L'opera di Diane Arbus fu inclusa in una manciata di mostre museali prima che morisse, di sua mano, all'età di 48 anni nel 1971. Tuttavia, aveva già guadagnato fama con una serie di immagini indimenticabili: un "gigante ebraico" che incombeva sui suoi genitori occhialuti, una coppia di anziani seduti nudi in una capanna per nudisti, un ragazzo che fa smorfie stringendo una bomba a mano giocattolo - che sembrano riflettere le nostre paure più profonde e i desideri più privati.
La prima grande retrospettiva dell'opera di Arbus si tenne nel 1972, un anno dopo la sua morte, al Museum of Modern Art (MOMA) di New York City, dove visse per gran parte della sua vita. Lo spettacolo ha attirato grandi folle e elogi per l'umanità e la bellezza formale del suo lavoro. Ma alcuni hanno trovato le sue immagini inquietanti, persino repellenti: la critica Susan Sontag, ad esempio, ha definito i suoi ritratti di "mostri assortiti e casi limite. . . . anti-umanista ". L'opera di Arbus, scrisse Sontag, " mostra persone patetiche, pietose e ripugnanti, ma non suscita alcun sentimento compassionevole ".
Oggi Arbus, che una volta disse che le sue foto cercavano di catturare "lo spazio tra chi è qualcuno e chi pensa di essere", è diventato uno dei fotografi più famosi d'America e uno dei suoi più controversi. Ma i suoi successi come artista sono stati in qualche modo oscurati dal suo suicidio e dalla inquietante stranezza che emerge dalle sue immagini. Famosa come "fotografa di mostri", è stata considerata una specie di mostro.
Ora una nuova generazione di spettatori e critici sta discutendo il significato e il significato delle immagini irresistibili e inquietanti di Arbus, grazie a "Diane Arbus Revelations", una mostra di quasi 200 delle sue immagini esposte al Museo d'Arte della Contea di Los Angeles fino a maggio 31. La prima retrospettiva di Arbus dal MOMAshow del 1972, “Revelations” la pone al centro della fotografia americana del XX secolo.
"Assumere Arbus nel ruolo di una figura tragica che si identificava con i mostri significa banalizzare il suo successo", afferma Sandra S. Phillips, senior curator della fotografia al Museum of Modern Art di San Francisco (SFMOMA), dove ha avuto origine lo spettacolo. "Era una grande fotografa umanista che era in prima linea in quello che è stato riconosciuto come un nuovo tipo di arte fotografica."
La mostra ha già suscitato forti reazioni critiche. Il critico d'arte di San Francisco Chronicle Kenneth Baker ha elogiato il lavoro di Arbus per la sua intelligenza e compassione, e Arthur Lubow, scrivendo sul New York Times Magazine, l'ha definita "una delle più potenti artiste americane del XX secolo". Ma altri l'hanno respinta come colpevole di colpa e morboso. "Arbus è uno di quei subdoli bohémien", ha scritto Jed Perl della Nuova Repubblica, "che celebra le eccentricità di altre persone e al tempo stesso aumenta la propria visione narcisisticamente pessimistica del mondo".
Le opinioni diverranno probabilmente ancora più profonde mentre lo spettacolo si sposta in tutto il paese, vicino al Museum of Fine Arts di Houston (27 giugno-29 agosto) e poi al Metropolitan Museum of Art di New York City (1 marzo-29 maggio, 2005). Altre sedi includono il Museum Folkwang di Essen, in Germania, il Victoria and AlbertMuseum di Londra e il WalkerArtCenter di Minneapolis.
Jeff Rosenheim, il curatore associato della fotografia del Metropolitan, ritiene che le immagini di Arbus rimangano provocatorie perché sollevano inquietanti domande sul rapporto tra fotografo, soggetto e pubblico. "Il suo lavoro coinvolge te e l'etica della visione stessa", dice. “La nostra licenza per avere quell'esperienza di visione di un'altra persona è cambiata e messa in discussione, supportata e arricchita. Sono fermamente convinto che questa potrebbe essere la più importante mostra fotografica per singolo artista che il nostro museo potrà mai fare. ”
Fino a poco tempo fa, il mistero circondava molti dei dettagli della vita e del lavoro di Arbus. Per decenni, la sua tenuta ha rifiutato di collaborare con qualsiasi sforzo per scrivere una biografia di Arbus e ha permesso al pubblico di vedere solo una piccola parte del suo lavoro. Tutto questo è cambiato con la nuova mostra, che è stata sviluppata con la collaborazione della tenuta e del suo amministratore, Doon Arbus, la maggiore delle due figlie di Arbus. La mostra include non solo le immagini più famose di Arbus, ma anche le prime fotografie e lavori maturi mai esposti prima. Inoltre, le mostre dei suoi libri, macchine fotografiche, lettere e quaderni di lavoro trasmettono un forte senso della personalità del fotografo: stravagante, intelligente e infinitamente curioso.
