Una breve storia del cibo come arte

Filippo Tommaso Marinetti è stato il primo artista nell'era moderna a pensare alla preparazione e al consumo del cibo come arte. Il movimento futurista d'avanguardia, formato da Marinetti e altri artisti a Milano nel 1909, abbracciò l'era industriale e tutte le cose meccaniche, dalle automobili e gli aerei ai metodi di produzione e alla pianificazione urbana. Pensavano che cucinare e mangiare, così centrale nella vita di tutti i giorni, dovessero anche essere centrali nei loro ideali lungimiranti e lontani.

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Nel 1932, Marinetti pubblicò The Futurist Cookbook . Non era semplicemente un insieme di ricette; era una specie di manifesto. Ha lanciato la preparazione e il consumo del cibo come parte di una nuova visione del mondo, in cui l'intrattenimento è diventato uno spettacolo d'avanguardia. Il libro prescriveva gli elementi necessari per un pasto perfetto. Tali pasti dovevano presentare originalità, armonia, forma scultorea, profumo, musica tra i corsi, una combinazione di piatti e piccole tartine di vari gusti. Il cuoco doveva impiegare attrezzature ad alta tecnologia per preparare il pasto. La politica non poteva essere discussa e il cibo doveva essere preparato in modo tale che il consumo non richiedesse argenteria.

Le riflessioni di Marinetti non avrebbero potuto prevedere il ruolo che il cibo avrebbe avuto un ruolo nell'arte quasi un secolo dopo. Gli artisti contemporanei hanno usato il cibo per fare dichiarazioni: politico (soprattutto femminista), economico e sociale. Hanno aperto ristoranti come progetti artistici, condotto spettacoli in cui il cibo è preparato e servito in gallerie e realizzato sculture elaborate con materiali commestibili come cioccolato e formaggio. Per quanto orribile possa sembrare a Marinetti, alcuni artisti oggi abbracciano persino il cibo come rifiuto di tutti e di tutto ciò che è ossessionato dal futuro.

Guardando indietro, il cibo ha sempre avuto un ruolo nell'arte: i pittori delle caverne dell'età della pietra usavano il succo di verdura e i grassi animali come ingredienti leganti nelle loro pitture e gli egiziani scolpivano pittogrammi di colture e pane su tavolette geroglifiche. Durante il Rinascimento, Giuseppe Arcimboldo, un pittore per la corte asburgica di Vienna, e in seguito, per la corte reale di Praga, dipinse stravaganti ritratti simili a puzzle in cui i tratti del viso erano composti da frutta, verdura e fiori.

Quando penso al cibo e all'arte, intuitivamente ricordo le grandi e belle nature morte dell'età d'oro olandese che ho incontrato per la prima volta in una lezione di storia dell'arte del Rinascimento settentrionale. In questi dipinti gloriosi, ogni superficie, dai luccicanti cappotti piumati di carcasse d'anatra su piatti d'argento lucenti alla pelle rugiadosa di frutta e bacche, è accuratamente resa per creare l'illusione che la festa sia seduta proprio di fronte allo spettatore. Nel 1600, tali dipinti attestavano la ricchezza e l'impegno intellettuale dei proprietari. I cibi rappresentati avevano un significato simbolico spesso legato a testi biblici e come gli oggetti erano disposti - e quali erano stati consumati - trasmettevano un messaggio sulla natura fugace del tempo o sulla necessità di temperanza.

Da giovane artista, ho studiato i grossi rendering di mele e arance di Cezanne. Per i pittori postimpressionisti come Cezanne, l'osservazione della vita era solo l'inizio di un processo in gran parte immaginativo. Hanno valutato il colore vivido e le vivaci pennellate sull'iperrealismo del passato.

Durante l'era della pop art, il cibo divenne una metafora sociale. Wayne Thiebaud dipinse file di torte e torte in vivaci colori pastello che ricordavano pubblicità e giocattoli per bambini. Presentato come un'esibizione in una tavola calda, piuttosto che elementi familiari della vita privata, i suoi arrangiamenti riflettevano una società itinerante in cui sontuosi dessert indicavano l'abbondanza americana.

