Sebbene il 17 agosto, National Thrift Shop Day, sia inteso come una spensierata celebrazione di un'abitudine commerciale accettabile, il processo di creazione di negozi dell'usato ha coinvolto sostenitori insoliti. Come descrivo nel mio recente libro From Goodwill to Grunge, i negozi dell'usato sono emersi alla fine del XIX secolo quando le organizzazioni a conduzione cristiana adottarono nuovi modelli di filantropia (e aiutarono a riabilitare l'immagine dei negozi di seconda mano soprannominando i loro negozi di spazzatura "negozi dell'usato").
Oggi ci sono oltre 25.000 negozi di rivendita in America. Le celebrità spesso vantano le loro colonne sonore di seconda mano, mentre i musicisti hanno elogiato i beni usati in canzoni come il successo di Fanny Brice del 1923 "Second-Hand Rose" e Macklemore e la classifica del 2013 di Than "Thrift Shop".
Eppure negli ultimi 100 anni, gli artisti visivi probabilmente meritano il maggior merito per il posto dello shopping dell'usato nell'ambiente culturale.
Gloria negli scartati
Dagli orinatoi già pronti dello scultore Marcel Duchamp del 1917 alla divulgazione del papa del film "John's Waters" sull'estetica trash, gli artisti visivi hanno cercato a lungo i beni di seconda mano per l'ispirazione creativa, usandoli anche per criticare le idee capitaliste.
Durante la prima guerra mondiale, gli artisti d'avanguardia iniziarono a usare oggetti di scarto, rubati o spigolati o acquistati nei mercatini delle pulci e nei negozi dell'usato, per respingere la crescente commercializzazione dell'arte. André Breton, Marcel Duchamp e Max Ernst sono stati tra i primi a trasformare oggetti messi da parte direttamente in opere d'arte conosciute come "readymades" o "oggetti trovati", o a incanalare l'ispirazione da tali beni nei loro dipinti e scritti.
In concomitanza con (ed emergendo) dal movimento artistico anti-arte Dada, che respinse ferocemente la logica e l'estetismo del capitalismo, il movimento che circondava quell'elevazione di oggetti usati avrebbe presto avuto un nome: Surrealismo.
Nel suo lavoro semi-autobiografico del 1928 "Nadja", Breton, il "padre del surrealismo", descrive lo shopping di seconda mano come un'esperienza trascendente. Gli oggetti di scarto, scrisse, erano in grado di rivelare "lampi di luce che ti avrebbero fatto vedere, vedere davvero". Esiliato dal governo francese Vichy negli anni '40, Breton si stabilì a New York City, dove cercò di ispirare altri artisti e scrittori portandoli nei negozi dell'usato e nei mercati delle pulci della Lower Manhattan.
Mentre la "Fontana" di Duchamp è forse il pezzo più noto di arte scultorea derivata da un oggetto trovato, la sua "Ruota di bicicletta" già pronta (1913) appare ancora prima. "Gift" (1921) di Man Ray presentava un ferro da stiro di tutti i giorni con una fila di chiodi di ottone fissati alla sua superficie.
Mentre gli uomini sembravano dominare il surrealismo, fonti recenti evidenziano l'importanza della baronessa Elsa von Freytag-Loringhoven, che gli studiosi suggeriscono che potrebbe aver regalato a Duchamp il suo famoso orinatoio, rendendo la collaborazione "Fontana". L'eccentrica e talentuosa baronessa ha creato "God" (1917), una trappola idraulica in metallo in ghisa capovolta, lo stesso anno Duchamp ha mostrato "Fountain".
L'opera del 1917 'Fountain' di Marcel Duchamp (James Broad, CC BY-NC) L'estetica trash
Il surrealismo ha goduto della sua più grande fama negli anni '20 e '30, con i suoi precetti che coprono tutto, dalla poesia alla moda. Quindi, negli anni '50 e '60, New York City assistette alla nascita di un'estetica trash d'avanguardia, che includeva beni di scarto e la resurrezione di temi e personaggi passati dall'età d'oro del film di Hollywood. Lo stile divenne noto come "campo".
Agli inizi degli anni '60, il Theatre of the Ridiculous, un genere sotterraneo e d'avanguardia della produzione teatrale, fiorì a New York. In gran parte ispirato al Surrealismo, Ridicolo ha rotto con le tendenze dominanti della recitazione naturalistica e delle ambientazioni realistiche. Gli elementi di spicco includevano parodie legate al genere di temi classici e una stilizzazione orgogliosamente sfacciata.
