Con movimenti pazienti e deliberati, Linn Meyer trascorre ore a trasmutare le sue linee disegnate individualmente in uno dei suoi disegni o installazioni pulsanti. Mentre progetta in anticipo ampie mappe per i suoi pezzi, si lascia anche aperta ai dossi che inevitabilmente si presentano durante il suo processo, lasciando che questi nuovi movimenti guidino le sue esplorazioni astratte in nuovi luoghi.
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Come attesta il nome del recente disegno murale su larga scala di Meyer, "Let's Get Lost", l'installazione, che ha debuttato questo autunno al Bowdoin College Museum of Art, è l'abbraccio molto intenzionale di seguire l'ennesimo inaspettato bivio.
Questa volta, le sue linee distintive non solo rispondono all'architettura dello spazio, ma hanno anche il compito di qualcosa di nuovo: stabilire i parametri fisici che estraggono i suoni invisibili incorporati in "Listening Glass". Un'installazione complementare che ha debuttato insieme a "Let's Get Lost", "Listening Glass" è stato creato da Rebecca Bray, artista e designer di esperienze (i cui precedenti riconoscimenti includono il capo del design dell'esperienza presso il Museo Nazionale di Storia Naturale Smithsonian); Jimmy Bigbee Garver, sound designer e compositore; e Josh Knowles, uno sviluppatore di app, in collaborazione con meyers.
Se quelle erano molte parole da digerire, il risultato, un'esperienza artistica partecipativa simile alla sinestesia, è - per progettazione - facile da comprendere. In sostanza, "Listening Glass" ti permette di suonare "Let's Get Lost" come uno strumento. I visitatori armati di telefoni cellulari scaricano un'applicazione creata da Knowles per scoprire le note musicali udibili nel brano di Meyers. Tenendo sollevati i telefoni durante l'installazione, l'app può scoprire suoni mentre esplorano il disegno su larga scala di Meyer, che suona in concerto con suoni già vibranti dagli altoparlanti installati nella galleria.
“Let's Get Lost” e “Listening Glass” (qualsiasi connotazione di Alice nel Paese delle Meraviglie era involontaria) sono nati da una comunicazione non pianificata tra le opere precedenti degli artisti. Nel maggio 2016, Meyers ha svelato il suo più grande lavoro fino ad oggi, "Our View From Here", un ambizioso disegno lungo 400 piedi che si snodava lungo il corridoio a secondo piano a forma di ciambella del Museo e scultura di Hirshhorn di Smithsonian. Mentre il pezzo era in mostra, Bray e Garver hanno ideato autonomamente "Framing Device", un'opera audio interattiva, che prende spunto da una precedente collaborazione artistica e performativa degli artisti chiamata "Silosphere". In "Silosphere", i partecipanti hanno messo le loro teste all'interno di dispositivi a forma di globo dotati di uno schermo e altoparlanti, per creare un'esperienza contenuta con l'unica connessione al mondo esterno proveniente da un feed video collegato da una videocamera esterna. Partendo da quello in "Framing Device", un pezzo che ridefinisce l'audioguida della galleria d'arte, ai partecipanti sono state fornite maschere e cuffie wireless, che si sintonizzavano su due diverse opzioni di canale: un tour audio (interpretato dall'attore) del museo e un monologo interiore di un visitatore autocosciente, per spingere i partecipanti a rivedere il paesaggio di una galleria d'arte.
"Può sembrare alquanto limitante il modo in cui ci si aspetta - o ci aspettiamo da noi - di sperimentare l'arte in un tipico contesto istituzionale o curato", afferma Bray. Nelle loro collaborazioni, lei e Garver sono interessate a creare arte partecipativa che "chiede qualcosa allo spettatore e li invita, in un modo che cambia la relazione".
"Framing Device" si è riunito per "Sound Scene", un festival annuale in celebrazione dell'ascolto, che è stato ospitato per la prima volta da Hirshhorn nel 2016, quando "Our View From Here" era in mostra. Per questo motivo, il lavoro di Meyer è diventato parte del tour audio di "Framing Device", qualcosa di cui Meyer stessa non era a conoscenza fino a quando non è capitata di venire all'evento e ascoltare il pezzo da sola.
