Cos'è che riguarda i piccoli musei eccentrici che li rendono così avvincenti? Forse è perché possono essere fatti risalire all'antichità, quando i templi greco-romani avrebbero esposto sia meravigliose opere d'arte che reliquie pagane: la lancia di Achille, il sandalo di Elena di Troia o "ossa dei giganti" (di solito resti di mammut pietrificati). Le cattedrali medievali portavano avanti la tradizione: gusci di tartaruga o "uova di grifone" (in realtà quelle di struzzi) potevano essere collocate accanto alle reliquie dei santi. Nel Rinascimento, i principi italiani iniziarono ad assemblare gabinetti di curiosità, mostre eclettiche che potevano includere qualsiasi creazione dell'uomo o della natura: mummie egiziane, perle, sculture classiche, insetti, conchiglie giganti o "corna di unicorno" (il più delle volte dai narvali). La mania collettiva italiana si diffuse, tanto che alla fine del XVIII secolo c'erano migliaia di gallerie private in case benestanti in tutta Europa. Durante i loro grandi tour del Continente, i viaggiatori potevano viaggiare da un meraviglioso soggiorno a quello successivo, osservando oggetti meravigliosi e mistificanti.
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- Tony Perrottet in "Piccole meraviglie"
Verso la metà del 1800, istituzioni finanziate dallo stato come il Louvre, il British Museum e il Prado di Madrid avevano iniziato ad acquisire queste collezioni private, molte delle quali erano state ereditate da membri della famiglia che non avevano né le finanze né l'entusiasmo per mantenerle. Eppure, nonostante il vantaggio finanziario dei grandi musei, i piccoli musei esoterici si sono mantenuti tenacemente. In effetti, l'Europa è ancora piena di loro e inducono una devozione che i loro più grandi colleghi spesso non lo fanno.
Molte di queste piccole collezioni sono ancora ospitate nelle case originali dei loro proprietari e riflettono le loro personalità. Alcuni di essi vantano collezioni che avrebbero avuto un posto privilegiato nei musei più grandi, ma le ambientazioni domestiche consentono un senso di intimità difficile da trovare in vaste gallerie. E nonostante le loro idiosincrasie, questi musei di casa spesso offrono un raro ingresso nella storia e nel carattere di una città. Ecco quattro preferiti:
Londra
Museo di Sir John Soane
Fu una sera umida di Londra quando attraversai la grande e frondosa piazza di Lincoln's Inn Fields verso una fila raffinata di case di città georgiane dai colori scuri. A un esame più attento, la facciata del n. 13 annunciava che non si trattava di una casa normale: infilzati nella loggia italiana, o veranda, di cremosa pietra di Portland, c'erano quattro piedistalli gotici, mentre una coppia di repliche di antiche cariatidi greche erano montate sopra. Ma questi sviluppi lasciano intendere solo il meraviglioso mondo che si trova all'interno dell'antica dimora di Sir John Soane (1753-1837), uno degli architetti più illustri della Gran Bretagna - e diligenti collezionisti. Soane non solo ha trasformato la sua casa in un sontuoso museo privato, ma ha fornito che nulla poteva essere modificato dopo la sua morte. Di conseguenza, il Museo di Sir John Soane potrebbe essere la destinazione più eccentrica in una città che pullula di attrazioni eccentriche. Visitandolo, senti che Soane stesso potrebbe avanzare in qualsiasi momento per discutere dei classici su un brandy. Per preservare l'intimità dell'esperienza, all'interno sono ammessi solo 50 visitatori alla volta. E l'evocazione di un tempo passato è ancora più intensa se visiti, come ho fatto io, il primo martedì sera del mese, quando il museo è illuminato quasi interamente da candele.
Quando suonai il campanello, l'imponente porta di legno si aprì per rivelare un signore dai capelli grigi che avrebbe potuto benissimo essere il maggiordomo di Soane. Mentre firmavo il libro mastro dell'ospite, un addetto si agitò sopra il cappotto e l'ombrello, portandoli in salvo. Sono stato quindi introdotto in un salotto rosso pompeiano.
"Spero che ti piaccia la casa, " sussurrò l'assistente.
