Il fotografo paesaggista Frank Gohlke, le cui immagini sono apparse in più di dieci libri, ha una nuova mostra, "Accogliere la natura", presso lo Smithsonian American Art Museum. Ha parlato con la rivista Anika Gupta.
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Una volta hai detto che provi a creare immagini che non riguardano la natura. Non è una strana affermazione da un fotografo di paesaggi?
Negli anni '70, ho sviluppato questa idea per guardare al mondo che abbiamo creato, piuttosto che al mondo in cui siamo nati. In sostanza, il paesaggio è il più grande manufatto che ogni cultura crea.
I critici d'arte affermano che le tue fotografie sono destinate a sfidare il naturalismo romantico di Ansel Adams.
È una dichiarazione abbastanza giusta. Quando ero maggiorenne come fotografo, Adams era la grande figura della fotografia di paesaggio. Ho ammirato il suo lavoro, ma non mi sentivo come se la sua visione della grandezza della natura fosse qualcosa in cui potevo credere. Ero più interessato a guardare l'urbanizzazione e il mix senza soluzione di continuità tra il mondo umano e il mondo naturale.
Hai fotografato tornado, frane ed eruzioni vulcaniche. Perché sei attratto da catastrofi naturali?
Cerchiamo sempre di trovare certezza e sicurezza in un mondo che, anche nella sua forma più civile, non è molto sicuro. Cerchiamo di proteggerci da vulcani e tornado, ma ci superano nonostante le nostre migliori precauzioni. Quindi cosa succede dopo il peggio? Questo è quello che sto cercando. Non il disastro naturale, ma la risposta umana.
Come dovrebbero reagire le persone alle tue fotografie?
Voglio che le persone traggano piacere da queste immagini e provino un senso più ampio di ciò a cui vale la pena prestare attenzione. Voglio trasmettere la sensazione di quanto sia ricco il mondo ordinario.
Il rapporto tra uomo e natura è cambiato dagli anni '70, quando hai iniziato a fare arte. Come sono cambiate le tue foto in risposta?
Bene, ci sono stati alcuni cambiamenti nel paesaggio. Quando cammini intorno al Monte. St. Helens la prima cosa che noti è il danno dall'eruzione vulcanica. Quindi noti che c'è stato un enorme cambiamento a causa del settore della registrazione. Ci sono detriti dai siti di disboscamento e macchie di alberi di un'età uniforme, che è il risultato di tagli netti e reimpianto. Per molti versi il disboscamento è stato più distruttivo per l'ambiente di qualsiasi cosa il vulcano potesse fare, e io provo a commentarlo nel mio lavoro. Ma soprattutto voglio presentare le immagini e i dati in modo che le persone possano trarre le proprie conclusioni.
Alcune delle tue foto contengono persone, altre no. Cerchi di tenere le persone fuori da un paesaggio?
Di solito non includo le persone in un'immagine perché anche se le persone sono il mio soggetto, le immagini delle persone non lo sono. Sono più interessato all'effetto che le persone hanno sulla terra e al modo in cui la terra influenza il nostro senso del nostro posto nel mondo. Quando includo le persone, sono piccole e sono solo nella foto perché erano nel posto giusto al momento giusto.
Hai alternato il lavoro a colori a quello in bianco e nero. Hai una preferenza?
Quando ho iniziato a fotografare nel 1967, il bianco e nero erano i colori della fotografia seria. Il colore era un mezzo commerciale. Anche quando questo ha iniziato a cambiare negli anni Settanta, ho continuato a fare il bianco e nero perché mi piaceva. Mi è piaciuto guardare le stampe in bianco e nero e fare foto in bianco e nero. Tutto ciò che volevo affrontare nel mio lavoro sembrava più diretto e ordinato in bianco e nero.
Quindi, dopo il mio quarto anno di fotografia al Monte. St. Helens Mi sentivo come se avessi spinto in bianco e nero il più lontano possibile. Ho pensato che il colore sarebbe stata una sfida interessante. Quindi ho lavorato a colori esclusivamente per i successivi sette o otto anni. Oggi lavoro in entrambi. Tendo ad avere un progetto a colori e un progetto in bianco e nero che vanno simultaneamente e immagino i miei progetti tenendo presente la combinazione di colori.