“In seguito è venuta da noi e ha detto, wow, è così interessante. Non ho mai visto il mio lavoro in questo modo ”, ricorda Bray.
Gli artisti hanno iniziato a prendere un caffè insieme per parlare delle idee che stavano esplorando e di come avrebbero potuto lavorare insieme. meyers lavora senza modelli o nastro per disegnare le migliaia di linee fluide che si uniscono per creare i suoi pezzi finali. Il suo inconfondibile processo ti costringe a guardare l'arte e a pensare al perché prende le forme che fa. Ma era interessata a come Bray e Garver potessero essere in grado di rallentare qualcuno e impegnarsi ancora più profondamente con le sue linee. "Let's Get Lost" e "Listening Glass" sono stati i risultati di quella sfida.
Visualizza questo post su InstagramStudenti e visitatori hanno esplorato "Let's Get Lost" e "Listening Glass" durante l'apertura ieri sera. Questa fantastica mostra sarà visitabile tutto l'anno! ☺️ # bcmaletsgetlost #bcmalisteningglass
Un post condiviso dal Bowdoin College Museum of Art (@bowdoinmuseum) il 28 settembre 2018 alle 17:30 PDT
"Quello che è diventato il progetto è stata un'evoluzione che ha accompagnato le nostre conversazioni", spiega Meyers. In alcuni dei loro primi discorsi, gli artisti hanno giocato con il provare la realtà virtuale e la realtà aumentata, ma si sono allontanati da quell'idea per paura che la tecnologia potesse sopraffare l'arte. Volevano creare un'esperienza artistica interattiva in cui la tecnologia servisse l'arte, non viceversa. Hanno portato Knowles, che Bray conosce da molti anni nella tecnologia interattiva e nello spazio artistico, per aiutare a tradurre la loro idea di lavoro, intrecciando l'arte di Meyer con i suoni di Garver.
Non è stato immediatamente chiaro come procedere. "Sto andando a fare musica che suona come i tuoi disegni o disegnare qualcosa che suona come la tua musica?" Dice Garver. "Entrambi siamo cambiati molto."
Ognuno di loro aveva una piccola sovrapposizione tra i propri skillset, il che li ha costretti a essere davvero intenzionali in ogni fase del processo di ideazione. "Poiché ognuno dei nostri pezzi di questa cosa era profondamente collegato con i pezzi di tutti gli altri, non c'era nessuno che andasse in una stanza e facesse il loro pezzo e presentandolo a tutti", dice Bray. Invece, hanno dovuto parlare continuamente attraverso i loro diversi mezzi e prendere in giro i compromessi e le opportunità di ogni decisione creativa.
"È davvero difficile parlare di queste cose e abbiamo dovuto quasi inventare la nostra lingua, che era interessante in sé e per sé", afferma Meyers. Ciò che ha aiutato, dice, era che tutti sapevano che stavano arrivando al lavoro con un insieme condiviso di valori e una visione condivisa. Ad un certo punto, Bray li ha persino scritti. L'idea per cui stavano lavorando, dice Meyers, era di "creare un pezzo che interagisse con il pubblico in modo tale che il pubblico potesse completare il lavoro".
C'era molto da negoziare: c'erano l'architettura dello spazio, l'arte di Meyer, i suoni di Garver (entrambi realizzati al telefono e suoni che decisero di voler suonare continuamente nella stanza), la tecnologia, come far emergere attraverso il movimento, e, naturalmente, il pubblico. "Abbiamo creato un mucchio di documenti, diagrammi e fogli di calcolo per aiutarci a vicenda a capire", afferma Garver.
L'esperienza del pubblico è stata quella che hanno maggiormente richiamato nelle loro conversazioni. Una delle più grandi trattative nello spazio artistico interattivo, afferma Bray, è la creazione di qualcosa che presenta poche barriere all'ingresso - "generoso" è un termine che usa molto - ma è anche in grado di trasformare il modo in cui qualcosa viene visto.
“Come possiamo avvicinare le persone all'arte? Non solo fisicamente, ma per rallentare e considerare le linee stesse; le opere d'arte e il tutto? ”dice della sfida che stavano affrontando.
