Pittore, provocatore, rischio e rivoluzionario, Gustave Courbet avrebbe potuto dire: "Io offendo, quindi sono". Probabilmente terribile enfant originale di arte moderna, aveva una brama di polemiche che fa sembrare quasi convenzionali le carriere di più recenti shockmister come Jeff Koons, Damien Hirst e Robert Mapplethorpe. Come adolescente ribelle di una piccola città della Francia orientale, Courbet ignorò il desiderio dei suoi genitori di studiare legge e giurò, scrisse, "di condurre la vita di un selvaggio" e di liberarsi dai governi. Non si addolcì con l'età, disdegnando gli onori reali, rivelando tele conflittuali, persino salaci e attaccando i valori sociali stabiliti quando altri della sua generazione si stavano stabilendo in vite piene di premi e pensioni.
Courbet arrivò a Parigi nel 1839 all'età di 20 anni con l'intenzione di studiare arte. Significativamente, considerando il suo successivo assalto al dominio e alla rigidità dell'establishment artistico ufficiale, non si iscrisse all'Accademia di Belle Arti sanzionata dal governo. Invece prese lezioni in studi privati, fece schizzi nei musei e cercò consigli e istruzioni da pittori che credevano nel suo futuro. Scrivendo ai suoi genitori nel 1846 sulla difficoltà di farsi un nome e ottenere l'accettazione, disse che il suo obiettivo era "cambiare il gusto e il modo di vedere del pubblico". Farlo, ammise, non era "un compito da poco, perché significa niente di più e niente di meno che ribaltare ciò che esiste e sostituirlo".
Come portabandiera di un nuovo "realismo", che ha definito la rappresentazione delle cose familiari così come sono, sarebbe diventato uno dei pittori più innovativi e influenti della Francia della metà del XIX secolo. La sua dedizione alla rappresentazione della vita ordinaria modellerebbe in modo decisivo la sensibilità di Manet, Monet e Renoir una generazione dopo. E Cézanne, che ha elogiato l'artista più anziano per il suo "talento illimitato", avrebbe abbracciato e costruito la tesi di Courbet secondo cui la pennellata e la trama della vernice dovrebbero essere enfatizzate, non nascoste. Inoltre, organizzando i suoi spettacoli e commercializzando i suoi lavori direttamente al pubblico, Courbet ha preparato il palcoscenico per gli impressionisti in un altro modo. Dopo che i loro dipinti furono ripetutamente respinti dal Salone di Parigi (l'importantissima mostra d'arte annuale del governo francese), Monet, Renoir, Pissarro e Cézanne organizzarono la loro rivoluzionaria mostra nel 1874. Fu in quella mostra che un critico ribattezzò derisivamente il gruppo " impressionisti ". Chissà, scrisse il critico d'arte Clement Greenberg nel 1949, "ma che senza Courbet il movimento impressionista sarebbe iniziato circa un decennio più tardi di quanto non fosse?"
Courbet ha lavorato in tutti i generi, dalla ritrattistica, scene multi-figurali e nature morte a paesaggi, paesaggi marini e nudi. Lo ha fatto con una preoccupazione superiore per un'accurata rappresentazione, anche quando ciò significava ritrarre donne o lavoratori impoveriti impegnati in compiti esagerati - un approccio radicale in un momento in cui i suoi coetanei stavano dipingendo scene fantasiose di vita rurale, storie tratte dalla mitologia e celebrazioni di aristocratiche società. Le donne di Courbet erano carnose, spesso robuste. I suoi operai sembravano stanchi, i loro vestiti strappati e sporchi. "La pittura è un'arte essenzialmente concreta ", scrisse in una lettera ai potenziali studenti nel 1861, "e può consistere solo nella rappresentazione di cose sia reali che esistenti ".
Ha anche sviluppato la tecnica dell'uso di una spatola — e persino del suo pollice — per applicare e modellare la vernice. Questo metodo radicale - ora banale - gli spettatori conservatori inorriditi, abituati a vedere la vernice lucida levigata sulla superficie di un quadro, sono stati ridicolizzati da molti critici. Il rendering sensuale e l'erotismo delle donne nelle tele di Courbet scandalizzavano ulteriormente la borghesia.
