"Robert Indiana è nato nello stesso nome nel 1928", ha iniziato una breve descrizione biografica scritta a mano dall'artista per il catalogo della sua prima mostra personale alla Stable Gallery nel 1962: "Ha studiato a Chicago ed Edimburgo e di ritorno da una compagnia itinerante per vivere (sic) dipingere sul lungomare di New York. Qui, nel suo primo spettacolo personale, ricapitola gli eventi salienti di una vita americana ".
Mentre l'artista sarebbe indissolubilmente legato al suo design L O VE e al movimento Pop art, il più ampio corpus di opere dell'Indiana - intriso di numeri, parole e simboli - incorpora riferimenti autobiografici, letterari e storici per rendere eleganti le eleganza del sogno americano .
Nato Robert Clark a New Castle, nell'Indiana nel 1928, il pittore, scultore e poeta che avrebbe adottato il nome Indiana - quello che chiamava il suo "nom de brush" - morì il 19 maggio 2018 all'età di 89 anni. come l'autore e studioso Barbaralee Diamonstein-Spielvogel, ha osservato per la prima volta, "l'uomo che ha inventato l' amore ".
L O VE in tutte le sue iterazioni - tradotto dall'artista in spagnolo ed ebraico per sculture; dipinto in una parola di quattro lettere non stampabile dopo una lite con Ellsworth Kelly; o riproposto nel 2008 come H O PE in una stampa realizzata come raccolta fondi per la prima campagna presidenziale di Barack Obama - è spesso una scorciatoia per la produzione artistica dell'Indiana. Virginia Mecklenburg, curatrice principale dello Smithsonian American Art Museum nota che mentre Indiana era associata ad artisti pop come James Rosenquist, Roy Lichtenstein e Andy Warhol, era diverso. “Stavano concentrando le nostre percezioni sui prodotti della nostra società dei consumi. L O VE non riguardava la cultura del consumo ma le emozioni attraverso le quali viviamo le nostre vite. "
Quell'indiano non ha mai protetto il copyright del suo progetto L O VE ampiamente imitato è stato una sorta di flagello per l'artista, che ha accumulato una vasta collezione di knock-off. Ma le rivelazioni più personali nel lavoro non sono così facilmente plagiate come le sue linee grafiche: in varie interviste, Indiana indica L O VE come prendendo ispirazione da origini spirituali piuttosto che erotiche, ma, come gran parte del suo lavoro, il suo L O VE la pittura del 1966 è satura di colore e autobiografia.
Robert Indiana e uno studente della Skowhegan School of Painting and Sculpture, 1969 (Skowhegan School of Painting and Sculpture records, 1946-2013. Archives of American Ar) 
Fotografia di Robert Indiana con Decade Autoportrait 1969 (72 in.), Non prima del 1972. (Mary Swift) 
Ritratto di Robert Indiana nel suo studio, c. Anni '80 (Mary Swift, fotografo. Mary Swift papers, circa 1970-2005. Archives of American Art) 
Alan Groh e Robert Indiana (a destra) installano una mostra alla Stable Gallery, 1964 (Nancy Astor, fotografo. Stable Gallery records, 1916-1999, bulk, 1953-1970. Archives of American Art) Il design L O VE di Robert Indiana è rappresentato nelle collezioni della Smithsonian Institution insieme ad altre sue opere d'arte. Questi sono un esempio e offrono una visione completa della carriera dell'artista.
Le storie orali presso gli Smithsonian's Archives of American Art includono numerose interviste con artisti che discutono della loro amicizia con Indiana e del suo lavoro, ma tra le più perspicaci c'è l'intervista del 1963 con l'artista stesso condotta da Richard Brown Baker, un collezionista di arte contemporanea.
In esso, Indiana parla a lungo della sua infanzia instabile e della sua prima educazione - aggravata dalla tendenza di sua madre verso la voglia di girovagare che vide la famiglia trasferirsi in 21 case quando aveva 17 anni - il suo interesse per la poesia e la letteratura e il suo tempo trascorso a Coenties Slip nella parte bassa di Manhattan, in una comunità di artisti che includeva Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney e Jack Youngerman.
