Quando ha colto per la prima volta l'attenzione del fotografo cileno Camilo José Vergara nel 1978, è stata una delle ultime vestigia della vecchia Harlem: il Purple Manor Jazz Club, con i caratteristici vetri ondulati e dipinti di conseguenza.
Ma nei quasi quattro decenni in cui ha continuato a fotografare la vetrina della 65 East 125th Street di Harlem, a volte un paio di volte l'anno, Vergara l'ha visto trasformarsi in più di una dozzina di incarnazioni diverse: un microcosmo dei rapidi cambiamenti del quartiere.
Come visto drammaticamente in più di 21 stampe nella nuova mostra "Down These Mean Streets: Community and Place in Urban Photography" presso lo Smithsonian American Art Museum, lo stabilimento è stato diviso in due facciate di negozi nel 1980, solo uno dei quali aveva ancora finestre distintive. L'altro era diventato un negozio di fish and chips.
Poco dopo scomparve, sostituito da un negozio di varietà scontato nel 1981, le finestre ondulate a destra scomparvero del tutto. Prima della fine di quel decennio, il negozio sulla sinistra era un ufficio, poi un negozio di mobili da cucina mentre il lato destro divenne un negozio di fumo aperto 24 ore su 24 che riuscì a resistere per quasi un decennio.
Durante quel periodo, il lato sinistro era una boutique unisex con cicatrici di graffiti trasformata in Beauty Stop, quindi un negozio di abbigliamento che ha suonato l'anno corrente (2001). Poi le impalcature salirono e fu un altro showroom di materassi urbani generico. Non è durato; è stato trasformato nelle immagini più recenti della serie in mostra in una chiesa universale del negozio.
"Mentre analizziamo le fotografie", afferma E. Carmen Ramos, curatrice dell'arte latina al museo, "vediamo la lenta erosione della storia e l'intraprendenza dei residenti e degli imprenditori che trattano risorse limitate durante il periodo di la crisi urbana. "
La "crisi urbana" - un momento in cui la produzione nelle città statunitensi è crollata, i bianchi si sono trasferiti e la povertà è proliferata per coloro che sono rimasti indietro dagli anni '60 - si profila nella mostra di dieci fotografi, che hanno documentato a modo loro la trasformazione delle città americane nell'ultima metà del 20 ° secolo.
Un'altra serie nella mostra, Aree di transito pubblico, di Anthony Hernandez, nota l'effetto sull'altro lato del paese a Long Beach, in California, dove quelli lasciati fuori dalla fiorente auto e dalla cultura dell'autostrada sono visti in otto diversi 16 per 20- stampe in bianco e nero di pollice, in attesa apparentemente per sempre alle fermate degli autobus lungo ampie strade urbane in gran parte vuote. Che macchine ci sono di velocità in una sfocatura.
"Inizi a vedere quante volte le persone che aspettano l'autobus tendono ad essere persone anziane, o afroamericani o latini", afferma Ramos. "Una cosa che non vedi mai in questa serie sono gli autobus."
Mentre alcuni vedono paesaggi urbani desolati, tuttavia, alcuni artisti hanno immaginato cosa potrebbero essere.
Ruben Ochoa crea una grande stampa lenticolare che sembra spostarsi mentre si cammina verso di essa, eliminando parte del muro dell'Interstate 10 che si snoda attraverso East Los Angeles e rivelando parte della vegetazione lussureggiante che ha eliminato.
Simili possibilità per i siti urbani dimenticati sono offerte dall'artista di Newark, New Jersey, Manuel Acevedo, che disegna le ossa di possibili strutture derivanti da lotti altrimenti vuoti.
"Quello che volevo fare era creare queste finte proposte per questi interventi", afferma Acevedo. Li disegna sulla sua stampa originale, li fotografa di nuovo e li fa esplodere in dimensioni un po 'eroiche come la stampa da 40 per 60 pollici di un angolo proibitivo a Newark.
Due delle sue proposte disegnate per un lotto vuoto ad Harford suggeriscono un edificio o uno stadio; un altro sembra più un recinto che separa le scintillanti guglie del centro dalle sue distese meno fortunate.
Alcuni si aspetterebbero di vedere i desolati paesaggi urbani del South Bronx in uno spettacolo del genere, e alcuni ci sono, ma le opere di Oscar R. Castillo mostrano alcune vivaci organizzazioni della comunità che servono i quartieri, così come le opere di Perla de Leon. Nei suoi pezzi e in molti di quelli di fotografi che si concentrano sulla ritrattistica dei residenti, è l'allegria e la gioia dei bambini che creano il proprio scenario di gioco dall'ambiente circostante usando solo la loro immaginazione.
Come indica il titolo, tratto dal libro di memorie di This Mean Streets del 1967 di Piri Thomas, alcuni di questi marciapiedi possono essere difficili. Ma per i bambini sono i campi da gioco di tutti i giorni. Ovviamente giocano di fronte allo spruzzo estivo di idranti degli spari di Hiram Maristany, ma le loro strade sono imbevute di gesso a campana, non di simboli di gang. Winston Vargas mette in risalto le personalità audaci dei giovani a Washington Heights a New York, nonché una celebrazione del matrimonio. Frank Espada, in alcune delle prime stampe dello spettacolo, 1963, fa sorridere i bambini.
Il pittore John M. Valadez mette in risalto l'orgoglio, la spavalderia e il senso della moda nella sua serie di ritratti urbani East Los Angeles degli anni '70, che si distinguono anche perché sono a colori anziché in bianco e nero.
"Lo Smithsonian American Art Museum ha una delle più grandi collezioni di arte latina in un importante museo d'arte", afferma Ramos. E quasi tutte le 97 opere dello spettacolo sono tratte dalla sua collezione, acquistata attraverso lo Smithsonian Latino Initiatives Pool gestito dallo Smithsonian Latino Center.
Il museo continua anche ad acquisire arte latina e aggiungerà alle sue collezioni, ad esempio, eventuali aggiunte future alla serie 65 East 125th Street di Vergara, raccontando le future modifiche a quel negozio fino a quando il fotografo lo terrà d'occhio. Il museo ha già 26 immagini della serie: la mostra poteva contenere solo 21.
Per artisti come Acevedo, la rivelazione della mostra è arrivata nel vedere quanti altri fotografi erano là fuori allo stesso tempo, mentre raccontavano le loro comunità, ignari del fatto che anche altri lo stessero facendo.
"Avendo tutti questi elementi, si parlano tra loro", afferma Acevedo dei diversi approcci in mostra. “Non conoscevo nessuno di questi fotografi quando lavoravano. Gli artisti degli anni '70 lavoravano tutti allo stesso modo in diversi barrios: non c'erano riferimenti reali.
“Questa è la prima volta che puoi venire a uno spettacolo, credo, e puoi davvero concettualizzarlo. Puoi parlare di quei numerosi decenni, dei legami e degli interessi. "
"Down These Mean Streets: Community and Place in Urban Photography" continua fino al 6 agosto allo Smithsonian American Art Museum di Washington, DC