"Questa è una nuova visione di Arbus, attraverso le sue stesse parole", afferma la curatrice indipendente Elisabeth Sussman, che ha organizzato la retrospettiva con Phillips di SFMOMA. "Era estremamente intelligente, spiritosa e incredibilmente percettiva, e le fotografie ne sono solo una parte."
Il catalogo della mostra, Diane Arbus Revelations (Random House), offre non solo la più completa selezione di immagini Arbus mai messe tra le copertine, ma anche un'affascinante cronologia illustrata di 104 pagine della vita di Arbus, costellata di estratti delle sue lettere e di altri scritti. La cronologia, messa insieme da Sussman e Doon Arbus, è effettivamente la prima biografia autorizzata del fotografo e la prima a poter attingere alle sue carte.
Arbus nacque Diane Nemerov nel 1923. Sua madre, Gertrude, scelse il nome di sua figlia, pronunciandolo "Dee-Ann". Il talento era abbondante nella famiglia Nemerov, un ricco clan di New York che gestiva Russek, un grande magazzino alla moda della Quinta Avenue. Il fratello maggiore di Diane era Howard Nemerov, un poeta vincitore del Premio Pulitzer, che nel 1988 fu nominato poeta americano. Sua sorella minore, Renée Sparkia, divenne scultrice e designer. Dopo essersi ritirato da Russek, il padre, David Nemerov, iniziò una seconda carriera di successo come pittore.
I doni artistici e letterari di Diane erano evidenti all'inizio. Suo padre la incoraggiò a diventare una pittrice e studiò arte al liceo. All'età di 14 anni si innamorò di Allan Arbus, il nipote di 19 anni di uno dei soci d'affari di suo padre. I suoi genitori non approvavano la sua infatuazione, ma la storia d'amore fioriva in segreto. Presto Diane perse interesse per la pittura e per andare al college, dicendo che la sua unica ambizione era quella di diventare la moglie di Allan. "Odiavo dipingere e ho smesso subito dopo il liceo perché mi veniva continuamente detto quanto fossi fantastico", ha detto molti anni dopo. "Avevo la sensazione che se fossi stato così eccezionale, non valeva la pena farlo."
Diane e Allan si sposarono non appena compì 18 anni, nel 1941, con l'accoglienza rancorosa della sua famiglia. La coppia ha perseguito un interesse condiviso per la fotografia, trasformando il bagno del loro appartamento a Manhattan in una camera oscura a tempo parziale. David Nemerov ha dato loro il lavoro di scattare foto di moda per le pubblicità di Russek.
Durante la seconda guerra mondiale, Allan prestò servizio come fotografo militare. Una delle prime fotografie dello spettacolo “Revelations” è un autoritratto di Diane del 1945 realizzato per Allan mentre era nell'esercito. Sebbene incinta di Doon, che sarebbe nata più tardi quell'anno, nella foto è ancora snella e molto bella, con gli occhi scuri e un'aria malinconica e ultraterrena.
Dopo la guerra, decollò la carriera degli Arbuses come fotografi commerciali e presto lavorarono per le migliori riviste femminili e agenzie pubblicitarie. Di solito Allan ha scattato le foto mentre Diane ha avuto idee e oggetti di scena intelligenti. Diane si prese anche cura di Doon e della loro seconda figlia, Amy, nata nel 1954. (Doon, ora 59enne, divenne una scrittrice, lavorò a diversi progetti di riviste con sua madre e successivamente pubblicò due libri con il fotografo Richard Avedon. Amy seguì quella di sua madre passi e divenne un fotografo.)
Una fotografia che Allan e Diane hanno realizzato per la rivista Vogue di un padre e un figlio che leggono un giornale è stata inclusa nel popolare spettacolo “The Family of Man” del Museum of Modern Art nel 1955. Ma entrambi si sono sentiti frustrati dai limiti e dallo stress della moda lavoro. Diane voleva essere un'artista, non solo una stilista, mentre Allan sognava di diventare un attore. Il loro crescente malcontento mise a dura prova il loro matrimonio. Così fecero gli episodi depressivi di Diane, simili alla disperazione che aveva periodicamente paralizzato sua madre. Nel 1956 Diane lasciò gli affari della coppia per fare fotografie da sola. Allan ha continuato a lavorare sotto il nome di Diane & Allan Arbus, mentre prendeva lezioni di recitazione e iniziava una carriera nel teatro.
