È uno spettacolo familiare a tutti i visitatori dell'asse della storia dell'arte di New York, il Metropolitan Museum of Art: artisti con cavalletti parcheggiati di fronte ad alcuni dei più grandi capolavori della collezione, dipingendo o disegnando le immagini che vedono di fronte a loro in uno stato di quasi folle concentrazione pazza. Ma cosa ci fanno lì, comunque? No, non sono lì per riempire lo spazio del pavimento o addirittura per plagiare i grandi: come l'artista Laurie Murphy scrive nel blog del museo, fanno parte del programma più lungo del museo.
Il programma Copyist è attivo da soli due anni dopo l'apertura del museo nel 1870. Progettato per rendere il museo una sorta di studio esteso per artisti, apre il museo agli artisti su base individuale e di gruppo. I candidati devono fare domanda per copiare un singolo pezzo d'arte, specificare il supporto che intendono utilizzare e inviare immagini digitali della propria opera d'arte da accettare. Una volta ammessi al programma, sono concessi fino a otto settimane da trascorrere nelle gallerie, soggetti a una serie di termini e condizioni che includono la non pittura su grandi tele o la vendita delle loro opere. (I visitatori che preferiscono disegnare solo con la matita non hanno bisogno del permesso, ma devono attenersi alle linee guida del museo.)
Sebbene possa sembrare controintuitivo per gli artisti in via di sviluppo copiare il lavoro di altri, in realtà è stata una parte vitale delle arti visive per millenni. I grandi maestri erano regolarmente impegnati nel processo, guadagnando le braciole dei loro pittori da coloro che venivano prima di loro. Paul Cézanne, per esempio, era ossessionato dal lavoro di Eugène Delacroix, che copiava ripetutamente il suo lavoro nel tentativo di rendere un tributo degno della sua musa. Anche Vincent van Gogh copiò l'arte e, come sottolinea Murphy, i copisti dell'opera di Caravaggio contribuirono a preservare dipinti che altrimenti sarebbero andati perduti nel tempo.
Oggi, il programma copista del Met e programmi simili al Louvre, la National Gallery of Art e altre istituzioni sono ambiti, competitivi e amati dal pubblico che guarda gli artisti in mostra. Ma i copisti non erano sempre venerati. Come scrive Paul Duro, molti visitatori dei musei del XIX secolo presumevano che le donne copiste fossero ragazze ricche con patrocinio del governo o grandi assegni dei loro padri, non artisti seri. E nel 1887, il New York Times pubblicò un articolo che derideva i copisti al Louvre come "queste personificazioni dell'ironia che sono state lanciate ai piedi di capolavori ... povera gente ridicola che raccoglie briciole e elemosine d'arte ai piedi del di Dio."
Fortunatamente, quella visione dei copisti è svanita - dopotutto, l'imitazione è una forma sia di adulazione che di apprendimento, e tutti, dai critici d'arte ai capi dei musei, accolgono calorosamente la pratica. Si scopre che nonostante la loro incapacità di parlare, dipinti inanimati e altre opere d'arte possono comunicare importanti lezioni agli artisti che perfezionano il loro mestiere. Quindi la prossima volta che vedi un copista, non incolparli per aver acquisito preziose gallerie immobiliari. Piuttosto, dai un'occhiata al loro lavoro e goditi la possibilità di vedere un'educazione artistica in tempo reale. E se ti piacciono i copisti, il Met sta attualmente accettando domande per la sua stagione autunnale 2016.