Volevano rendere lo spazio una conversazione tra artista e spettatore. Durante un ritiro durante l'estate, i meyer disegnarono quattro disegni preparatori sulle pareti del soggiorno di Bray e Garver. Hanno quindi invitato le persone a giocare con l'app e interagire con i disegni murali.
Ciò ha portato ad armeggiare di più. Ad esempio, il software ha avuto problemi a distinguere il colore carnoso che Meyer stava usando per riempire le sue "ombre di un vuoto" con il pavimento in legno della stanza e il rivestimento delle finestre. Per garantire che il suono rimanesse particolare dell'elemento a cui era puntato, Meyer ha aggiunto una linea blu a ciascun quadrante in modo che il dispositivo potesse meglio distinguere l'arte dall'ambiente circostante.
I suoni stessi, che possono essere generati attraverso il movimento e la posizione, includono un suono simile al piano, un suono spennato, una voce e una campana. "Sono molto simili alla vaniglia", afferma Garver. "La bellezza è la cosa interessante che accade quando le persone la raccolgono e la usano."
Garver ha continuato a ridurre le composizioni ad ogni iterazione del progetto. Ciò che si rese conto era che più il suono era complesso e composto, più difficile era capire di chi fossero le azioni che lo generavano. “Stavo solo cercando di facilitare lo spostamento dello strumento e non di fare musica. Quello era nuovo per lui. "Non ho mai fatto nulla di simile prima", dice. "Anche fino ad oggi", dice, si chiede del lavoro, "Suona come queste linee?"
Il viaggio attraverso la galleria può sembrare nuotare attraverso l'oceano. "È una specie di esperienza travolgente, perché c'è un'enorme quantità di suoni più bassi di cui sei davanti e tutt'intorno, ma mentre ti muovi nello spazio stai producendo piccoli suoni", dice Garver. Ecco come il figlio di 7 anni di Bray e Garver descrive l'esperienza immersiva: "come un pesce, che galleggia tra le onde".
L'app di Knowles, che è disponibile per il download su iTunes (e può essere riprodotta anche al di fuori della galleria), non è legata ai suoni attualmente programmati per la riproduzione. Il software può essere adattato e gli artisti hanno già parlato con Bowdoin della possibilità che gli studenti possano comporre nuovi suoni per l'installazione e coreografare un'esibizione nella galleria. L'idea è che artisti con telefoni posizionati strategicamente sui loro corpi possano suonare una composizione musicale nella stanza con i loro movimenti.
Quando le installazioni hanno debuttato per la prima volta a settembre, Bray ha guardato mentre le persone usavano i loro telefoni non per mandare messaggi, ma piuttosto come una bacchetta che li guidava attraverso la storia della galleria. "Abbiamo davvero visto le persone prendere il loro tempo e seguire una linea o seguire il tipo di curva che Linn stava disegnando", dice.
Questa non è la prima impresa collaborativa di Meyers. "Adoro lavorare da solo", dice, in riferimento al suo lavoro in studio. "Adoro l'attività solitaria e non vorrei mai rinunciare a questa parte". Ma per tutta la sua carriera, è stata attratta dalla costruzione di idee con altri artisti. "Ti porta in un territorio che è meno comodo e meno familiare", dice. "Puoi farlo da solo, ma è più difficile."
La sua prossima avventura collaborativa sta lavorando con i colleghi artisti di Washington, Tim Doud e Caitlin Teal Price, per aprire uno spazio di studio economico chiamato STABLE. Previsto per l'apertura nel febbraio del 2019, i 10.000 piedi quadrati di spazio studio situato nel margine orientale di Eckington hanno lo scopo di collegare meglio gli artisti e promuovere una comunità tra loro nel distretto. L'idea, dice Meyer, è di rendere la DC "più amichevole con gli artisti e un luogo dove gli artisti vogliono rimanere".
Opportunamente, mentre "Listening Glass" può essere suonato da solo, c'è qualcosa di più ricco che accade quando quelli nella galleria si uniscono per creare composizioni. Se tutti i visitatori in un determinato momento fanno lo stesso gesto contemporaneamente con i loro telefoni, possono sbloccare un effetto sonoro speciale.
"Let's Get Lost" e "Listening Glass" sono esposti congiuntamente al Bowdoin College Museum of Art fino al 29 settembre 2019.