Sebbene riviste come Life, Look e Saturday Evening Post avessero creato un mercato in forte espansione per la fotografia, c'era poco interesse per le immagini il cui unico scopo era quello di essere un'opera d'arte, piuttosto che documentare realtà sociali o vendere prodotti. Tuttavia, Robert Frank, William Klein e altri rifugiati del mondo della moda stavano perseguendo la propria visione di ciò che la fotografia poteva essere, e un approccio preferito era la fotografia di strada, che ha scoperto bellezza e significato inaspettati nelle persone e nei luoghi di tutti i giorni.
Molte delle prime fotografie di Diane Arbus nella mostra in corso le mostrano che sta provando la sua versione della fotografia di strada. Ma non aveva ancora trovato la sua materia. Una svolta è arrivata quando ha preso una lezione con la fotografa viennese Lisette Model alla NewSchool di New York City.
"È venuta da me e ha detto: 'Non posso fotografare'", la modella in seguito ha detto a Doon Arbus. "E ho detto: 'Perché no?' E lei disse: "Perché quello che voglio fotografare, non posso fotografare". "La modella ha detto a Diane di tornare a casa e capire di cosa volesse davvero fare delle foto. “E la sessione successiva è venuta da me e ha detto: 'Voglio fotografare ciò che è male.' E questo è tutto ”, ha detto Model.
"Penso che ciò che intendeva dire non era che era malvagio, ma che era proibito, che era sempre stato troppo pericoloso, troppo spaventoso o troppo brutto per chiunque altro da guardare", scrisse Doon in una reminiscenza pubblicata poco dopo di lei la morte della madre. "Era determinata a rivelare ciò che era stato insegnato agli altri a voltare le spalle."
Affascinato dall'assunzione di rischi, Diane aveva da tempo abbracciato gli atteggiamenti all'avanguardia del mondo dell'arte di New York nei confronti del denaro, dello status sociale e della libertà sessuale. Ora ha perseguito lo stesso tipo di brivido nelle sue fotografie. "Ho sempre pensato alla fotografia come una cosa cattiva da fare: era una delle mie cose preferite al riguardo, e quando l'ho fatto per la prima volta, mi sono sentito molto perverso", ha poi ricordato. La modella aveva spesso fotografato le parti più sottomarine della città, tra cui Coney Island e Hubert's Museum, un evento a Times Square. Arbus andò ancora oltre, esplorando musei delle cere, sale da ballo e flophouse. "La mia cosa preferita", dice spesso Arbus, "è di andare dove non sono mai stato."
Vediamo la sua sensibilità onnivora nelle esposizioni di materiali personali in mostra. Ci sono libri d'arte benestanti (su Delacroix, Picasso, Berenice Abbott, El Greco) e testi sia pesanti (saggi filosofici di Schopenhauer) che hip (poema epico di Allen Ginsberg Howl ) accanto a liste di idee per progetti (“seance, gypsies, tattoo, opera di apertura dietro le quinte ”), raccolte di ritagli di giornale (“ Donna torturata dall'angustia dell'ITCH ”) e ricordi di personaggi strani (il“ Human Blimp ”da 942 libbre). La creazione di una delle sue bacheche combina le sue fotografie (di un maniaco del circo a tre occhi e sua moglie, di una ragazza carina e sua madre) con cartoline, istantanee, foto di tabloid (una mummia da scartare, un ringhio di J. Edgar Hoover) e un pannello strappato da un avvertimento comico di "Orphan Annie", "Le cose migliori portate all'eccesso sono sbagliate".
Nel 1959 gli Arbus si separarono e Diane si trasferì in una piccola carrozza nel Greenwich Village con le loro due figlie. La sua nuova situazione e la sua determinazione a essere indipendente le crearono pressioni affinché aumentassero le entrate. Fortunatamente, si stavano aprendo nuove opportunità. Alcune riviste stavano iniziando a pubblicare un marchio giornalistico più personale e innovativo che necessitava di un nuovo tipo di fotografia coscientemente abile per completarlo. Nell'autunno del 1959, Diane ottenne il suo primo incarico per una rivista, un saggio fotografico su New York City per Esquire che includeva i ritratti di un eccentrico di Skid Row, un attore secondario noto come Jungle Creep, un giovane socialite e un cadavere anonimo.
