Non molto tempo dopo che il Giappone decise ufficialmente di iniziare a commerciare con l'Occidente negli anni 1850, anche la fotografia arrivò nella nazione insulare. Entrambi hanno segnato una nuova era di modernità.
La ricerca di comprendere e raffigurare l'anima del Giappone mentre si evolveva da imperialista, agrario e isolazionista, a più populista, globale e urbano è il tema di due mostre ora in mostra alle Smither's Freer e Sackler Galleries di Washington, DC I due spettacoli, "Japan Modern: fotografia della collezione Gloria Katz e Willard Huyck" e "Japan Modern: stampe nell'era della fotografia", condividono molto, dice Frank Feltens, curatore della mostra di stampa.
Né sono in ordine cronologico, ma entrambi raggruppano immagini in temi comuni, con città e campagna dominanti. Lo spettacolo fotografico è altamente documentario; molti sono in bianco e nero. Le stampe, realizzate con blocchi di legno intagliato, sono audaci, visive e colorate. Ma, dice Feltens, "tra i due spettacoli, inizi a trovare sempre più elementi comuni": un interesse per le superfici, gli angoli, i frammenti.
Gli artisti "stanno guardando il mondo fuori, ma reinventandolo attraverso una volta, l'obiettivo e poi attraverso i blocchi di legno", afferma Feltens.
Come nel mondo occidentale, la fotografia ha proiettato una grande ombra. Le impronte di blocchi di legno erano in circolazione da almeno un millennio, principalmente come mezzo per comunicare qualcosa sulla cultura, raccontando storie. Alla fine del 19 ° secolo, la stampa era morta: una vittima della fotografia più semplice ed economica.
La prima fotografia conosciuta scattata in Giappone risale al 1848, afferma Feltens. I daguerrotipi erano popolari in Giappone - come lo erano in Europa e in America - ma la fotografia è davvero decollata negli anni '20, con l'ascesa di attrezzature più portatili come la fotocamera tascabile di Kodak, afferma Carol Huh, curatrice dello spettacolo fotografico. La tasca del giubbotto, che ha le dimensioni di una fotocamera moderna, con una lente che si estrae, in stile fisarmonica, è stata realizzata tra il 1912 e il 1926, ed è diventata estremamente popolare in Giappone, dando origine ai club della fotocamera e alla fotografia della Besu-Tan School stile.
La mostra fotografica è stata resa possibile dal dono parziale, nel maggio 2018, di una trentina di circa 400 fotografie raccolte da Gloria Katz e Willard Huyck, appassionati e sceneggiatori giapponesi, noti per American Graffiti e Indiana Jones e Temple of Doom . La collezione era stata in gran parte esposta sulle pareti della loro casa di Brentwood, in California. Huh ha selezionato per la mostra 80 stampe di due dozzine di artisti, concentrandosi su quelli che hanno influenzato la traiettoria della fotografia giapponese.
Simmon: A Private Landscape (# 1), di Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, acquisto e regalo parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Seikan Ferryboat, della serie Karasu (Ravens) di Fukase Masahis, 1976 (Freer | Sackler, acquisto e regalo parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Yokosuka, Kanagawa, di Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, acquisto e regalo parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Koen Dori, Shibuya, della serie Karasu (Ravens), di Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, acquisto e regalo parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Picchi del vulcano Takachiho, Prefetture di Kagoshima e Miyazaki, di Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, Acquisto e dono parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Kamaitachi # 8, di Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, acquisto e regalo parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Uomo in un tradizionale impermeabile Minobashi, Prefettura di Niigata, di Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, acquisto e regalo parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Mia moglie sulle dune, di Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, acquisto e dono parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Boku To Neko (The Cat and Me), di Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, acquisto e dono parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) 
Evening View, di Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, acquisto e regalo parziale di Gloria Katz e Willard Huyck) La galleria iniziale, con stampe degli anni '20 e '30, mostra come i fotografi giapponesi siano stati così fortemente influenzati dai contemporanei europei, in particolare dai pittori soft-focus. "Stiamo colpendo una sorta di picco di affermazione della fotografia come mezzo di espressione, un mezzo artistico e anche una transizione verso un'estetica più modernista", afferma Huh. Le prime foto documentavano la città e il paese: un canale; grano che ondeggia nella brezza. La transizione è stata vista nello studio dell'illuminazione e dell'ombra di Ishikawa Noboru degli anni '30, Barn Roof, che si incastra su un frammento di una cupola con uno sfondo nebbioso.