Il genere si basava in particolare su materiali di seconda mano per costumi e scenografie. L'attore, artista, fotografo e cineasta underground Jack Smith è visto come il "padre dello stile". Il suo lavoro ha creato e tipizzato la sensibilità Ridicola, e ha fatto affidamento quasi ossessivo su materiali di seconda mano. Come ha detto una volta Smith, "l'arte è un grande negozio dell'usato".
Probabilmente è meglio conosciuto per il suo film sessualmente grafico del 1963 "Flaming Creatures". Incredibili censori con primi piani di peni flaccidi e seni tremolanti, il film è diventato zero nelle battaglie anti-porno. Le sue espressioni surrealiste di strane interazioni sessuali tra uomini, donne, travestiti e un ermafrodita sono culminate in un'orgia alimentata dalla droga.
Secondo Smith, "Flaming Creatures" ha incontrato disapprovazione non a causa delle sue azioni sessuali, ma a causa della sua estetica di imperfezione, compreso l'uso di vecchi vestiti. Per Smith, la scelta di abiti strappati e obsoleti era una forma di sovversione maggiore dell'assenza di abiti.
Come sottolinea Susan Sontag nella sua famosa valutazione dell'accampamento, il genere non è semplicemente una sensibilità leggera e beffarda. Piuttosto, è una critica di ciò che è accettato e ciò che non lo è. Il lavoro di Smith ha confutato l'abitudine riflessiva degli artisti a lottare per novità e novità e ha contribuito a diffondere un'estetica strana che è continuata in band come The New York Dolls e Nirvana. Una lunga lista di artisti cita Smith come fonte d'ispirazione, da Andy Warhol e Patti Smith a Lou Reed e David Lynch.
Ribellione generata
Nel 1969, gli oggetti dell'enorme quantità di oggetti di seconda mano di Smith, inclusi abiti degli anni '20 e pile di boa, si fecero strada negli armadi di una compagnia psichedelica di San Francisco, i Cockettes. Il gruppo ha goduto di un anno di folle popolarità - anche segnando un tanto atteso spettacolo di New York City - tanto per i loro costumi usati quanto per le loro stravaganti produzioni satiriche. Il termine "genderfuck" è venuto a significare l'estetica del gruppo di uomini barbuti, generati e generati, uno stile incapsulato dal famoso capo dei Cockettes, Ibisco.
Stills of Hibiscus dal documentario del 2002 'The Cockettes' ('The Cockettes') I Cockettes si divisero l'anno successivo per una disputa sull'accusa di ammissione, ma i membri continuarono a influenzare la cultura e lo stile americani. L'ex membro dei Cockettes Sylvester sarebbe diventato una star della discoteca, e uno dei primi musicisti apertamente gay. Un membro successivo dei Cockettes, Divine, divenne l'acclamata musa di John Waters, recitando in una serie di "film spazzatura", tra cui "Hairspray", che ha incassato 8 milioni di dollari in patria a livello nazionale - che ha quasi preso il mainstream del teatro Ridicolo. A quel punto, un'estetica strana e trasandata che si basava su beni di seconda mano divenne un simbolo di ribellione ed espressione di creatività per innumerevoli bambini della classe media.
Per molti oggi lo shopping dell'usato è un hobby. Per alcuni, è un veicolo per interrompere le idee oppressive su genere e sessualità. E per altri, il parsimonia è un modo per riutilizzare e riciclare, un modo per sovvertire sottilmente il capitalismo tradizionale (sebbene alcune catene di parsimonia mastodontiche con pratiche lavorative controverse tendano a raccogliere i maggiori benefici monetari). A capo dell'accusa, gli artisti hanno collegato prodotti di seconda mano con creatività individuale e disprezzo commerciale. Ciò che è iniziato con i surrealisti continua oggi con i pantaloni a vita bassa, gli amanti del vintage e gli studenti laureati che celebrano le opzioni outré e il potenziale di riduzione dei costi dei beni scartati.
Questo articolo è stato originariamente pubblicato su The Conversation.
Jennifer Le Zotte, assistente professore di cultura e storia dei materiali, Università della Carolina del Nord Wilmington
