Nel 1923, quando la Freer Gallery of Art divenne il primo museo d'arte aperto sul National Mall di Washington, DC, una sala fu dedicata agli acquerelli dell'artista americano James McNeill Whistler. Il museo ospitava una delle più grandi collezioni di tali opere al mondo. Le delicate opere in cornici di legno dorato, nonostante fossero molto sensibili alla luce, erano in mostra per circa un decennio prima di essere rimosse. Ma il tempo aveva messo a dura prova i lavori.
Le opere della collezione Freer non possono essere prestate ad altri musei a causa delle restrizioni dettate dalla volontà del fondatore, quindi per più di 80 anni, le delicate gemme acquerellabili di Whistler sono state viste raramente. Dopo molte borse di studio e conservazione, l'attuale mostra, "Whistler in Watercolor", riporta le opere di nuovo al pubblico.
La delicatezza e la finezza degli acquerelli di Whistler sono in contrasto con una nuova mostra Whistler più grande e più spessa del Freer: "La stanza del pavone in blu e bianco", in cui la famosa opera a misura di stanza è stata recentemente decorata come era originariamente nel 1870, con le ceramiche cinesi blu e bianche dell'originale patrono Frederick Leyland a Londra.
"Le due mostre riflettono l'amicizia veramente trasformativa che ha avuto luogo tra due uomini", afferma il direttore del museo Chase F. Robinson.
Blue and Silver — Choppy Channel di James McNeill Whistler, ca. 1893-97 (Freer Gallery of Art) 
Verde e argento — Beaulieu, Touraine di James McNeill Whistler, 1888 (Freer Gallery of Art) 
Chelsea Children di James McNeill Whistler, ca. 1997 (Freer Gallery of Art) 
Nocturne: Black and Red-Back Canal, Holland di James McNeill Whistler, 1882 (Freer Gallery of Art) 
Southend Pier di James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
The Ocean Wave di James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) Quando l'industriale di Detroit Charles Lang Freer incontrò per la prima volta Whistler nella sua casa di Londra nel 1890 per cercare di raccogliere più della sua arte, il pittore aveva incluso acquerelli nel suo repertorio per un decennio.
"Questo è stato un periodo della carriera di Whistler in cui aveva urgentemente bisogno di reinventarsi, sia finanziariamente che professionalmente", afferma Lee Glazer, ex curatore di American Art di Freer | Sackler, che ora è direttore del Lunder Institute for American Art presso Colby College .
Questo non è stato un buon periodo per Whistler. Nel 1878, aveva perso una causa per diffamazione contro il critico d'arte John Ruskin, un anno dopo aver perso il suo patrono Frederick Leyland per una disputa finanziaria riguardante la stessa Sala dei Pavoni ora nel Freer. Nel 1879, Whistler aveva dichiarato il fallimento.
Nato a Lowell, nel Massachusetts, Whistler ha studiato a Parigi e alla fine si è trasferito a Londra. Ha imparato la tecnica dell'acquerello da ragazzo e occasionalmente l'ha usata per studi preparatori all'inizio della sua carriera, dice Glazer. "Ma nonostante l'enorme popolarità dell'acquerello nel mondo dell'arte britannico e il desiderio finale di Whistler per il successo in quel mondo dell'arte, non ha mai abbracciato seriamente l'acquerello fino al 1880".
"Whistler ha riscoperto l'acquerello", dice Glazer, "durante un soggiorno a Venezia tra il 1879 e il 1880 e al suo ritorno a Londra creò nel suo passo successivo un numero prodigioso di queste opere apparentemente senza sforzo, che descrivevano ogni tipo di soggetto".
Pink Note — The Novelette di James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) 
Violet and Amber — Tea di James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
Pink Note — Shelling Peas di James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
Southend — The Pleasure Yacht di James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
Southend — Sunset di James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
St. Ives: Cornwall di James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) 
Molly Finch di James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) Nei suoi stessi scritti, Whistler ha descritto i suoi acquerelli di figure, paesaggi, interni e notturni come "delicati", "belli" e "portatili". Li ha chiamati "piccole cose deliziose" e "piccole bellezze meravigliose" ma anche "un gioco meraviglioso "—Un piano per rafforzare le vendite a fianco di dipinti ad olio e pastelli allo stesso modo silenziosi in ciò che Glazer chiama" mostre personali orchestrate con molta attenzione a Londra e New York tra il 1884 e il 1889. "
Gli acquerelli, dice, “intendevano espandere la sua base di mercato per includere ciò che ha descritto come ricchi americani, facendo shopping per l'arte. Ma erano anche, per l'artista, un nuovo modo di dimostrare alcuni principi estetici d'avanguardia profondamente radicati per quanto riguarda la finitura, il valore del lavoro artistico e la verosimiglianza. "
Erano anche un modo pratico per promuovere le sue idee complicate e controverse di arte, trasmettendo emozione attraverso il tono e il colore, attraverso un mezzo più accessibile.
Nonostante la loro grande ambizione, Glazer osserva che gli acquerelli sono “piuttosto piccoli. Sono piccolissimi. Nessuno di loro è più grande di un foglio di carta da scrivere e molti di loro non sono più grandi di una scheda. "
Ma incorniciato nello stesso tipo di cornice dorata che usava per i suoi dipinti e senza ulteriori stuoie per distinguerli come inferiori agli olii, intendeva che avessero una presenza maggiore dei semplici schizzi.
