"The Jazz Age" fa venire in mente flapper, Gatsby, feste epiche e, naturalmente, jazz. Ma se l'alta energia definiva l'epoca, così pure la sua tensione: la selvaggia scena della vita notturna incontrava il proibizionismo; un rapido aumento dell'innovazione americana in conflitto con un desiderio di tradizione europea; la grande prosperità ha lasciato il posto alla Grande Depressione. L'attrito di tutte queste contraddizioni ha plasmato il secolo che seguì - nel design popolare forse più che in qualsiasi altra area della vita americana.
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Queste influenze contrastanti e l'importante ruolo che hanno giocato negli anni '20 sono l'argomento di un nuovo spettacolo espansivo, "The Jazz Age: American Style negli anni '20", la prima grande mostra museale a guardare esattamente lo stile americano durante questa era creativamente combustibile.
La mostra, che si svolgerà fino al 20 agosto al Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum di New York City ed è organizzata in collaborazione con il Cleveland Museum of Art, mette in luce questa era significativa in cui il gusto e lo stile di vita americani hanno subito una trasformazione. Riflesso nell'arredamento, nella gioielleria e nel design del periodo, questa era un'epoca in cui i confini venivano testati e in alcuni casi violati.
"È la fonte di tutto ciò che accade negli anni '30 e oltre", afferma Sarah Coffin, curatrice di Cooper Hewitt e responsabile del design del prodotto e delle arti decorative.
Le oltre 400 opere di gioielleria, moda, architettura, mobili, tessuti e altro ancora dipingono il quadro di un'era selvaggiamente energica del design, incoraggiata da colori vivaci e innovazione. Per navigare su un argomento così vasto, lo spettacolo è organizzato su due piani in grandi temi che aiutano a illustrare le principali tendenze del design e le tensioni che danno forma all'epoca.
"Per prima cosa raccogli l'universo degli oggetti, che è molto più di quello che puoi mostrare", afferma Stephen Harrison, curatore di arte decorativa e design del Cleveland Museum of Art, descrivendo il processo di conoscenza che gli organizzatori della mostra hanno dovuto affrontare per la prima volta. “Allora inizi a chiederti: quali domande pongono? Quali adiacenze? Quali relazioni si sviluppano? E quando abbiamo iniziato a perfezionare le nostre idee, abbiamo perfezionato i nostri oggetti. "
Il primo tema che i visitatori incontrano è forse quello che potrebbero aspettarsi meno: "Persistenza del buon gusto tradizionale".
L'età del jazz non riguardava solo il nuovo e il diverso: questo era un tempo in cui gli americani abbracciarono i disegni francese e inglese del 17 ° e 18 ° secolo, alla ricerca di oggetti d'antiquariato artigianali per elevare il loro status sociale.
"C'erano molte persone in questo paese che hanno continuato a collezionare oggetti d'antiquariato, acquistare riproduzioni e fare cose di gusto tradizionale, per tutto il decennio", afferma Coffin.
Anche se il mondo stava cambiando rapidamente, le opere originali nei disegni coloniali americani e quelle della Francia e dell'Inghilterra del 17 ° e 18 ° secolo trasmettevano ancora uno status sociale. La magistrale opera in ferro tradizionale di uno schermo di fuoco Samuel Yellin, una cassa coperta con elementi del manoscritto persiano dipinti da Max Kuehne e un segretario realizzato per una riproduzione della casa di John Hancock basata su un modello nel Metropolitan Museum of Art sono esempi di opere d'epoca che musei, collezionisti e famiglie benestanti hanno raccolto.
Ma anche nuovi stili europei hanno avuto un impatto sugli stili americani. Eventi come l'Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne del 1925 tenutasi a Parigi hanno aiutato a esporre ed educare gli americani sui nuovi progetti che hanno fatto il loro debutto attraverso l'Atlantico. I musei negli Stati Uniti (Cooper Hewitt e il Cleveland Museum, così come il Chicago Art Institute , il Newark Museum, il Metropolitan Museum of Art, il Brooklyn Museum) hanno esposto le opere, acquisendo molti pezzi e rendendone alcuni disponibili per l'acquisto al pozzo tacco.
The Jazz Age: American Style negli anni '20
Catturando il polso dinamico della musica jazz dell'epoca, questa pubblicazione riccamente illustrata esplora il gusto e lo stile americani durante l'età d'oro degli anni '20. Dopo gli anni distruttivi della prima guerra mondiale, questo decennio fiorente segnò una rinascita dell'innovazione estetica che fu coltivata in larga misura dal talento e dal patrocinio americani.
Acquistare"Questi musei stavano tutti costituendo fondi per l'acquisizione delle moderne arti decorative europee durante questo periodo o ospitando mostre di design europeo moderno che potevano poi essere vendute al dettaglio", afferma Emily Orr, assistente curatrice del design americano moderno e contemporaneo di Cooper Hewitt.