An Afternoon on the Mountain, una stampa alla gelatina d'argento del 1931 di Shiotani Teiko, potrebbe essere un dipinto astratto. Uno sciatore piccolo e solitario sembra farsi strada su per il pendio grigio fortemente inclinato che squarcia il quarto inferiore della foto, dividendolo dal cielo ugualmente grigio. Teiko ha girato in gran parte nella prefettura di Tottori sulla costa occidentale del Giappone, creando dalle sue enormi dune e montagne. "Il paesaggio diventa un'opportunità per questi studi sulla forma", afferma Huh.
Teiko ha anche realizzato stampe stravaganti di oggetti piegati in modo innaturale, un precursore del surrealismo che è diventato così evidente nel lavoro del suo studente Ueda Shoji. My Wife on the Dunes del 1950 di Shoji presenta la sua sposa vestita di kimono, tagliata alle ginocchia, fissando dal primo piano destro; alla sua destra, stanno tre uomini in giacca e cravatta, affrontando in direzioni diverse con enormi ombre che incombono dietro ciascuna. Simile al surreale, raffigura anche un Giappone che coesiste con il suo antico patrimonio e le sue immagini moderne.
Molte delle foto esaminano quell'interazione, specialmente mentre il Giappone guardava all'interno e affrontava la realtà della devastazione della seconda guerra mondiale e come il paese avrebbe ricostruito e rifatto se stesso.
Il Giappone è l'unica nazione ad aver mai sperimentato l'ira di una bomba atomica. Lo spettacolo tocca Nagasaki, dove gli americani lanciarono una bomba sulla città di 200.000 alle 11:02 del 9 agosto 1945. Il Giappone vietò la fotografia a seguito di Nagasaki e Hiroshima, ma circa 16 anni dopo, nel 1961, il Il Consiglio giapponese contro le bombe atomiche e l'idrogeno ha incaricato Tomatsu Shomei di documentare la ripresa della città. "All'epoca non era insolito che molti giapponesi non avessero visto realmente cosa fosse successo lì", afferma Huh. Ciò includeva Shomei. Ha approfondito il tessuto di Nagasaki, fotografando la vita attuale, i sopravvissuti alle bombe e gli oggetti in quello che oggi è il Museo della bomba atomica.
Uno di questi, girato su uno sfondo semplice: un orologio da polso si è fermato alle 11:02. Una bottiglia che è stata distorta dall'esplosione assume una forma inquietantemente umana. "Sembra una carcassa", dice Huh. Il libro di Shomei 11:02 Nagasaki è una resa dei conti personale e un documento chiave di quell'evento orribile.
Era anche ossessionato da - e fotografato il suo approccio - all'occupazione giapponese del dopoguerra degli americani, che terminò ufficialmente nel 1952. Gli effetti, tuttavia, furono duraturi. Molte immagini mostrano la curiosità dei fotografi e lo sgomento per questi stranieri che si erano inseriti nella loro nazione. Lo spettacolo include alcune stampe della serie di Yamamura Gasho del 1959-62 su Washington Heights, una zona residenziale militare americana a Tokyo. In uno, un gruppo di bambini bianchi e neri dall'aspetto malizioso premono contro una recinzione a maglie di catena. Gasho è letteralmente "fuori dal recinto e osserva questo strano trapianto nel mezzo di Tokyo", dice Huh.
Lo spettacolo termina con la Diorama Map of Tokyo del 2009, un collage modernista di Nishino Sohei, un artista di 36 anni. Camminava per Tokyo, scattando vedute di strade, facendo eco a un progetto simile della fine del 19 ° secolo che ha creato le prime mappe misurate del Giappone. Sohei ritagliò piccole stampe dai fogli di contatto, le posò una accanto all'altra e poi le fotografò di nuovo per la stampa finale. "L'atto di metterli insieme sta ricordando quel viaggio", dice Huh.
