte con linee di matita esposte) per rappresentare una casa vagamente, ma resa naturalisticamente, è considerato la "prima vera incursione" di Hopper in acquarelli.
"Aveva lottato", dice Mecklenburg. "Le sue stampe stavano riscuotendo un certo successo, ma fondamentalmente aveva venduto un solo dipinto, e questo era fuori dalla mostra dell'Armory", riferendosi alla Mostra Internazionale di Arte Moderna del 1913, ospitata al 69 ° Reggimento di New York. È stata la prima grande mostra americana di arte moderna in Europa.
Dipingendo a Gloucester, nel Massachusetts, quell'estate, Hopper trascorse molto tempo con il collega artista Jo Nivison, che avrebbe sposato l'anno successivo. Le vecchie case con storie di lunga data hanno affascinato particolarmente Hopper. In House nel quartiere italiano, Hopper, in un certo senso, stava "celebrando l'esuberanza del colore mediterraneo", afferma Mecklenburg.
"È stata l'estate che ha lanciato la carriera di Hopper come il più grande realista del secolo", afferma. "C'è un senso di libertà e di entrare nel proprio in questo momento."
Le rappresentazioni di Hopper delle case di Gloucester sono così specifiche che Mecklenburg è stato in grado di individuare una visita in Massachusetts esattamente dove si trovava quando le ha dipinte. “I pali della luce ci sono. Gli idranti sono ancora nello stesso posto ", afferma. "Se ti avvicini di dieci piedi più o più avanti o da un lato, la vista era diversa."
Oltre alle opere di Smith e Hopper, la mostra include altri regali promessi da Rose e Walters al museo: Levee Farms del 1998 di Wayne Thiebaud e la sua West Side Ridge di San Francisco del 2001, la sciarpa nera di Alex Katz del 1995. e l' ibisco di Georgia O'Keeffe del 1939 con Plumeria.
"È meraviglioso avere quella gamma cronologica e profondità", dice Mecklenburg. “Vediamo O'Keeffe in oltre 30 anni di carriera. Ci sono parentele tra loro in termini di chi è come pittrice, ma ogni pezzo ha un tipo di personalità molto diverso. "
La mostra racconta anche la storia di altri artisti che il duo ha raccolto in modo approfondito, tra cui Pablo Picasso, Alice Neel, Romare Bearden, Joseph Stella, Richard Diebenkorn, Wayne Thiebaud e Roy Lichtenstein.
"Non è qualcosa che abbiamo l'opportunità di fare in un museo tutte le volte che sarebbe bello", ammette Mecklenburg.
Questo tipo di mostra offre anche l'opportunità di stimolare ampi movimenti e significati all'interno di questo tipo di lavoro. Il Meclemburgo ha concepito la mostra quasi due anni fa guardando le sette opere che Rose e Walters avevano donato al museo nel corso degli anni, nonché la loro collezione più ampia. Ha notato una "sorta di tema e tesi" emergente su ciò che significava essere moderno nel 20 ° secolo.
"Una delle principali decisioni che abbiamo preso all'inizio è stata quella di mostrare non solo dipinti, sculture, opere su carta e acquerelli americani, ma parlare un po 'delle intersezioni", afferma. “Il che non vuol dire che vedi qualcosa di Marsden Hartley echeggiare a Picasso. È che esiste questa mentalità che parte dai primi anni del 20 ° secolo fino in fondo per le persone che erano disposte a infrangere le regole, in sostanza. Non si sentivano obbligati a fare ciò che tutti avevano fatto prima. "
Quel senso di assunzione di rischi, di avventura e di guardare oltre era un "substrato condiviso" - sia filosofico che estetico - che collegava gran parte di ciò che gli artisti stavano facendo in quel momento, secondo il Meclemburgo.
Opere che riflettono ciò che gli artisti stavano pensando all'epoca abbondano nella mostra, dall'idea del 1993 di Roy Lichtenstein, che in realtà contiene un'opera inquadrata all'interno di un'opera recante la parola "idea", alle opere ceramiche di Picasso, una delle quali, " ha la sensazione di un antico muro affrescato che porta tracce di strati accumulati nel tempo ”, secondo il catalogo della mostra.
La rappresentazione di ciò che il Meclemburgo descrive come una scena di "quasi-toro da combattimento" è resa in un modo che ricorda le pitture rupestri di Altamira in Spagna o Lascaux in Francia. "Picasso ha riflettuto molto in diversi momenti della sua vita sulla Spagna e sul suo significato", afferma. “Qui c'è un vero senso dell'arcaico. È un modo per Picasso di ricordare e rivendicare la Spagna come sua eredità. "
Le opere di Lichtenstein, incluso il Paesaggio del 1977, che evoca il Vaso di Rubin - il disegno che ricorda sia due facce che un vaso - appaiono nella sezione "doppie riprese". Il titolo Paesaggio, osserva Mecklenburg, "ti fa fermare e prendere un minuto per leggere esso. Non è un paesaggio. È un paesaggio marino ", dice. La figura nell'opera che guarda fuori dalla finestra di una nave, osserva, ha le sopracciglia fatte di gabbiani.
"Aveva un favoloso senso dell'umorismo", dice Mecklenburg di Lichtenstein.
Anche la sciarpa nera di Katz, che è la prima opera per confrontarsi con gli spettatori quando entrano nello spettacolo, ha anche un certo grado di giocosità. Il dipinto rappresenta la moglie di Katz, Ada, che è "minuscola", secondo il Meclemburgo. "Il dipinto è probabilmente grande quanto lei in termini di altezza."
"È una presenza così imponente", osserva Ada Katz, e la tavolozza limitata dell'immagine, e la vernice sottile applicata aggiunge a quel dramma. "Questa meravigliosa spazzata del pennello definisce il tutto."
Non solo è limitare i propri strumenti estetici per raggiungere la massima presenza e significare un buon microcosmo metaforico per l'arte che deve seguire nello spettacolo, ma il lavoro ha il vantaggio di attirare i visitatori quando escono dall'ascensore, motivo per cui Mecklenburg ha scelto per la parete frontale. "Era la vincitrice senza dubbio."
"Crosscurrents: Modern Art from the Sam Rose and Julie Walters Collection" è in mostra allo Smithsonian American Art Museum di Washington, DC, fino al 10 aprile 2016.