Questi dipinti un tempo controversi fanno parte di un'importante retrospettiva del lavoro di Courbet al Metropolitan Museum of Art di New York City (fino al 18 maggio). La mostra, inaugurata lo scorso anno al Grand Palais di Parigi e continuerà al Musée Fabre di Montpellier, in Francia, presenta oltre 130 dipinti e disegni. Quasi tutte le tele importanti di Courbet sono state incluse, tranne A Burial at Ornans (p. 86) e The Painter's Studio (sopra) - i due capolavori su cui poggia la sua reputazione iniziale - perché erano considerati troppo grandi e troppo fragili per viaggiare.
Una nuova dimensione rivelatrice della mostra è la sua concentrazione sul volto che Courbet ha presentato al mondo. Una serie di autoritratti di arresto del 1840 e all'inizio del 1850 lo pubblicizzano come un giovane seducente in modalità Byronic, con i capelli lunghi e gli occhi castani liquidi. Uno di questi, The Desperate Man, non è mai stato visto negli Stati Uniti. In esso, Courbet si ritrae in uno stato di frenesia, confrontando lo spettatore con uno sguardo ipnotizzante. Pochi artisti dal Caravaggio avrebbero potuto portare fuori un ritratto così emotivamente estremo, composto da parti uguali di aggressività e fascino sorprendente.
I primi autoritratti, afferma Kathryn Calley Galitz del Met, uno dei curatori dello spettacolo, "rivelano che Courbet stava rispondendo in modo enfatico al Romanticismo, il che rende il suo successivo passaggio al Realismo ancora più significativo". Queste immagini registrano anche una giovinezza snella che si dimostrerebbe fugace. L'appetito di Courbet per mangiare e bere era gigantesco quanto la sua fame di fama. ("Voglio tutto o niente", scrisse ai suoi genitori nel 1845; "... entro cinque anni devo avere una reputazione a Parigi.") Man mano che ingrassava, arrivò ad assomigliare a niente di più di quello che lui era - un montone intellettuale, politico e artistico.
I conoscenti di Courbet a Parigi avevano l'impressione - abilmente incoraggiato dall'artista stesso - di essere un contadino ignorante che si era imbattuto nell'arte. In verità, Jean Désiré-Gustave Courbet, sebbene provinciale, era un uomo istruito di una famiglia benestante. Nacque nel 1819 a Ornans, nella regione montuosa della Franca Contea vicino al confine svizzero, da Régis e Sylvie Oudot Courbet. Régis era un prospero proprietario terriero, ma i sentimenti anti-monarchici infondevano la famiglia. (Il padre di Sylvie aveva combattuto nella Rivoluzione francese.) Le sorelle più giovani di Gustave - Zoé, Zélie e Juliette - servirono come modelli pronti per il disegno e la pittura del fratello. Courbet amava la campagna in cui era cresciuto e, anche dopo essersi trasferito a Parigi, tornava quasi ogni anno a cacciare, pescare e trarre ispirazione.
All'età di 18 anni, Courbet fu inviato al college di Besançon, la capitale della Franca Contea. Nostalgia di Ornans, si lamentava con i suoi genitori delle celle frigorifere e del cibo cattivo. Ha anche risentito di perdere tempo in corsi in cui non aveva interesse. Alla fine, i suoi genitori accettarono di lasciarlo vivere fuori dal college e prendere lezioni in un'accademia d'arte locale.
Nell'autunno del 1839, dopo due anni a Besançon, Courbet si recò a Parigi, dove iniziò a studiare con il barone Charles von Steuben, un pittore di storia che era regolarmente espositore al Salon. L'educazione più preziosa di Courbet, tuttavia, venne dall'osservazione e dalla copia di dipinti olandesi, fiamminghi, italiani e spagnoli al Louvre.
La sua prima sottomissione al Salon, nel 1841, fu respinta, e solo tre anni dopo, nel 1844, avrebbe finalmente avuto un dipinto, Autoritratto con cane nero, selezionato per l'inclusione. "Sono stato finalmente accettato alla Mostra, il che mi dà il massimo piacere", ha scritto ai suoi genitori. "Non è il dipinto che avrei voluto accettare di più, ma non importa ... Mi hanno fatto l'onore di regalarmi una location molto bella ... un posto riservato ai migliori dipinti in mostra. "
Nel 1844 Courbet iniziò a lavorare su uno dei suoi più famosi autoritratti, The Wounded Man (p. 3), in cui si autoproclamava un eroe martire. Il ritratto, che trasuda un senso di sessualità vulnerabile, è una delle prime esplorazioni di Courbet sulla pigrizia erotica, che diventerebbe un tema ricorrente. In Giovani donne sulle rive della Senna del 1856-57 (a fianco), per esempio, due donne - una che sonnecchia, una che sogna ad occhi aperti - sono catturate con abbandono disattento. Le sottovesti disordinate della donna addormentata sono visibili e i moralisti dell'epoca erano offesi dalla rappresentazione di Courbet della naturale indecorosità del sonno. Un critico ha definito il lavoro "spaventoso". Nel 1866 Courbet superò perfino se stesso con Sleep, uno studio esplicito di due donne nude addormentate l'una nelle braccia dell'altra. Quando l'immagine fu mostrata nel 1872, la confusione che la circondava era così intensa che fu annotata in un rapporto della polizia, che divenne parte di un dossier che il governo teneva sull'artista. Courbet, osservava un critico, "fa pittura democratica e sociale: Dio sa a quale costo".