Per la prima volta in oltre 100 anni, la Sala dei Pavoni appare come quando James McNeill Whistler l'ha dipinta. (Galleria d'arte più libera) 
L'incarnazione londinese della Sala del Pavone è stata ricreata con autentiche navi cinesi del 17 ° e 18 ° secolo nella collezione del museo, insieme a circa 120 pezzi di recente commissione realizzati a Jingdezhen, in Cina. (Galleria d'arte più libera) 
La collezione di Leyland di ceramiche blu e bianche dell'era Kangxi (1662-1722) era di gran moda l'Inghilterra vittoriana (Freer Gallery of Art) Ha provato variazioni dei suoi "notturni" notturni in acquerello e ha prestato il suo tocco leggero a paesaggi acquatici come The Ocean Wave e Blue e Silver-Chippy Channel .
Ci sono anche paesaggi, poiché il campo verde dominava Green e Silver — Beaulieu, Touraine e le scene sul lungomare di St. Ives: Cornwall e Southend Pier .
Ma il suo vivido ritratto di Molly Finch è paragonabile agli oli che gli è stato commissionato. Inoltre, le immagini a infrarossi riflesse scattate nel laboratorio di Freer mostrano come fosse stato rielaborato come un olio, riducendo la larghezza della gonna viola del soggetto.
E mentre ci sono stati alcuni restauri e uno studio degli acquerelli, alcuni dei loro colori non sono sopravvissuti alla loro lunga mostra decenni prima. L'unica prova dello "sfondo giallo fiammeggiante" su Milly Finch descritta quando è stata svelata per la prima volta, è stata nascosta nei bordi nascosti dalla cornice dalla luce.
La luce, ovviamente, è anche un problema nel mostrare The Peacock Room, le cui persiane vengono aperte solo una volta al mese, il terzo giovedì, per aiutare a preservare ciò che Glazer chiama "non solo il pezzo d'arte più prezioso della collezione Smithsonian, ma anche l'opera d'arte più popolare nella Galleria Freer. "
Il murale interno di Whistler, il cui titolo completo è Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room, è stato completato quando Leyland, il proprietario era fuori città, per accoppiare il suo ritratto La principessa della terra di porcellana con un gigantesco pavone decorativo sulla parete opposta . Doveva anche sfoggiare meglio la collezione di Leyland di ceramiche blu e bianche dell'era Kangxi (1662-1722) che all'epoca erano di gran moda nell'Inghilterra vittoriana.
Quando Charles Lang Freer vide la stanza nel 1904, un anno dopo la morte di Whistler, la stanza con il soffitto e le pareti dipinti e il suo reticolo di mensole dorate era stata svuotata delle porcellane blu e bianche, che erano state da tempo disperse nella tenuta vendite dopo la morte di Leyland nel 1892. Per quanto grande fosse un collezionista di Whistler come Freer, non era sicuro di volere affatto la stanza.
Glazer afferma che Freer era "incerto su come una sala da pranzo stravagante si inserisse nella sua crescente collezione di antichità asiatiche e su quali fossero i dipinti americani contemporanei all'avanguardia." (Era stato Whistler che aveva spinto Freer nel mondo dell'arte asiatica).
Alla fine, Freer acquistò la Peacock Room e la installò nella sua dimora di Detroit, riempiendo gli angoli degli scaffali con la sua collezione di ceramiche asiatiche. E quando la vasta collezione di Freer fu donata alla nazione per il primo museo d'arte dello Smithsonian dopo la sua morte nel 1919, il dono includeva la Sala dei Pavoni, che fu un successo dal momento della prima apertura del museo nel 1923.
A Washington, la Sala dei Pavoni rifletteva i gusti e la visione di Freer, con gli smalti monocromatici delle ceramiche asiatiche infilate negli scaffali piuttosto che il Kangxi blu e bianco di Leyland, che era alla fine del 20 ° secolo, era considerato "qualcosa di un vecchio stile vittoriano. ", Dice Glazer.
Prendendo spunto da fotografie d'epoca della stanza di Leyland, l'incarnazione londinese della stanza è stata ricreata con autentiche navi cinesi del 17 ° e 18 ° secolo nella collezione del museo, insieme a circa 120 pezzi recentemente commissionati realizzati a Jingdezhen, in Cina. Piuttosto che riproduzioni, i pezzi commissionati riflettono la continuità della tradizione millenaria di 1500 anni nella fabbricazione e decorazione della porcellana in quella regione.
Whistler in Watercolor: Lovely Little Games
Il primo studio sistematico sull'incredibile scrigno del tesoro di Freer di oltre 50 acquerelli di James McNeill Whistler e include figure, paesaggi, notti e interni. Fornendo sia un contesto storico-artistico che esamina l'accoglienza contemporanea delle opere, sia una rigorosa analisi scientifica dei materiali e delle tecniche di Whistler, questo volume offre uno sguardo rivoluzionario in un segmento trascurato dell'opera del celebre artista.
AcquistareI pezzi della collezione del museo sono sulle pareti est e nord della stanza; i pezzi recentemente commissionati in stile Kangxi si trovano sulle pareti ovest e sud.
Di conseguenza, Robinson afferma che gli spettatori possono ora vedere "per la prima volta in oltre 100 anni il modo in cui la stanza è apparsa dopo che Whistler ha dipinto la sala da pranzo".
Nel loro insieme, Whistler in Watercolor e The Peacock Room in Blue and White aiutano a definire l'occhio del fondatore del museo, con gli spettatori in grado di unirsi a ciò che Robinson definisce "il viaggio di un collezionista".
"Whistler in Watercolor" continua fino al 6 ottobre 2019 alla Freer Gallery of Art, a Washington, DC "The Peacock Room in Blue and White" sarà una mostra in corso.