Su ogni tavolo e mensola del camino, candele accese in cilindri di vetro. Mentre camminavo con cautela lungo un passaggio, i miei occhi si adattarono alla luce e cominciai a scorgere composizioni di manufatti e mobili che sono cambiati a malapena in 170 anni. La casa è un labirinto dal design intricato, pieno di arte: busti classici, frammenti di colonne e fregi greci, vasi cinesi e statue di divinità greche e romane, tra cui un cast del famoso Apollo Belvedere . Poco più di un centimetro dello spazio della parete è stato sprecato, eppure l'effetto non è claustrofobico: gli archi e le cupole si innalzano verso l'alto, gli specchi convessi offrono viste estese e balconi che sbadigliano sui cortili interni. Come ogni decente gabinetto di curiosità, i display includono anche stranezze come un "grosso fungo dalle rocce dell'isola di Sumatra" (come lo descrisse Soane nel suo inventario del 1835) e un ramo dall'aspetto particolare di un frassino. Aggiungendo al senso del mistero, e in linea con i desideri di Soane, non ci sono etichette su nessuno dei manufatti, anche se alcune informazioni sono ora fornite su "pipistrelli" di legno portatili che siedono discretamente sui tavoli di ogni stanza.
"Le persone rispondono davvero alle serate a lume di candela", afferma il direttore del museo, Tim Knox. In effetti, i guardiani, come vengono chiamate le guardie del museo, hanno iniziato a spegnere le luci durante le ore diurne, mi dice, "per migliorare l'atmosfera del periodo. La penombra fa sì che le persone guardino davvero le mostre".
Soane è stato il principale architetto britannico per quasi cinque decenni e le sue numerose commissioni sono tutt'attorno a Londra: la Dulwich Picture Gallery; il Royal Hospital, Chelsea; Pitzhanger Manor-House. (Anche le cabine telefoniche rosse iconiche della Gran Bretagna sono state ispirate dal design di Soane per la tomba di sua moglie nei giardini di St. Pancras.) Ma era nella sua stessa casa - progettata per enfatizzare ciò che Soane chiamava "effetti fantasiosi che costituiscono la poesia dell'architettura" - che alla sua creatività è stata data la massima libertà. Dal 1792 al 1824, Soane acquistò, demolì e ricostruì tre case di città lungo la piazza, a partire dal n. 12 e passando ai 13 e 14. Inizialmente erano a casa sua, sua moglie e i loro due figli, ma a partire dal 1806, quando fu nominato professore di architettura presso la Royal Academy, iniziò a usarli per mostrare i suoi progetti e modelli architettonici. Col tempo, la sua crescente collezione di antichità divenne più importante e, con infinita inventiva, ridisegnò i suoi interni per mostrare i manufatti a pieno effetto.
Gli oggetti venivano posizionati in modo che ogni turno offrisse una scoperta. Un minuto ti troverai di fronte a una splendida statua romana in marmo di Diana di Efeso. Il prossimo, entrerai nella Picture Room, fiancheggiata da dipinti come Hake's Rake's Progress, una serie di otto immagini che rappresentano il declino di un giovane aristocratico edonista. Non appena hai finito di ammirare una serie di disegni piranesi di rovine romane, un guardiano apre un pannello nel muro per rivelare un gruppo di dipinti di Joseph Michael Gandy, disegnatore di Soane. Il guardiano dalle tempie grigie, Peter Collins, sfoggia un garofano nel bavero e un fazzoletto rosso nella tasca superiore. Ha lavorato al museo per dieci anni e conosce il suo pubblico. Fa una pausa per fare effetto prima di aprire l'ennesimo pannello, questa volta rivelando un balcone che si affaccia sulla collezione medievale - chiamata Monk's Par-lour - pieno di frammenti gotici e doccioni smorfici. In una nicchia vicina, una ninfa di bronzo a seno nudo si pone timidamente all'altezza degli occhi sopra un modello in scala del più impressionante risultato architettonico di Soane, la Bank of England. (La banca, su cui ha lavorato per 45 anni, è stata demolita negli anni '20 come obsoleta, una mossa che molti storici dell'architettura considerano una parodia.)
Il clou della collezione si trova nel seminterrato, dove l'arte funeraria si ingombra intorno al sarcofago di alabastro del faraone egiziano Seti I — l'orgoglio e la gioia di Soane, acquistato nel 1824 per la somma di £ 2.000 (circa $ 263.000 oggi) dall'avventuriero italiano Giovanni Belzoni . Nel 1825 Soane organizzò una serie di "feste di sarcofago" a lume di candela per celebrare il suo arrivo. Alle stravaganze sociali hanno partecipato luminari come il duca di Sussex, il vescovo di Londra, il poeta Samuel Cole Ridge e il pittore paesaggista JMW Turner. Barbara Hofland, ospite, scriverà che all'evento le figure emersero come fantasmi dalle "profonde masse di ombre" e che le candele brillavano "come aloni lucenti intorno alle teste di marmo, " creando un effetto "come in un sogno dell'elisio del poeta".