Per quelli con meno reddito disponibile, le repliche presto divennero diffuse e facilmente acquisite: un argomento affrontato nella sezione della mostra "Un mondo più piccolo". Uno dei grandi veicoli per questo mix di influenze era il grande magazzino. Luoghi come Lord & Taylor e Macy's hanno avviato i loro seminari in cui gli artigiani hanno creato pezzi in stile europeo e li hanno resi accessibili al consumatore medio.
"Oggi è molto difficile per le persone prendere una decisione, ma il presidente del Metropolitan Museum ha scritto l'introduzione di un catalogo di una mostra che si è svolta presso Macy's", afferma Coffin. "Il museo ha percepito che il suo compito era quello di ottenere i valori di un buon design e così via per il pubblico americano e rendere consapevole il consumatore americano che lo avrebbero supportato, non poteva essere solo in un museo."
Ciò ha creato una peculiare interazione tra l'esclusivo e il mainstream, nonché privato e pubblico. Coffin indica una sorprendente coppia di doppie porte dello scultore Séraphin Soundbinine e del designer Jean Dunand che ancorano la mostra.
Solomon Guggenheim commissionò le porte, ognuna con un angelo in cima a un grattacielo che suonava un corno. Dopo aver visitato la Fiera di Parigi del 1925 e aver visto i lavori di laccatura di Dunand, Guggenheim si convinse che la sala della musica nella sua casa di Port Washington aveva bisogno di un pezzo del genere.
"Non si può assolutamente immaginare che le persone che hanno avuto questo tipo di mobili in stile baronale in questa casa possano avere il gusto di farlo", afferma Coffin. "Ma a quanto pare hanno deciso che volevano farlo."
Dopo che le porte furono completate, i Guggenheim li misero in mostra in una galleria prima ancora di portarli a casa. Fu un'incursione anticipata nell'acquisto e nella cura dell'arte che presto sarebbe cresciuta (la loro prima acquisizione di arte moderna sarebbe avvenuta un anno dopo).
Naturalmente, non possiamo pensare agli anni '20 senza considerare la cultura rauca e sconfinata. La sezione "Bending the Rules — Stepping Out" trasmette quel senso di possibilità e il cambiamento delle norme e mostra come la musica jazz e il mondo sociale che la circonda hanno plasmato il design. Vasi con ballerini jazz e un tessuto chiamato Rhapsody, così come filmati di Duke Ellington e altri artisti del Cotton Club riverberano l'energia dell'epoca. Gioielli che completano le nuove mode: lunghe collane che indosserebbero i flapper, una collana di rubini scolpiti di Van Cleef & Arpels, una fibbia della cintura del 1926 con un motivo a scarabeo (la tomba del re Tut fu scavata nel 1922, quindi un look egiziano prese piede nella moda dei gioielli ), e un paio di pezzi di Cartier di proprietà di Linda Porter, moglie del compositore Cole, nonché altri accessori per il trucco e il fumo di sigaretta, tutti riflettono la liberazione di spirito libero dell'epoca e il cambiamento dei costumi sociali.
Questo stile di vita spensierato era anche una sorta di importazione europea. Un dipinto dell'artista Archibald Motley di New Orleans "riassume" come dice Coffin - l'artista ha trascorso un anno a Parigi con una borsa di studio Guggenheim e la scena cattura l'energia dell'epoca - un club di razza mista, gente che balla, musica giocando, una donna che fuma una sigaretta e vino che scorre liberamente.
L'influenza europea non proviene solo da una maggiore facilità e interesse per i viaggi, poiché più americani visitano e studiano all'estero, ma anche dagli effetti a cascata della prima guerra mondiale. Molti designer erano fuggiti negli Stati Uniti prima e durante la guerra, portando le proprie influenze e interessi - emigrati come Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen e Richard Neutra hanno portato con sé esperienza nell'astrazione europea e ammirazione per Grattacieli americani ed energia cosmopolita. Questo è forse meglio illustrato nello spettacolo dal Frankl's Skyscraper Bookcase Desk . L'influenza si estese anche ai materiali utilizzati da questi europei.
"Gli europei sono stati i primi a piegare il cromo per i loro mobili, ed è stato questo il segno immediato del nuovo, ma ha anche a che fare con l'accessibilità economica e il desiderio di pulizia rispetto alle forme vittoriane riccamente dettagliate e decorate", afferma Orr. "È stato utilizzato anche in auto e radio e simboleggiava il futuro".
La sedia a sbalzo è un'icona importante di questa era. L'adattamento della forma in una varietà di materiali mostra come l'industrializzazione abbia plasmato l'era. Originariamente progettato per essere confezionato in serie e prodotto in serie, è stato rifatto in legno e pelle e adottato dagli studi Walt Disney per le sue sale di proiezione.
"Il designer industriale è una figura in questo periodo portata avanti da così tanti produttori attraverso i media che vogliono aggiornare le loro linee tradizionali per il consumatore moderno", afferma Orr.
Come afferma Harrison, "Volevamo definire il gusto guardando quelle cose dall'aspetto moderno rispetto a quelle che erano moderne nella forma, nell'innovazione e nella tecnologia."
"The Jazz Age: American Style in the 1920s" è in mostra fino al 20 agosto al Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum di New York City.
