Il fienile nero nel dipinto di George Ault January Full Moon è una struttura semplice, delimitata da linee semplici. Eppure le sue ossa angolari gli danno una presenza imponente. Il fienile è sull'attenti, le sue pareti sono piantate nella neve illuminata dalla luna e il suo picco si protende verso un cielo blu profondo. È audace e muscoloso e, come dice il professore di storia dell'arte della Yale University, Alexander Nemerov, un fienile con la "B" maiuscola, il fienile di tutti i fienili.
George Ault, un artista americano poco conosciuto, nella sua pittura ebbe la capacità di prendere posizioni specifiche a Woodstock, New York, dove visse dal 1937 fino alla sua morte nel 1948, facendole sembrare universali. Nemerov afferma che luoghi come Rick's Barn, che Ault ha fatto passeggiare con sua moglie, Louise, e Russell's Corners, un incrocio solitario appena fuori città, detenevano un "potere mistico" per l'artista. Si fissò su di loro - dipingendo Russell's Corners cinque volte negli anni '40, in diverse stagioni e momenti della giornata - come se contenessero una verità universale che sarebbe stata rivelata se lui e gli spettatori dei suoi dipinti avessero meditato su di loro abbastanza a lungo.
Dopo aver studiato scrupolosamente le sue scene, Ault si ritirava in uno studio ordinato per dipingere. Come mostra il suo autoritratto del 1946 The Artist at Work, ha lavorato con il gomito del braccio dipinto appoggiato nella coppa dell'altra mano, che era in equilibrio sulle gambe incrociate. Era metodico e meticoloso, spesso considerato parte del movimento post-precisione del primo dopoguerra. Con la mano ferma, poteva essere sicuro che ogni aereo, assicella e filo del telefono fossero proprio così. "C'è sempre questo senso di modellare, ordinare, strutturare come se la sua vita dipendesse da questo", dice Nemerov.
Quando prendi in considerazione la vita tumultuosa di Ault, forse lo ha fatto. Dopo aver frequentato la University College School, la Slade School of Fine Art e la St. John's Wood Art School, tutte a Londra, nei primi anni del 1900, il nativo di Cleveland tornò negli Stati Uniti dove subì una serie di tragedie personali. Nel 1915, uno dei suoi fratelli si suicidò. Nel 1920 sua madre morì in un ospedale psichiatrico. E nel 1929, suo padre morì. Il crollo del mercato azionario ha inferto un duro colpo alla fortuna della sua famiglia, e gli altri due fratelli si sono suicidati poco dopo. Soffrendo per le sue perdite, l'artista lasciò Manhattan con Louise, che sposò nel 1941, per Woodstock, dove visse fino al dicembre 1948, quando anche lui si suicidò, annegando in un ruscello vicino a casa sua. Come disse una volta Louise, l'arte di Ault era un tentativo di "fare ordine nel caos".
Ault non ha ricevuto molti riconoscimenti durante la sua vita, in parte a causa della sua solitudine e dell'atteggiamento ostile nei confronti dei potenziali acquirenti. Ma Louise ha lavorato instancabilmente per promuovere il lavoro di suo marito dopo la sua morte. Dei dipinti di Woodstock di Ault degli anni '40, una volta scrisse: "Credevo che fosse andato oltre se stesso".
Nemerov, curatore ospite della mostra, "To Make a World: George Ault e l'America degli anni '40", presso lo Smithsonian American Art Museum fino al 5 settembre, è d'accordo. Vede che Ault ha dipinto scene chiare e calme in un disperato tentativo di controllare il caos confuso non solo nella sua vita personale, ma anche nel mondo in generale, sull'orlo della seconda guerra mondiale. Sulla parete della galleria all'ingresso della mostra è scritto l'affermazione: "Se il mondo era incerto, almeno la pendenza del tetto di una stalla era una cosa certa".