Tra le molte statue del museo, è facile perdere il busto di Soane del 1829 al primo piano, posto sopra le statuette di Michelangelo e Raffaello. Figlio di un muratore, Soane è nato da umili origini; per la sua abilità nello sketch, ha vinto una borsa di studio per visitare l'Europa, che gli ha permesso di visitare l'Italia e sviluppare una passione per l'arte greco-romana. Quando morì all'età di 83 anni, Soane era una delle persone più illustri della Gran Bretagna, un uomo, come scrisse Hofland degli ospiti del partito del sarcofago, apparentemente "esente dai mali comuni della vita, ma sveglio con tutte le sue generose sensibilità ".
Questa felice impressione è rafforzata da un disegno di Gandy della famiglia nel 1798: Soane e sua moglie Elisabetta mangiano panini imburrati mentre i loro due giovani figli, John e George, corrono nelle vicinanze. Certo, Soane non era più immune ai capricci del destino di tutti noi. La sua ambizione più affettuosa era stata quella di fondare una "dinastia di architetti" attraverso i suoi figli, ma John era stato annientato dai suoi 30 anni a causa del consumo e George è cresciuto fino a diventare il rastrello, accumulando debiti enormi e persino pubblicando attacchi anonimi sull'architettura di suo padre . Inoltre, Soane potrebbe non essere stato il padre più semplice. "Potrebbe essere un uomo di grande fascino", afferma l'archivista del museo Susan Palmer, "ma era anche molto motivato, molto permaloso e lunatico, con un vero chip sulle spalle per le sue povere origini".
Temendo che George avrebbe venduto la sua collezione quando morì, Soane provvide alla sua perpetuazione nella sua volontà e fu in grado di garantire un atto del Parlamento nel 1833 per garantire che la sua casa sarebbe rimasta un luogo, come ha scritto, per "Dilettanti e studenti in Pittura, scultura e architettura ". Di conseguenza, il museo di Soane è gestito fino ad oggi dalla Soane Foundation, anche se negli anni '40 il governo britannico ha assunto le spese di manutenzione per tenerlo libero al pubblico, come lo è stato dalla morte di Soane nel 1837. " Per fortuna il signor Soane non andava d'accordo con il giovane George "osservò uno dei guardiani con una risata. "Sarei senza lavoro!"
Mi trascinai al piano di sotto attraverso la penombra, ripresi il cappotto e l'ombrello e mi diressi verso la Taverna della nave, un pub del XVI secolo dietro l'angolo. Mentre scavavo nella torta di un pastore, ho ricordato le parole di Benjamin Robert Haydon, un altro ospite della festa del sarcofago: "È stato il miglior divertimento immaginabile vedere le persone entrare nella Biblioteca dopo aver vagato sotto, tra tombe e capitali, e alberi, e teste senza naso, con una sorta di espressione di felice sollievo nel ritrovarsi tra i vivi, e con caffè e dolci ".
Parigi
Musée Jacquemart-André
Ci sono dozzine di piccoli musei sparsi per Parigi e i loro mecenati più devoti sono gli stessi parigini. Alcuni hanno collezioni sostanziali, come il Musée Carnavalet, specializzato nella storia drammatica della città e mostra oggetti come un busto di Marat, un modello della Bastiglia e ciocche di capelli di Maria Antonietta. Altre sono le ex residenze di santi artisti e scrittori francesi: lo studio di Delacroix, l'appartamento di Victor Hugo e l'apparentemente affascinante Maison Balzac, la cui mostra più illustre è la caffettiera monogramma dell'autore.
Ma nessuno ispira tanta lealtà come Jacquemart-André.
Se il Museo di Sir John Soane distilla l'eccentrico genio di Londra, il Musée Jacquemart-André è l'altezza di Le Bon Goût, buon gusto. Più un museo di palazzo che un museo di casa, era comunque a casa degli intenditori Édouard André e sua moglie, Nélie Jacquemart, una coppia favolosamente ricca che negli anni 1880 e '90 costruirono il loro mondo autonomo di arte e bellezza sul Boulevard Haussmann —Un viale alla moda sulla riva destra, non lontano dagli Champs-Élysées — pieno di capolavori che i curatori del Louvre desiderano senza dubbio fino ad oggi.