Pre-fotografia, quel tipo di mappatura di Tokyo sarebbe stata fatta su scala minore attraverso la stampa a blocchi di legno. Ma gli stampatori hanno faticato a dimostrare la loro rilevanza di fronte alla crescente popolarità della fotografia. Già nel 1870, hanno iniziato a cambiare il loro modo di lavorare. La stazione ferroviaria di Shinbashi, una stampa brillante e multicolore eseguita nel 1873, era un esempio del nuovo stile, che mostrava edifici in mattoni e un treno in folle fuori dalla stazione di Yokohama.
Le proporzioni tra figure ed edifici erano accurate e ha un senso fotografico della prospettiva, afferma Feltens. Ma i colori sgargianti erano "enfaticamente non fotografici", un tentativo di competere con il mezzo che era poi limitato al bianco e nero.
Lo sforzo, tuttavia, fallì miseramente e la stampa svanì. Negli anni 1920, due nuovi movimenti tentarono di riportare in vita le stampe. Nella scuola della "nuova stampa", un editore pensava di poter attirare gli occidentali - che stavano scattando foto fotografiche idealizzate che presentavano un Giappone perfettamente moderno e antico allo stesso tempo - con stampe a blocchi di legno che offrivano simili ritratti sentimentali.
Shin-Ohashi, del 1926, ci prova. È una scena notturna con lo sfarfallio di una luce a gas riflessa dal cavalletto d'acciaio di un ponte della ferrovia; nel frattempo, un uomo con un cappello di paglia tradizionale tira un risciò, mentre una donna vestita di kimono con in mano un grande parasole si trova dietro di lui. Era un'offerta nuda sia per superare la fotografia (le foto non potevano essere scattate di notte) sia per soddisfare gli stranieri. "Questo tipo di stampe non è stato venduto ai giapponesi, nemmeno oggi", afferma Feltens. Sono stati anche creati come pezzi d'arte da collezionare: una nuova direzione per le stampe.
Negli anni '30, il movimento "creativo" iniziò a decollare. I produttori di stampe giapponesi avevano assorbito dall'arte occidentale l'idea che il genio del creatore fosse visibile. Pertanto, i tipografi hanno iniziato ad aggiungere firme, spesso in inglese, e numeri di edizione alle loro opere. Questi non furono più la produzione di un esercito di intagliatori che consegnarono il loro lavoro a un'operazione di stampa.
Le stampanti utilizzavano ancora blocchi di legno, ma in modo sempre più sofisticato. Il colore era una caratteristica significativa. E la prospettiva era ancora molto fotografica.
Ito Shinsui's 1938 Mt. Fuji dell'Osservatorio di Hakone è un capolavoro di prospettiva e sensibilità fotografiche. L'unico indizio è la gamma di blu, bianchi e marroni.
Molte delle 38 stampe della mostra sono sbalorditive nella profondità della loro arte - un punto che Feltens sperava di fare. "Volevamo mostrare l'ampiezza dei colori e delle sfumature e questa esplosione di creatività in atto", in particolare dagli anni '30 in poi, afferma. "Queste persone, in termini di creatività, non conoscevano limiti", afferma Feltens.
Come lo spettacolo fotografico, le stampe dimostrano che gli artisti avevano "uno sguardo analitico sul Giappone", afferma Feltens. Ma a differenza dei fotografi, i produttori di stampe non si sono impegnati in commenti o osservazioni politiche dirette o indirette sulla seconda guerra mondiale.
Ma c'è un legame con quella guerra, dice Feltens. Molti collezionisti di stampe, tra cui Ken Hitch, che prestò al Freer | Sackler un buon numero di stampe dello spettacolo, vivevano in Giappone durante l'occupazione americana.
Sia i tipografi che i fotografi hanno lottato per essere accettati come belle arti in Giappone, afferma Feltens. Ironia della sorte, le stampe, che sono state quasi estinte dalla fotografia, sono state le prime ad essere riconosciute come una vera forma d'arte, dice.
“Japan Modern: Photography from the Gloria Katz e Willard Huyck Collection”, a cura di Carol Huh, e “Japan Modern: Prints in the Age of Photography”, a cura di Frank Feltens, sono entrambi in mostra presso le Smither's Freer e Sackler Galleries in Washington, DC fino al 24 gennaio 2019.