Una cartolina di Natale trovata sui giornali Dorothy Miller, che era curatrice del Museum of Modern Art, fornisce un'anteprima di L O VE nella sua fase iniziale di concept. Come la curatrice dei manoscritti degli Archivi Mary Savig descrive nel suo libro Biglietti di auguri fatti a mano di artisti del XX secolo:
Una delle prime iterazioni dell'argomento più pubblicamente adorato di Robert Indiana, il motivo AMORE, fu una carta venduta dal MoMA nel 1965. Per la sua carta vacanze del 1964, Indiana aveva fatto uno sfregamento a matita della parola AMORE, completo della sua firma inclinata O; un destinatario della sua carta era il curatore del MoMA Dorothy Miller. L'anno seguente il MoMA commissionò all'Indiana una versione più colorata del design originale per la sua linea di biglietti di auguri.
Il biglietto di auguri inviato da Robert Indiana a Dorothy C. Miller, 1964 (. Documenti di Dorothy C. Miller, 1853-2013, bulk 1920-1996. Archives of American Art) Nel 1964, lo stesso anno in cui Robert Indiana inviò il suo biglietto di auguri L O VE, collaborò a un film, Eat, con Andy Warhol, in cui, attraverso la magia del montaggio cinematografico, Indiana mangia un fungo che si riempie continuamente per 35 minuti. Per la Fiera mondiale di New York, è stato uno dei dieci artisti incaricati da Phillip Johnson di creare un'opera d'arte per la facciata curva del padiglione dello Stato di New York. La creazione dell'Indiana, un segno alto cinque metri e mezzo di cinque cerchi neri disposti come la faccia di un dado a cinque facce con lettere illuminate per scrivere EAT, è stata inserita tra le opere di Ellsworth Kelly e Robert Rauchenberg. Le parole EAT, DIE, HUG ed ERR presumono che Indiana tornasse più volte - Mecklenburg li chiama "comandi iconici" - con EAT, l'ultima parola che sua madre gli disse prima di morire, essendo una delle più profondamente autobiografiche .
In una versione umoristica della parola, i curatori d'arte di Filadelfia Joan Kron e Audrey Sabol hanno modificato il design della Fiera mondiale dell'Indiana in una spilla prodotta da Tiffany per la loro vera azienda elettrica, una delle numerose imprese che le donne possedevano. Dopo aver scritto i loro progetti sul New York Times, hanno ricevuto molte domande sulla spilla, alcune delle quali si trovano negli articoli di Kron negli Archivi. Tra questi c'è un biglietto della signora Daniel D. Krakauer di Great Neck, Long Island, che le chiede dove può trovare una delle spille EAT da indossare alla festa del 50 ° compleanno a sorpresa di suo marito: “Non riesco a pensare a un modo migliore di annunciando che "La cena viene servita" piuttosto che "accendersi. . . '”La lettera assume un'ironia furba; i funzionari dell'Esposizione Universale dovevano ordinare che l'indicazione dell'Indiana fosse disattivata dopo solo un giorno, perché la folla si affollava nel padiglione scambiandolo per un locale di ristorazione. Come scrisse Indiana, "Troppe persone avevano reagito, quel primo giorno, all'imperativo".
Nel 1974, dopo che lo Smithsonian ricevette la collezione d'arte del finanziere e filantropo Joseph Hirshhorn e aprì il Museo Hirshhorn e il Giardino delle sculture come museo nazionale di arte contemporanea, gli Smithsonian Associates commissionarono quattro poster per l'apertura, incluso uno di Robert Indiana con un stella blu strabiliante e un audace design grafico.
Al momento dell'apertura del museo c'erano solo due primi dipinti dell'Indiana - The Eateria, 1962 e Beware-Danger American Dream # 4, 1963 - nella collezione Hirshhorn. Entrambi, afferma Evelyn Hankins, curatore senior di Hirshhorn, "sono esempi emblematici del modo in cui Robert Indiana utilizza il volgare americano, come i segnali stradali, per creare opere d'arte sorprendenti al centro della Pop art".