A prima vista, il museo non potrebbe essere più diverso da quello di Soane. Scoppiando di colore, trasuda un rigoglioso senso dello spazio. Ma non meno di quello di Soane, riporta i visitatori in un'altra epoca: in questo caso, la Parigi de La Belle Époque, quando la città fiorì come capitale europea dell'eleganza e fino all'età d'oro ancora precedente di Luigi XV e Luigi XVI.
Non appena un passo dal vecchio vialetto della carrozza conduce in un cortile formale, il suono del traffico parigino svanisce. Salendo ampi gradini di pietra abbelliti da leoni scolpiti, si sente un filo di privilegio, come un ospite che è stato invitato a una serata privata. All'interno, si incontra un ritratto di tre quarti dello stesso maestro, Édouard André, una figura accattivante nell'uniforme della Guardia Imperiale sotto l'imperatore Napoleone III, completa di broccato d'oro e calzoni scarlatti. Una gardienne ben curata introduce gli ospiti nella Pinacoteca, dove continua la seduzione. André aveva una passione per l'arte francese del 18 ° secolo, alimentato dalla sua nostalgia per i giorni pre-rivoluzionari, e il primo piano è dedicato ad esso. Su tele con cornici dorate, voluttuose dee galleggiano nude sulle nuvole e bambini dalle guance rosee posano con uccelli e gattini. Un visitatore si sposta dal Grand Salon dorato alla imponente Sala della Musica, dove una volta gli ospiti formalmente riuniti si radunavano per i concerti, poi al Winter Garden con tetto in vetro, pieno di piante esotiche e marmo luccicante, dove una stravagante doppia scala a chiocciola sale fino al secondo piano.
E così la casa si svolge, offrendo una galleria abbagliante dopo l'altra. La Biblioteca, dove Édouard e Nélie scrutavano i cataloghi d'arte e tracciavano i loro acquisti, ospita la loro gamma di dipinti olandesi di livello mondiale, tra cui tre Rembrandts e tre Van Dycks. Ceramiche giapponesi e antichità persiane animano la sala fumatori, dove Édouard si ritirava dopo cena con i suoi compagni maschi per fumare sigari e discutere le questioni del giorno, mentre la sala degli arazzi, utilizzata per gli incontri di lavoro, è fiancheggiata da scene della vita contadina russa creata dalla fabbrica di arazzi di Beauvais nel 1767. Mentre si sale al secondo piano, un giocoso affresco Tiepolo sulla parete della scala raffigura l'arrivo di Enrico III a Venezia. Il livello superiore è dedicato al "Museo italiano" della coppia, una sala per la scultura rinascimentale, una seconda per l'arte fiorentina, tra cui due dipinti di Botticelli e una terza sala per l'amata collezione di arte veneziana di André.
Il palazzo, progettato per André dall'architetto Henri Parent, fu completato nel 1875, quando il Boulevard Haussmann era uno dei nuovi indirizzi chic di Parigi e André era uno degli scapoli più idonei della città. Erede di un'enorme fortuna bancaria, era diventato disilluso dalla vita pubblica e aveva deciso di dedicarsi alla raccolta di opere d'arte e alla pubblicazione di un giornale di belle arti. Nel 1881, quando aveva quasi 50 anni, sposò Nélie Jacquemart, la donna che aveva dipinto il suo ritratto nove anni prima. In molti modi, era una partita improbabile per questo aristocratico boulevardier. Quasi quarantenne, Jacquemart non era una reginetta dell'alta società. Era una donna indipendente da un umile background - evidentemente illegittima - che si era sostenuta come ritrattista, un risultato abbastanza insolito per una donna in quel momento.
È stato un matrimonio basato su gusti condivisi. Durante i loro 13 anni insieme, la coppia ha viaggiato per una parte di ogni anno, molto spesso in Italia, dove hanno partecipato alle aste con l'aiuto di esperti del Louvre, che erano motivati a vincere arte per la Francia. Dopo la morte di Édouard nel 1894, all'età di 61 anni, Nélie continuò a girare il mondo, arrivando fino in Birmania per i suoi acquisti. Alla sua morte all'età di 71 anni nel 1912, donò la casa all'Institut de France (un'organizzazione accademica che gestisce fondazioni e musei) a condizione che la collezione rimanesse intatta, in modo che il pubblico francese potesse vedere, ha detto nel suo testamento, "dove una coppia di amanti dell'arte amatoriale ha vissuto una vita di divertimento e lusso."