Black Night at Russell's Corners, George Ault, 1943. (The Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, John Lambert Fund) 
La luce del giorno a Russell's Corners, George Ault, 1944. (Collezione di Sam Simon. Immagine © Christie's Images Limited 2002) 
Festus Yayple and His Oxen, George Ault, 1946. (Cleveland Museum of Art, Hinman B. Hurlbut Fund) 
Ricordi della Costa della Francia, George Ault, 1944. (Manhattan Art Investments, LP. Foto di David Heald) 
Luna piena di gennaio, George Ault, 1941. (Rockhill Nelson Trust (per scambio). Foto di Jamison Miller) 
The Artist at Work, George Ault, 1946. (Whitney Museum of American Art, New York, dono della signora George Ault. Foto di Geoffrey Clements) 
Ault non ha ricevuto molti riconoscimenti durante la sua vita, in parte a causa della sua solitudine e dell'atteggiamento ostile nei confronti dei potenziali acquirenti. Sua moglie Louise lavorò instancabilmente per promuovere il lavoro di suo marito dopo la sua morte nel 1948. (Archives of American Art) 
Alexander Nemerov, curatore ospite della mostra "To Make a World: George Ault e l'America degli anni '40", presso lo Smithsonian American Art Museum, vede Ault aver dipinto scene chiare e calme in un disperato tentativo di controllare il caos confuso non solo in la sua vita personale ma anche nel mondo in generale. (Bruce Guthrie) Per la mostra, la prima grande retrospettiva del lavoro di Ault in più di 20 anni, Nemerov, un ex collega pre-dottorato e assistente di ricerca al museo, ha selezionato quasi 20 dipinti di Ault e quelli dei suoi contemporanei, tra cui Edward Hopper, Andrew Wyeth e Charles Sheeler. Insieme, i dipinti offrono una visione molto più fragile e meditabonda degli anni '40 rispetto alle altre icone culturali del decennio, come il poster di We How Do It! Di J. Howard Miller ! (meglio noto come Rosie the Riveter), la fotografia di Alfred Eisenstaedt VJ Day a Times Square e la registrazione di "Accentuate the Positive" di Bing Crosby. I dipinti di Ault sono silenziosi e sommessi: una strada che sale su una collina erbosa, una fattoria bianca all'ombra di incombenti nuvole grigie e una vista sterile delle Catskills a novembre. "È quasi come se i suoi quadri si aspettassero che nove persone su dieci li superassero", afferma Nemerov. "Ma, naturalmente, stanno contando tutto su quella decima persona per notarli." Per quella decima persona, sostiene Nemerov, le opere di Ault portano emozione nonostante la loro mancanza di figure umane e narrazione. Nemerov chiama la cascata di Ault's Brook in the Mountains, ad esempio, "una forma di pianto senza piangere", aggiungendo che "l'emozione - dipingere dal cuore - deve per lui prendere una forma curiosa e sfollata per essere reale, per essere autentico. ”
Nella sua prefazione al catalogo della mostra di Nemerov To Make a World: George Ault e l'America degli anni '40, Elizabeth Broun, direttrice dello Smithsonian American Art Museum, sottolinea come l'arte fornisca un mezzo per comprendere ciò che le persone pensavano e sentivano in un determinato momento Il caso di Ault negli anni '40. "I loro pensieri ed emozioni specifici sono morti con loro", dice, "ma questa mostra e questo libro approfondiscono la superficie di quarantasette dipinti per comprendere le correnti più profonde sottostanti, aiutandoci a recuperare alcune intuizioni dimenticate da tempo."
Nella mostra ci sono tutti e cinque i dipinti di Ault di Russell's Corners, tra cui Bright Light a Russell's Corners, il terzo della serie, che fa parte della collezione permanente dell'American Art Museum. Quattro scene sono ambientate di notte e averle tutte nella stessa galleria consente allo spettatore di vedere come il cielo nero in ciascuna diventa più dominante man mano che la serie procede. Edifici, alberi e pali del telefono sono illuminati da un unico lampione nelle prime due raffigurazioni, mentre nell'ultima notte d'agosto al Russell's Corners, che Ault ha dipinto nel suo ultimo anno di vita, l'oscurità consuma tutti tranne due volti ombreggiati di fienili e un piccolo tratto di strada, come se Ault stesse perdendo la stretta tenuta che aveva una volta sul mondo.
"Non potevo incolpare la gente per aver pensato che questo fosse uno spettacolo eccessivamente oscuro", afferma Nemerov. Forse per questo motivo, lo storico dell'arte si aggrappa al lampione ricorrente nella serie Russell's Corners. "Quella luce rappresenta qualcosa che riguarda la consegna, la rivelazione e il piacere", dice. Suggerisce che la luce potrebbe avere una connotazione religiosa. I suoi raggi radianti ricordano la luce nel dipinto del XV secolo di Sassetta Il viaggio dei Magi, una riproduzione di cui Ault conservava il suo studio. Ma poiché l'artista non era un uomo religioso, Nemerov considera la luce un simbolo dell'estasi e dell'euforia di un atto artistico, un'esplosione di creatività. Dopotutto, dal tumulto di Ault è emersa una cosa straordinariamente positiva: un impressionante corpo artistico. Abbastanza opportunamente, Louise ha usato una citazione del filosofo tedesco Friedrich Nietzsche per descrivere suo marito. "A meno che non ci sia caos all'interno, nessuna stella danzante può nascere."
Alexander Nemerov ripercorre la vita degli artisti e le prime disgrazie che hanno modellato la sua interpretazione degli anni '40