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Più o meno nello stesso periodo, gli artisti hanno iniziato a utilizzare il cibo reale come materiale artistico. Nel 1970, l'artista sardonico svizzero-tedesco Dieter Roth, noto anche come Dieter Rot, realizzò un pezzo intitolato "Staple Cheese (A Race)" - un gioco di parole "steeplechase" - che comprendeva 37 valigie ripiene di formaggio e altri formaggi pressati sui muri con l'intenzione di gocciolare, o "correre", verso il pavimento. Pochi giorni dopo l'apertura della mostra a Los Angeles, la mostra emanava un fetore insopportabile. La galleria fu invasa da larve e mosche e gli ispettori della salute pubblica minacciarono di chiuderla. L'artista dichiarò che gli insetti erano in effetti il ​​suo pubblico previsto.

Le artisti femministe della fine degli anni '60 e dei primi anni '70 consideravano il rapporto americano con il cibo in termini di vincoli che imponeva alle donne. Le femministe affermavano che il personale - compresi gli aspetti più banali della vita quotidiana - era politico. Nel 1972, Miriam Schapiro e Judy Chicago affittarono una casa libera di 17 locali a Los Angeles che era prevista per la demolizione e la trasformò in un'enorme installazione artistica. Schapiro e altre artiste hanno creato un'installazione immersiva nella sala da pranzo, imitando il processo seguito dalle ragazze quando decorano le case delle bambole. Il loro progetto, sia una performance che un'installazione, ha condannato il doppio standard della società: la disparità di aspettative e opportunità per uomini e donne. Mentre i ragazzi venivano addestrati per avere successo nel mondo, ci si aspettava che le ragazze mantenessero la casa per i loro mariti. Più tardi, artisti femministe come Elizabeth Murray suggeriscono che le donne sono sufficientemente potenti per gestire sia il mondo che la famiglia in opere come "Kitchen Painting" (1985), in cui un cucchiaio globby legato a una figura che presiede una cucina sembra sgorgare da il piano dell'immagine e confrontarsi con lo spettatore.

Nel 1974, Chicago si rifece nuovamente al tema della sala da pranzo quando iniziò "The Dinner Party", un tour de force concettuale ora ospitato nel Centro di arte femminista Elizabeth A. Sackler, al Museo di Brooklyn. Con una squadra di artigiani di talento, nel corso di diversi anni, Chicago ha realizzato un tavolo da pranzo triangolare lungo 48 piedi con ambientazioni per 39 donne di spicco della cultura, alcune reali e alcune mitiche, dalla preistoria al movimento femminile moderno. Ogni ambiente include un tovagliolo fatto a mano, un piatto in ceramica, un calice e un corridore, il tutto con un'iconografia personalizzata per la donna specifica. Man mano che la linea del tempo converge sul presente, i piatti diventano sempre più tridimensionali, a simboleggiare la crescente libertà e il potere politico delle donne.

Durante gli anni '90, molti artisti si sono sintonizzati sull'alienazione personale che sarebbe derivata dall'introduzione del computer di casa e di altre attività basate sullo schermo. Per porre rimedio alle anomalie nascenti, alcuni hanno inaugurato la disciplina dell '"estetica relazionale", nota meno opacamente come "scultura sociale", secondo la quale l'interazione umana, incluso il mangiare insieme, è stata concepita come una forma d'arte in sé. Uno dei praticanti più importanti è stato Rirkrit Tiravanija, che ha iniziato a cucinare e servire cibo agli spettatori nelle gallerie, lasciando pentole, padelle e piatti sporchi nella galleria per la durata delle sue mostre.

Oggi, gli artisti principianti imparano ancora a dipingere nature morte di frutta e verdura. Molti in seguito si allontanano dalla pittura per perseguire media più nuovi e più sperimentali, ma gli artisti centrati sul cibo spesso continuano a credere nel potere del pigmento sulla tela. I pittori di New York Gina Beavers, Walter Robinson e Jennifer Coates sono buoni esempi. Beavers pettina Internet per le fotografie di cibo, che poi combina in collage di immagini multiple e dipinti su grandi tele. Robinson è pre-occupato con whisky, cheeseburger e altri oggetti di desiderio. Coates si concentra sul cibo spazzatura, realizzando dipinti in cui s'mores, mac 'n' cheese e pizza assumono forme astratte. Nel complesso, c'è una sana tensione tra tradizione e iconoclastia nell'arte contemporanea del cibo. Circa 85 anni dopo la sua pubblicazione, il libro di cucina di Marinetti sembra ancora in anticipo sulla curva, anche se forse non troppo avanti.