In effetti, c'è un enorme piacere da trarre dal vedere i dipinti e le sculture della coppia mescolati con i loro oggetti d'arte e mobili raffinati in un ambiente domestico. Dopo un po ', tuttavia, anche il gusto migliore può essere un po' prepotente. I visitatori non possono fare a meno di parlare in toni sommessi per non stravolgere lo squisito equilibrio.
Ma la dimora esplode in una vita esuberante nella Sala da pranzo - l'antico cuore della dimora originale - che è stata convertita in uno dei più sontuosi bar-ristoranti di Parigi. In questa ariosa sala, dove la coppia intratteneva gli amici sotto sontuosi arazzi, ora si può godere di una salata nizzarda e un bicchiere di sauvignon bianco. C'è una strana sensazione di essere guardati qui, e non solo dagli altri commensali: il soffitto è uno scherzo meraviglioso, un altro affresco del Tiepolo - questo raffigurante una folla di nobili veneziani appoggiati su una balaustra, che punta e sorride ai commensali sottostanti.
Arroccato sul caminetto è un busto di Nélie Jacquemart. Molti non si sono adattati al set alla moda della città - più tardi nella vita, si è ritirata nel suo castello rurale, Chaalis, oggi un altro museo della grande casa, a 30 miglia fuori dalla città - ma sicuramente ha avuto un fiero orgoglio nella sua collezione, e uno la immagina ancora crogiolarsi nel piacere che crea.
Madrid
Museo Sorolla
Madrid è una città dalle facciate stravaganti le cui vere attrazioni si trovano a porte chiuse. Nascosto dietro un muro di pietra nell'ex quartiere popolare di Chamberí, a dieci minuti di taxi dal trambusto di Plaza Mayor nel centro di Madrid, si trova il Museo Sorolla pieno di sole. L'ex casa e studio d'arte di uno dei pittori più amati della Spagna, Joaquín Sorolla y Bastida, è un succulento giardino di fontane tintinnanti e fiori esuberanti, un'esplosione di colori mediterranei e gioia di vivere .
Dal 1911 al 1923, questa casa in stile andaluso è stata la residenza di uno degli artisti più famosi al mondo. Nato da un'umile famiglia a Valencia nel 1863, Sorolla tenne le distanze dai movimenti d'avanguardia dell'Europa, ma conquistò fama internazionale per la sua tecnica sottile, evocando il gioco del sole nelle sue scene di spiagge mediterranee e immagini della vita quotidiana spagnola.
Entrare nei seducenti confini del complesso, dove Sorolla viveva con sua moglie e tre figli, è come entrare in uno dei quadri luminosi dell'artista. Con i suoi fiori moreschi, le piscine tranquille e il suono sempre presente dell'acqua che scorre, il giardino era il luogo in cui amava dipingere di più. Quando ho visitato, l'Arcadia privata di Sorolla era piena di seri studenti d'arte che sperimentavano acquerelli in angoli ombrosi. Gradini piastrellati conducono alla casa, le cui prime stanze espongono le sue opere, proprio come hanno fatto 80 anni fa per i potenziali acquirenti. Gli spazi abitativi della casa contengono i mobili originali della famiglia in stile Liberty e le lampade Tiffany. Ma il nucleo emotivo della casa è lo studio di Sorolla, una grande stanza a volta dipinta di un rosso rosato e soffusa dal sole. I cavalletti di Sorolla sono pronti, come se fosse appena partito per una siesta; le sue tavolozze, i pennelli e i tubi per pittura usati a metà sono vicini. Un piccolo letto turco occupa un angolo della stanza e un libro di canzoni del 16 ° secolo è aperto su un supporto. Presiede tutto un disegno di Sorolla del famoso ritratto di Papa Innocenzo X di Velázquez.
Sorolla si trasferì nella casa, che aveva costruito, nel 1911, al culmine della sua carriera. A quel punto aveva esposto le sue opere da Londra a St. Louis, nel Missouri, e aveva ricevuto premi internazionali, aveva stretto amicizia con intellettuali e artisti, tra cui John Singer Sargent, aveva dipinto il ritratto del re spagnolo Alfonso XIII e del presidente degli Stati Uniti William Howard Taft e, sotto il patrocinio dell'erede della ferrovia-fortuna Archer Huntington, era stato incaricato di dipingere un vasto murale nella Hispanic Society of America a New York City.