Nel 1848 Courbet si trasferì in uno studio in 32 rue Hautefeuille sulla Rive Gauche e iniziò a frequentare una birreria del quartiere chiamata Andler Keller. I suoi compagni - molti dei quali diventarono soggetti ritrattistici - includevano il poeta Charles Baudelaire, il critico d'arte Champfleury (per molti anni, il suo campione nella stampa) e il filosofo Pierre-Joseph Proudhon. Hanno incoraggiato le ambizioni di Courbet a realizzare immagini non idealizzate della vita quotidiana sulla stessa scala e con la stessa serietà dei dipinti di storia (rendering narrativi su larga scala di scene della storia classica e cristiana morificante, mitologia e letteratura). All'inizio degli anni 1850, Courbet godeva del patrocinio di un ricco collezionista di nome Alfred Bruyas, che gli diede l'indipendenza e i mezzi per dipingere ciò che voleva.
Pochi artisti sono stati più sensibili o influenzati da cambiamenti politici e sociali di Courbet. La sua ascesa come pittore fu legata alla Rivoluzione del 1848, che portò all'abdicazione del re Luigi Filippo nel febbraio di quell'anno. La seconda Repubblica successiva, un governo provvisorio liberale, adottò due riforme democratiche chiave: il diritto di tutti gli uomini a votare e lavorare. A sostegno di questi diritti, Courbet produsse una serie di dipinti di uomini e donne che lavoravano nei loro mestieri e mestieri. In questo clima politico più tollerante, alcuni dei requisiti del Salon furono eliminati e Courbet fu in grado di mostrare dieci dipinti - una svolta per lui - nella mostra del 1848. L'anno seguente, una delle sue scene di genere di Ornans vinse una medaglia d'oro, esentandolo dal dover presentare il suo lavoro alle future giurie del Salon.
A partire dall'inizio del 1840, Courbet visse con uno dei suoi modelli, Virginie Binet, per circa un decennio; nel 1847 ebbero un figlio, Désiré-Alfred Emile. Ma quando la coppia si separò nell'inverno del 1851-52, Binet e il ragazzo si allontanarono da Parigi, e sia la padrona che il figlio, che morirono nel 1872, sembrano essere scomparsi dalla vita dell'artista. Dopo Binet, Courbet evitò intrecci duraturi. "Sono propenso a sposarmi", aveva scritto la sua famiglia nel 1845, "come devo impiccarmi". Invece, era sempre in procinto di formare, sperare o dissolvere attaccamenti romantici. Nel 1872, mentre era tornato a Ornans, Courbet, allora poco più che cinquantenne, scrisse a un amico di incontrare una ragazza del tipo che "cercava da vent'anni" e delle sue speranze di convincerla a vivere con lui. Sconcertato dal fatto che preferiva il matrimonio con la fidanzata del suo villaggio alla sua offerta di "la posizione brillante" che l'avrebbe resa "indiscutibilmente la donna più invidiata in Francia", chiese all'amica, che fungeva da intermediario, per scoprire se la sua risposta fu data con la sua piena conoscenza.