Le immagini, tuttavia, non avevano l'aspetto distintivo della messa a fuoco nitida che generalmente associamo ad Arbus. Negli anni '50 e nei primi anni '60, stava usando una fotocamera da 35 millimetri e un'illuminazione naturale, e il suo lavoro di quel periodo ha mostrato l'influenza di Model, Robert Frank e altri professionisti della fotografia di strada. Come loro, prediligeva le superfici sfocate e le trame granulose, molto lontane dall'aspetto ordinato delle fotografie commerciali tradizionali.
Poi, verso il 1962, passò a una fotocamera in formato 2 1/4, che le permise di creare immagini più nitide con dettagli brillanti. Descrivendo questo spostamento anni dopo, ha ricordato di essersi stancata delle trame granulose e di voler "vedere la differenza tra carne e materiale, densità di diversi tipi di cose: aria, acqua e lucentezza". Ha aggiunto: "Ho iniziato a essere terribilmente entusiasta della chiarezza. "
Né questo spostamento era solo una questione di dimensioni della fotocamera o di scelte di illuminazione (in seguito ha aggiunto un flash strobo). Sempre di più, Arbus ha instaurato un rapporto intenso con le persone che ha fotografato l'argomento del suo lavoro: la sua curiosità per i dettagli delle loro vite, la loro disponibilità a condividere i loro segreti e l'eccitante disagio che ha provato durante questi incontri. "Potrei ipnotizzare la gente, lo giuro", si dice che il collega fotografo Joel Meyerowitz abbia detto nella biografia non autorizzata di Patricia Bosworth del 1984. "Avrebbe iniziato a parlare con loro e sarebbero rimasti affascinati da lei come lo era con loro." Questo senso di reciprocità è una delle cose più sorprendenti e originali delle fotografie di Arbus, dando loro una lucidità e una concentrazione che sono tanto psicologico come fotografico.
Lettura del trattato di religione e mitologia di Freud, Nietzsche e James Frazer, Il ramo d'oro, Arbus ha visto gli artisti circensi, eccentrici, nani e travestiti che ha fotografato sia come personaggi affascinanti della vita reale sia come figure mitiche. Attraverso di loro ha trovato la strada per ancora più persone e luoghi, lontano dal suo stesso background. "Ho imparato a superare la porta, dall'esterno all'interno", scrisse in una domanda di amicizia del 1965. “Un ambiente porta ad un altro. Voglio essere in grado di seguire. "
La sua intelligenza e la sua bellezza elfica si sono rivelate preziose risorse. E il suo entusiasmo apprezzamento per chiunque la colpisse come straordinaria le ha permesso di entrare in contatto con il boudoir di un imitatore femminile, una camera d'albergo di un nano e innumerevoli altri posti che sarebbero stati chiusi a un fotografo meno persistente e meno attraente. Una volta ottenuta l'autorizzazione per scattare foto, potrebbe trascorrere ore, persino giorni a riprendere i suoi soggetti ancora e ancora e ancora.
I suoi soggetti sono diventati spesso collaboratori nel processo di creazione, a volte per molti anni. Ad esempio, il nano messicano che ha fotografato in una camera d'albergo nel 1960 appariva ancora nelle sue fotografie dieci anni dopo. E per la prima volta ha fotografato Eddie Carmel, che ha chiamato il gigante ebraico, con i suoi genitori nel 1960, dieci anni prima che finalmente catturasse il ritratto che stava cercando.