Dopo la sua morte a 60 anni nel 1923, la reputazione internazionale di Sorolla subì, offuscata dal lavoro di post-impressionisti come Cézanne e Gauguin. Come con il suo amico Sargent, molti critici decisero che Sorolla era troppo conservatrice e commerciale. Ma a Madrid, la posizione artistica di Sorolla non è mai stata scossa, e sin dalla sua apertura da sua vedova e suo figlio nel 1931, il Museo Sorolla, che ospita anche la più vasta collezione di sue opere al mondo, ha goduto di un flusso costante di pellegrini. Oggi la loro fede viene rivendicata; Sorolla viene rivalutata dalla critica, che lo pone come un ponte tra vecchi maestri spagnoli come Velázquez e Goya e i post-impressionisti. Nel 2006, il prestigioso Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid ha ospitato "Sargent / Sorolla", una mostra che ripercorre le carriere parallele della coppia.
Al Museo Sorolla, come in tutti i musei di casa, un accordo di malinconici intrusi: l'artista, apprendiamo, stava dipingendo un ritratto nel suo amato giardino nel 1920 quando, all'età di 57 anni, ebbe un ictus. Sebbene visse per altri tre anni, produsse poco nuovo lavoro. Ma meditazioni così cupe non si adattano alla casa o allo spirito sensuale della Madrid moderna. La soluzione migliore - come probabilmente lo stesso Sorolla avrebbe concordato - è quella di andare in un bar vicino a sorseggiare un bicchiere di vino bianco e crogiolarsi al sole spagnolo.
Praga
The Black Madonna House: The Museum of Czech Cubism
Indenne da due guerre mondiali, il cuore di Praga sembra una fantasia della Vecchia Europa. Guglie gotiche incorniciano i caffè in stile Art Nouveau e sull'orologio astronomico medievale, accanto alla casa d'infanzia di Franz Kafka in Piazza della Città Vecchia, una statua della morte tira ancora il campanello per colpire l'ora. Ma se giri per una strada barocca chiamata Celetna, ti imbatti in un aspetto molto diverso della città: la severa e sorprendente Black Madonna House, uno dei primi edifici cubisti al mondo e oggi sede del Museo del cubismo ceco. Progettata dall'architetto praghese Josef Gocar, la casa era incredibilmente moderna, persino rivoluzionaria, quando fu aperta come grande magazzino nel 1912, e sembra ancora così oggi. La forma complessiva è opportunamente a forma di scatola e prevedibilmente austera, ma a un esame più attento la facciata è rotta dall'uso inventivo di angoli e piani. Grandi vetrate sporgono come cristalli di quarzo e ornamenti angolari proiettano ombre sottili. L'interno non è meno insolito, con il primo uso della città di cemento armato che consente la costruzione di generosi spazi aperti. Il nome peculiare della casa deriva dalla statua seicentesca della Madonna col Bambino nera, salvata da una precedente struttura sul sito e ora arroccata come una polena su un angolo dell'edificio.
Ma nemmeno la Madonna poteva proteggere la casa dai capricci della storia ceca. Dopo la seconda guerra mondiale e l'ascesa al potere dei comunisti, il grande magazzino fu gradualmente sventrato e diviso in spazi per uffici. Dopo che la Rivoluzione di velluto del 1989 pose fine al dominio comunista, l'edificio ebbe una breve vita come centro culturale, ma fu solo nel 2003 che trovò il suo ruolo logico nel tessuto di Praga, come un santuario delle glorie del cubismo ceco.
La maggior parte di noi pensa al cubismo come a un movimento esoterico d'avanguardia avanzato dagli artisti parigini Pablo Picasso, Georges Braque e altri negli anni precedenti la prima guerra mondiale. Ma il movimento si diffuse in tutta Europa e fu abbracciato anche nelle capitali della Russia e dell'Europa orientale— da nessuna parte più avidamente che a Praga, dove il cubismo è stato preso di mira, se non altro per un momento incandescente, come possibile chiave per il futuro.