Lo status di Courbet come vincitore di una medaglia d'oro ha permesso a A Burial at Ornans (che è stato ispirato dal funerale di suo prozio nel cimitero locale) di essere mostrato al Salon del 1851, nonostante i critici che hanno deriso la sua composizione simile a un fregio, soggetto materia e monumentalità (21 per 10 piedi). Circa 40 persone in lutto, portatori di bombe e clero - veri e propri cittadini di Ornans - appaiono nella scena desolata. Ciò fornì un'esperienza visiva radicalmente diversa per i parigini sofisticati, per i quali i rustici e le loro usanze avevano più probabilità di essere il calcio delle battute rispetto ai soggetti dell'arte seria. Uno scrittore ha suggerito che Courbet aveva semplicemente riprodotto "la prima cosa che succede", mentre un altro ha paragonato il lavoro a "un dagherrotipo mal fatto". Ma François Sabatier, critico e traduttore, ha capito i risultati di Courbet. "M. Courbet ha creato un posto per se stesso ... alla maniera di una palla di cannone che si inserisce in un muro", ha scritto. "Nonostante le recriminazioni, lo sdegno e gli insulti che l'hanno assalito, nonostante persino i suoi difetti, A Burial at Ornans sarà classificato ... tra le opere più notevoli del nostro tempo."
Nel dicembre 1851, Luigi Napoleone (nipote dell'imperatore francese e presidente eletto della Seconda Repubblica) organizzò un colpo di stato e si dichiarò imperatore Napoleone III. Sotto il suo governo autoritario, la libertà artistica era limitata e prevalse un'atmosfera di repressione: la stampa fu censurata, i cittadini furono messi sotto sorveglianza e il legislatore nazionale fu privato del suo potere. Il tenero studio di Courbet sulle sue tre sorelle che davano l'elemosina a una contadina, Young Ladies of the Village, fu attaccato dai critici per la minaccia al sistema di classe che sembrava provocare. "È impossibile dirti tutti gli insulti che il mio dipinto di quest'anno mi ha vinto", scrisse ai suoi genitori, "ma non mi interessa, perché quando non sono più controverso non sarò più importante."
Courbet suscitò ancora più ira nel 1853 con The Bathers, una vista posteriore di una donna generosamente proporzionata e il suo servo vestito in una foresta. I critici erano sconvolti; il padre nudo ricordò a uno di loro "un tronco d'albero sbozzato". Il pittore romantico Eugène Delacroix scrisse nel suo diario: "Che ritratto! Che soggetto! La comunanza e l'inutilità del pensiero sono abominevoli".
L'opera più complessa di Courbet, The Painter's Studio: A Real Allegory che riassume una fase di sette anni della mia vita artistica (1855), rappresentò le sue esperienze e relazioni dal 1848, anno che segnò un punto di svolta nella sua carriera. A sinistra del dipinto sono le vittime dell'ingiustizia sociale: i poveri e le sofferenze. Sulla destra si trovano amici del mondo dell'arte, della letteratura e della politica: Bruyas, Baudelaire, Champfleury e Proudhon sono figure identificabili. Al centro c'è lo stesso Courbet, che lavora su un paesaggio della sua amata Franca Contea. Una modella nuda si guarda alle spalle e un bambino guarda rapito il dipinto in corso. Courbet ritrae lo studio come un luogo di ritrovo per l'intera società, con l'artista - non il monarca o lo stato - il perno che mantiene il mondo in giusto equilibrio.
L'Exposition Universelle del 1855, la risposta di Parigi alla mostra del Crystal Palace di Londra del 1851, fu l'evento artistico del decennio in Francia. Sono stati inclusi esempi di movimenti e scuole di arte contemporanea di 28 paesi, purché rispettassero i criteri di Napoleone III per essere "piacevoli e poco impegnativi". Il conte Emilien de Nieuwerkerke, il più potente funzionario d'arte del Secondo Impero, accettò 11 dei 14 dipinti presentati da Courbet. Ma tre rifiuti, tra cui The Painter's Studio e A Burial at Ornans, erano tre in più. "Hanno chiarito che ad ogni costo le mie tendenze nell'arte devono essere fermate", ha scritto l'artista a Bruyas. Sono "l'unico giudice del mio dipinto", aveva detto a Nieuwerkerke. "Studiando la tradizione sono riuscito a liberarmene ... Io solo, di tutti gli artisti francesi del mio tempo, [ho] il potere di rappresentare e tradurre in modo originale sia la mia personalità che la mia società". Quando il conte rispose che Courbet era "abbastanza orgoglioso", l'artista replicò: "Sono stupito che te ne accorga solo ora. Signore, sono l'uomo più orgoglioso e arrogante in Francia".