Il poster del primo giorno dell'Indiana, afferma Evelyn Hankins di Hirshhorn, “è molto rappresentativo del motivo per cui Robert Indiana è fondamentale per il mondo della Pop art - il suo uso della grafica hard-edge, che a volte sono celebrativi e talvolta fanno domande difficili sul lato oscuro del sogno americano. ”(Hirshhorn) Il poster del giorno dell'inaugurazione dell'Indiana, afferma Hankins "con la sua audace stella grafica e la tavolozza dei colori limitata", non solo si adatta bene alla collezione e all'opera dell'artista, ma è stato "molto rappresentativo sul perché Robert Indiana è fondamentale per il mondo della Pop art— il suo uso della grafica dura, che a volte è celebrativa e talvolta pone domande difficili sul lato oscuro del sogno americano. ”In questo caso, soprattutto, celebrativo.
La critica d'arte Lucy Lippard ha dichiarato l'Indiana un "vero e proprio romantico", osservando che "il contributo dell'artista è stato il matrimonio di poesia e chiarezza geometrica attraverso l'inclusione della letteratura e della storia americana in un'arte non oggettiva".
Le sue tendenze romantiche sono evidenti nelle sue sculture colonnari realizzate con legno e oggetti trovati, compresi quelli ospitati nelle collezioni dello Smithsonian American Art Museum. Secondo il museo Virginia Mecklenburg, che ha curato la mostra personale del 1984 "Wood Works: Constructions di Robert Indiana", questi pezzi sono indicativi della sua intelligenza e del suo processo lavorativo. “Voleva rendere i concetti totemici. Vide le sue sculture come totem, come la stele che fungeva da cercatore lungo le strade romane nei tempi antichi. Le sculture dell'Indiana rappresentano presenza, potere, individualità, così come parole, segni, simboli, modi per contrassegnare emozioni, luoghi. C'era intenzionalità: queste cose erano nella sua mente. "
I cinque di Robert Indiana. (Smithsonian American Art Museum, dono dell'artista) Al tempo della mostra del 1984, Indiana ha regalato il suo dipinto The Figure Five e il museo ha acquistato la sua scultura Five . Entrambi sono riff sul dipinto di Charles Demuth I Saw the Figure 5 in Gold - realizzato in risposta al poema di William Carlos Williams "The Great Figure", scritto dopo un incontro con un camion dei pompieri che sfrecciava in una piovosa notte di Manhattan - e sono pietre miliari delle proprietà dell'Indiana del museo.
Tra la pioggia e le luci ho visto la figura 5 in oro su un camion rosso che si muoveva. . . .
"A Bob piaceva l'idea che la scultura e la pittura fossero insieme", racconta Mecklenburg. "La verità è stata influenzata dal poema esperienziale di Williams - velocità, luce, suono del camion dei vigili del fuoco - Bob ha trovato un altro modo per esprimere ciò che era del momento."
Alla domanda su com'è stato lavorare con Indiana nella mostra, Mecklenburg afferma che Indiana era timida ma le permetteva comunque di accedere alle sue riviste personali, le cui pagine sono riprodotte nel catalogo della mostra. “È stato davvero fantastico. . . era un amico ", dice. “Aveva un profondo senso della storia americana, nominandosi per lo stato in cui era cresciuto: non era Robert Massachusetts! Era un'affermazione dell'America centrale, e questo dice qualcosa su ciò che ha apprezzato. "
Come disse a Diamonstein, “quando ero un bambino, mia madre guidava mio padre a lavorare a Indianapolis e vedevo, praticamente ogni giorno della mia giovane vita, un enorme cartello di Phillips 66. Quindi è il rosso e il verde di quel segno contro il cielo blu di Hoosier. Il blu nell'amore è ceruleo. Perciò il mio amore è un omaggio a mio padre. ”
Alla fine dell'intervista di storia orale di Robert Indiana, Richard Brown Baker ha suggerito che l'artista non era stato "del tutto rivelatore", ma Mecklenburg sostiene che Indiana concede un grande accesso allo spettatore disposto a fare una lettura approfondita del suo lavoro. Indiana, dice, "era un uomo che ha lasciato il segno nel mondo attraverso la sua arte".
In effetti, Indiana, che si è visto come un pittore di segni, una volta ha affermato: "Dipingo la scena americana".
Come ha chiaramente affermato nella dichiarazione degli artisti per la Stable Gallery: “La mia arte è un'immersione alta e disciplinata: altissima, simultanea e policroma, un'esaltazione del linguaggio verbale. . . il mio dialogo ".