Quando Arbus andò a San Francisco nel 1967, il fotografo Edmund Shea la presentò ad alcuni "pulcini hippie" che lavoravano come ballerini in topless. Non era sorpreso che Arbus fosse in grado di convincerli a posare per lei. “Ad alcune persone piace considerarla cinica. Questo è un malinteso totale ", dice. “Era molto emotivamente aperta. Era molto intensa e diretta, e le persone erano legate a ciò. ”La stessa Arbus aveva sentimenti contrastanti sulla sua capacità di disegnare i suoi soggetti. "Un po 'bifronte" è il modo in cui una volta si descriveva: "Mi sento dire" Fantastico ". . . . Non voglio dire che vorrei essere così. Non voglio dire che vorrei che i miei figli fossero così. Non intendo nella mia vita privata che voglio baciarti. Ma voglio dire che è qualcosa di incredibilmente, innegabilmente. "
Per diversi anni le fotografie distintive di Arbus si sono rivelate popolari tra gli editori di riviste. In seguito a quel primo saggio fotografico di Esquire, ha pubblicato più di 250 immagini su Harper's Bazaar, sul Sunday Times Magazine di Londra e su più di una dozzina di altre riviste, e ha generato centinaia di immagini aggiuntive che sono state assegnate ma non sono state pubblicate. Ha anche fatto un piccolo numero di commissioni private, una delle quali costituisce la base di una più piccola mostra di Arbus che sta viaggiando anche quest'anno nel paese. Intitolato "Diane Arbus: Family Albums", lo spettacolo è nato al Mount Holyoke College Art Museum in Massachusetts e presenta alcuni dei ritratti di celebrità di Arbus insieme ai fogli di contatto completi di una sessione fotografica recentemente scoperta con una famiglia di Manhattan. La corsa dello spettacolo comprende tappe nel Maine, nell'Oregon e nel Kansas.
Sebbene Arbus considerasse gran parte della sua fotografia come un semplice lavoro a pagamento, spesso convinceva gli editori di riviste a contribuire a finanziare e ottenere l'accesso ai suoi progetti artistici. Alcune delle sue fotografie più personali e più conosciute, ad esempio il ritratto del re e della regina della danza di un anziano del 1970, ad esempio, sono apparse per la prima volta su riviste di grande diffusione. Allo stesso tempo, il mondo delle belle arti iniziò a riconoscere che le foto di Arbus erano più che un giornalismo di rivista intelligente. Nel 1967, 32 delle sue fotografie furono scelte dal MOMA per la sua mostra "Nuovi documenti". Lo spettacolo comprendeva anche il lavoro di altri due importanti giovani fotografi, Lee Friedlander e Garry Winogrand, ma Arbus ha attirato la maggior parte dell'attenzione. La rivista di New York ha definito il suo lavoro "brutale, audace e rivelatore" e Newsweek l'ha attribuita con "la nitida e cristallina visione generosa di un poeta". Ma il critico del New York Times Jacob Deschin ha scritto che il suo lavoro "a volte. . . confini vicini al cattivo gusto ", e altri spettatori hanno trovato le sue foto esasperanti.
"Ricordo di essere andato a" Nuovi documenti "quando ero al college e ho visto un uomo sputare nel suo lavoro", afferma Phillips di SFMOMA. “La gente non aveva visto l'immagine inequivocabile di un uomo in bigodini con le unghie lunghe che fumava una sigaretta, e all'epoca sembrava conflittuale. Ora, a questa distanza nel tempo, sembra elegiaco ed empatico piuttosto che minaccioso. ”Arbus trovò difficile affrontare l'attenzione. "Lo spettacolo è stato splendido ma troppe telefonate, lettere e persone pensano che io sia un esperto o incredibilmente adorabile", ha scritto a un'amica. "Devo essere abbandonato e anonimo per essere veramente felice". Ha detto a un'intervistatrice di Newsweek, "Ho sempre pensato di aspettare fino a quando avrò novant'anni per fare uno spettacolo. . . Volevo aspettare fino a quando non avessi fatto tutto. "
Perversamente, la sua crescente fama ha coinciso con un calo degli incarichi, in parte a causa del cambiamento di moda, in parte perché le celebrità potrebbero essere state diffidenti nei confronti di essere fotografata da una donna che stava diventando famosa (nelle parole di una recensione) come "il mago di ". Per complicare ulteriormente le cose, Allan, a cui è rimasta vicina, si è trasferita in California nel 1969 per intraprendere una carriera da attore a tempo pieno. Alla fine ha ottenuto lavoro in dozzine di film e, a partire dal 1973, un ruolo di lunga data nella popolare serie TV “M * A * S * H” come psichiatra Dr. Sidney Freedman.
Nella speranza di ottenere un reddito, Diane ha lanciato piani per vendere un'edizione limitata di dieci sue fotografie, racchiuse in una scatola di plastica trasparente che raddoppierebbe come cornice, per $ 1.000 per set. Il progetto, tuttavia, era in anticipo sui tempi, e solo quattro set venduti durante la sua vita: uno all'artista Jasper Johns, gli altri tre ad amici intimi. "Stava cercando di confezionare la fotografia come una forma d'arte prima che fosse davvero accettata come tale", afferma Phillips. Di recente, uno dei set ha messo all'asta $ 380.000.