"A Parigi, il cubismo ha interessato solo la pittura e la scultura", afferma Tomas Vlcek, direttore della Collezione di arte moderna e contemporanea presso la Galleria nazionale del paese, che sovrintende al Museo del cubismo ceco. "Solo a Praga il cubismo è stato adattato a tutte le altre branche delle arti visive: mobili, ceramiche, architettura, grafica, fotografia. Quindi il cubismo a Praga è stato un grande esperimento, una ricerca di uno stile moderno onnicomprensivo che potesse essere distintamente Ceco."
La coterie di cubisti cechi - principalmente Gocar, Otto Gutfreund e Bohumil Kubista - si riunirono per la prima volta nel 1911, fondando una rivista chiamata Artistic Monthly e organizzando le proprie mostre negli anni precedenti la prima guerra mondiale. Fu un periodo di intenso ottimismo ed energia in Praga. Questa piccola metropoli dell'Europa orientale, una delle più ricche dell'Impero austro-ungarico, attinse alle sue vibranti tradizioni ceche, tedesche ed ebraiche per un'esplosione creativa. Artisti espatriati stavano tornando da Parigi e Vienna per condividere nuove idee radicali nei saloni; Kafka stava scrivendo le sue prime storie da incubo; Albert Einstein era docente in città come professore. "Era qualcosa di simile al paradiso", dice Vlcek, sembrando malinconico.
Oggi, il Museo del cubismo ceco è un santuario dell'apogeo del movimento (1910-19), con l'edificio stesso come la mostra principale. L'ingresso è uno studio angolare in ferro battuto. All'interno, si sale immediatamente una scala di design cubista. A differenza delle scale di Nude Descending a Staircase di Marcel Duchamp, i gradini sono fortunatamente uniformi, ma la balaustra in metallo è una complessa interazione di forme geometriche. Ci sono tre piani di mostre cubiste, pieni di forme d'arte uniche a Praga. Eleganti divani, specchiere e sedie a sdraio condividono linee drammaticamente oblique. Ci sono sculture e dipinti astratti, grafiche audaci e zigzaganti e vasi con gli occhi, specchi e tazze di frutta.
Anche se questo potrebbe non essere rigorosamente un museo di casa, ha un'atmosfera domestica. I numerosi ritratti in bianco e nero di artisti oscuri con cappelli a bombetta e cravatte a farfalla rivelano un cast fiorente e bohémien di personaggi: un divano, apprendiamo, è stato "progettato per l'attore Otto Boleska", un altro per "il professor P. Zaviska. " Quella che suona come una parodia di Woody Allen di autoassorbimento culturale cattura la natura idiosincratica della stessa Praga, una città che è orgogliosa della sua storia più arcana. E come tutti i piccoli musei in contatto con le loro origini, caratteristiche uniche hanno riportato in vita i fantasmi. I visitatori possono ora ritirarsi nel ristorante cubista originale dell'edificio, il Grand Café Orient, progettato da Gocar nel 1912. Questo ritrovo di artisti un tempo popolare fu chiuso negli anni '20 e sventrato durante l'era comunista, ma meticolosi ricercatori usarono i pochi piani sopravvissuti e fotografie per ricrearlo. Ora, dopo una pausa di otto anni, una nuova generazione di bohémien può sistemarsi sotto i candelieri cubisti su sedie cubiste (non così scomodi come sembrano) per discutere di politica su una pinta di Pilsener non pastorizzato. Infine, al piano terra, il negozio del museo ha ricreato una gamma di tazze da caffè, vasi e set da tè cubisti dai disegni originali dell'architetto e artista Pavel Janak, e offre riproduzioni di mobili cubisti di Gocar e altri.
Dopo un pomeriggio immerso in tutti quegli angoli, ho iniziato a notare sottili tracce cubiste nella cornucopia architettonica delle strade di Praga, ad esempio sulla porta di un ex quartier generale del sindacato e su un arco elegante che incornicia una scultura barocca accanto a una chiesa . Ispirato, ho deciso di rintracciare un lampione cubista di cui avevo sentito parlare, progettato nel 1913 da un Emil Kralicek. Ci è voluto un po 'di lotta con i nomi delle strade ceche, ma alla fine l'ho trovato in un vicolo nella Città Nuova: sembrava una catasta di cristalli posizionati all'estremità.
Potevo immaginare Sir John Soane, trasportato nella moderna Praga, che si fermava davanti a essa con sfacciata ammirazione.
L' ultimo libro di Tony Perrottet, Napoleon's Privates, una raccolta di storie eccentriche della storia, esce questo mese da HarperCollins.