Per mostrare il suo disprezzo, Courbet organizzò una sua esibizione accanto all'Esposizione. "È un atto incredibilmente audace", ha scritto Champfleury con approvazione al romanziere George Sand. "È la sovversione di tutte le istituzioni associate alla giuria; è un appello diretto al pubblico; è la libertà." Dopo che Delacroix visitò il Padiglione del Realismo di Courbet (come lo ribatteva l'artista ribelle), chiamò The Painter's Studio "un capolavoro; semplicemente non riuscivo a staccarmi dalla vista." Baudelaire riferì che la mostra si apriva "con tutta la violenza di una rivolta armata" e un altro critico chiamato Courbet "l'apostolo della bruttezza". Ma l'impatto del pittore fu immediato. Il giovane James Whistler, recentemente arrivato dagli Stati Uniti per studiare arte a Parigi, ha detto a un amico artista che Courbet era il suo nuovo eroe, annunciando "C'est un grand homme!" ("È un grande uomo!").
Nel 1860, attraverso mostre in gallerie in Francia e fino a Boston, il lavoro di Courbet stava vendendo bene. I commercianti in Francia si sfidarono per esibire le sue nature morte e paesaggi. E le sue intense scene di caccia, con animali feriti, hanno trovato un seguito anche in Germania. Nonostante la sua continua opposizione a Napoleone III, Courbet fu nominato a ricevere la Legione d'Onore francese nel 1870, un tentativo, forse, di sostenere il prestigio dell'imperatore alla vigilia della guerra franco-prussiana. Anche se una volta Courbet aveva sperato nel premio, le sue "convinzioni repubblicane", ora disse, gli impedirono di accettarlo. "L'onore non sta in un titolo o in un nastro; sta nelle azioni e nei motivi delle azioni", ha scritto. "Mi onoro rimanendo fedele ai miei principi per tutta la vita; se li tradissi, dovrei abbandonare l'onore di indossare il segno".
Il gesto di Courbet colpì gli insorti politici. Nel 1871, dopo che Napoleone III fu sconfitto dai tedeschi, i rivoluzionari parigini noti come Comune iniziarono a riorganizzare la città secondo le linee socialiste; Courbet si unì al movimento. È stato incaricato dei musei d'arte della città e li ha protetti con successo dai saccheggiatori. Dichiarò, tuttavia, che la Colonna Vendôme, monumento a Napoleone Bonaparte e emblema dell'imperialismo francese, era priva di valore artistico e doveva essere smantellata e ricostruita altrove. La colonna fu rovesciata il 16 maggio 1871. Quando la Comune fu schiacciata e la Terza Repubblica istituita poche settimane dopo, Courbet fu ritenuto responsabile della distruzione della colonna, anche se la Comune aveva deciso ufficialmente il suo destino prima della nomina dell'artista e aveva giustiziato il decreto dopo le sue dimissioni. Arrestato nel giugno 1871, Courbet fu multato e in seguito condannato a sei mesi di prigione, ma si ammalò durante la detenzione e fu mandato in una clinica per recuperare. Sempre provocatorio, si vantava con le sue sorelle e i suoi amici che i suoi problemi avevano aumentato sia le sue vendite che i suoi prezzi. Alcuni artisti, gelosi del suo successo e arrabbiati per il suo vanto, si scagliarono contro. "Courbet deve essere escluso dai saloni", ha affermato il pittore Ernest Meissonier. "D'ora in poi, dovrà essere morto per noi."
Nel 1873, la Terza Repubblica voleva reinstallare la colonna e a Courbet fu ordinato di pagare tutti i costi di ricostruzione. Privo delle centinaia di migliaia di franchi che gli sarebbero costati e di fronte al possibile sequestro delle sue terre e dei suoi dipinti, fuggì in Svizzera, dove trascorse gli ultimi quattro anni della sua vita in esilio, annegandosi nell'alcool e sperando in un perdono. Nel maggio 1877, il governo decretò che l'artista doveva al suo paese 323.000 franchi (circa $ 1, 3 milioni oggi), pagabili in rate annuali di 10.000 franchi per i successivi 32 anni. Courbet morì il 31 dicembre 1877, il giorno prima della scadenza della prima rata. Aveva 58 anni. La causa della morte era l'edema, presumibilmente il risultato del suo eccessivo consumo di alcolici. Nel 1919, i suoi resti furono trasferiti dalla Svizzera nello stesso cimitero di Ornans che un tempo aveva dipinto con tale spavalderia e convinzione.
L'autore e storico dell'arte di New York Avis Berman ha scritto di Edward Hopper nel numero di luglio 2007 di Smithsonian .