Ma se il denaro le sfuggiva, il riconoscimento no. I musei includevano le sue opere in spettacoli e gli editori chiedevano, invano, di pubblicare un libro delle sue immagini. Nel 1971 è stata scelta per rappresentare gli Stati Uniti alla Biennale di Venezia del 1972, la prima fotografa americana ad essere così onorata in questo prestigioso evento artistico. Ma sembra aver considerato tali prove del successo come una distrazione dal suo desiderio di continuare ad aggiungere al suo catalogo fotografico - lo chiamava la sua collezione di farfalle - di persone strane e intriganti. Una proposta di borsa di studio del 1971 (che non fu accettata) descrisse il desiderio di fotografare “La differenza. Quelli di nascita, incidente, scelta, convinzione, predilezione, inerzia. "La sfida, scrisse, era" non ignorarli, non raggrupparli tutti insieme, ma guardarli, notarli, prestare attenzione ".
Un progetto che la coinvolse in modo particolare fu una serie di fotografie iniziate nel 1969 di residenti nelle istituzioni statali per i ritardati gravi. Alla ricerca di un nuovo look, ha lottato per usare la luce naturale, in combinazione con il flash stroboscopico o da sola, "cercando di rendere sfocate le mie immagini nitide ma non troppo", ha scritto al suo ex marito quell'agosto. Alla fine dell'anno stava ottenendo risultati che la eccitavano. "Ho scattato le foto più fantastiche", ha riferito in un'altra lettera ad Allan, definendole "liriche, tenere e belle". Queste immagini hanno segnato una nuova direzione, con la loro luce soffusa e la composizione più casual - "come istantanee ma meglio" Diane ha scritto. Mai mostrati durante la sua vita, si distinguono come tra le sue fotografie più commoventi e più potenti. Ma né il riconoscimento che stava ottenendo né il lavoro stesso potevano prevenire i periodi di depressione, probabilmente esacerbati da diversi attacchi di epatite, che la affliggevano. Nel 1968 descrisse i suoi umori oscuri a un'amica come "chimica, ne sono convinta. L'energia, un tipo speciale di energia, è appena fuoriuscita e mi manca la fiducia anche per attraversare la strada. "Nell'estate del 1971 fu di nuovo sopraffatta dal" blues ". Questa volta si sono rivelati fatali. Il 26 luglio, prese una grande quantità di barbiturici e si tagliò i polsi. Un'amica ha scoperto il suo corpo nella vasca del suo appartamento di WestVillage due giorni dopo.
La morte di Arbus e lo spettacolo del 1972 che la seguì la resero famosa in un modo in cui non era mai stata in vita. Ma alcuni critici hanno scoperto nella sua prova suicida che le sue immagini riflettevano la patologia più che l'arte. In effetti, il dramma della sua vita a volte ha minacciato di eclissare la reputazione del suo lavoro. Tuttavia, per quanto la sua arte e la sua vita possano essersi confuse, l'impatto delle fotografie di Arbus e la loro capacità di fondere il mitico con l'intensamente personale è più forte che mai.
Offrendo al pubblico la possibilità di incontrare un numero senza precedenti di sue immagini, la mostra "Revelations" dimostra che era un'artista di primo rango e una pioniera nel rompere i muri che separano la fotografia dalla pittura e il resto del cosiddetto belle arti.
Lo spettacolo chiede anche se l'intimità inquietante che a volte è ancora vista come una debolezza non è invece una fonte di potere artistico nei quadri di Arbus. Nel suo saggio di catalogo, Phillips rileva l'alto valore che il mondo dell'arte degli anni '60 ha dato a un'opera "assertiva, persino arrogante e sospettosa nei confronti dei contenuti", in particolare i contenuti che sapevano di emozione o narrazione. Secondo quello standard, il lavoro di Arbus potrebbe essere facilmente liquidato come troppo personale, troppo nevrotico. Nel 21 ° secolo, tuttavia, con identità personali e temi centrali narrativi per gli artisti, Arbus è emerso come un audace innovatore.
"Non sono mai stato commosso da nessun altro artista come lo sono stato da Arbus", afferma Rosenheim del MetropolitanMuseum. “Le sue immagini hanno questo potere che è l'esatta correlazione dell'intima relazione che deve aver avuto con i suoi soggetti. Influenzano per sempre il modo in cui guardi il mondo. ”Sia che Arbus stia fotografando un uomo tatuato, una drag queen o un bambino lamentoso, più guardiamo le sue foto, più sentiamo che ci stanno guardando indietro.
