WILLEM DE KOONING ABBAGLIA ANCORA | ARTE E CULTURA | SMITHSONIAN - ARTICOLI, ARTE E CULTURA, ARTE E ARTISTI

Nel 1926, Willem de Kooning, un artista commerciale senza un soldo 22enne olandese, si mise in viaggio su un mercantile diretto in America. Non aveva documenti e non parlava inglese. Dopo che la sua nave attraccò a Newport News, in Virginia, si diresse verso nord con alcuni amici olandesi verso New York City. All'inizio trovò il suo nuovo mondo deludente. "Quello che ho visto era una specie di Olanda", ha ricordato negli anni '60. "Pianure. Per cosa diavolo volevo andare in America? ”Qualche giorno dopo, tuttavia, mentre de Kooning passava attraverso un terminal di traghetti e treni a Hoboken, nel New Jersey, notò un uomo al bancone che versava il caffè per i pendolari sbattendolo in una linea di tazze. "Ha appena versato in fretta per riempirlo, indipendentemente da ciò che è fuoriuscito, e ho detto: 'Ragazzo, questa è l'America.'"

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L'opera di Willem de Kooning, mostrata qui, è Ruth's Zowie, 1957, che si basava su una costante reinvenzione: "Devi cambiare", diceva spesso l'artista, "per rimanere lo stesso". (The Ovitz Family Collection, Los Angeles © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Tra gli artisti emersi negli anni '50 e '60, de Kooning, mostrato qui nel 1953, sfidò la categorizzazione. (Tony Vaccaro / akg-images)

De Kooning ha studiato all'Accademia di Belle Arti di Rotterdam. "L'allenamento classico ti libera di farlo", avrebbe detto in seguito del suo lavoro astratto. Nella foto è la sua Still Life del 1917, completata all'età di 13 anni (collezione privata / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

A Manhattan, de Kooning, con Arshile Gorky nel 1937, fu attratto dai pittori modernisti. (Oliver Baker, fotografo. Rudi Blesh papers, Archives of American Art, Smithsonian Institution)

Negli anni '40, de Kooning aveva iniziato una serie di studi sulla figura femminile, ispirati in parte da Elaine Fried, che sposò nel 1943. (John Jonas Gruen / Hulton Archive / Getty Images)

Dopo la seconda guerra mondiale, il circolo d'avanguardia di de Kooning si avvicinò allo status di celebrità. Nella foto è il gruppo, in Life, 1950; de Kooning è in fila dietro, all'estrema sinistra. (Nina Leen / Time Life Pictures / Getty Images)

Elementi figurativi punteggiano lo spazio ambiguo in Attico, 1949, uno in una serie di composizioni in bianco e nero del dopoguerra di Kooning. Anche le opere più astratte dell'artista, afferma lo studioso Richard Shiff, spesso "sono iniziate con un riferimento alla figura umana". (The Metropolitan Museum of Art, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Proprio mentre il mondo dell'arte celebrava le sue astrazioni, de Kooning rifocalizzò le sue energie sulla figura femminile, lavorando per due anni su Donna I, 1950-52. "La bellezza", ha detto l'artista, "diventa petulante per me. Mi piace il grottesco. È più gioioso." (The Museum of Modern Art, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

De Kooning lasciò la città nel 1963 per Springs, Long Island. Qui è mostrato de Kooning all'età di 81 anni nel suo studio nel 1985. (© 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Il lavoro tardivo di De Kooning ha tratto ispirazione dal mare. Qui è mostrato Clamdigger, 1972, che evoca i cercatori di spiaggia. (© Willem de Kooning Revocable Estate Trust / Adagp - Foto: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Whose Name Was Writ in Water, 1975, di Kooning suggerisce che le superfici oceaniche. (Solomon R. Guggenheim Museum, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Seated Man, 1939, Willem de Kooning. (Dono dell'artista attraverso la Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1972 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Queen of Hearts, 1943-1946, Willem de Kooning. (Dono della Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Consegna speciale, 1946, Willem de Kooning. (Dono della Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Donna / verso: Senza titolo, 1948, Willem de Kooning. (Dono della Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Untitled III, 1981, Willem de Kooning. (Dono parziale di Joseph H. Hirshhorn, per scambio, e Acquisto del museo, 1982 / Museo di Hirshhorn e giardino di sculture; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Studio per "Donna VI", 1952, Willem de Kooning. (Dono di Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museo di Hirshhorn e giardino di sculture; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Senza titolo, 1949-1950, Willem de Kooning. (Dono di Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museo di Hirshhorn e giardino di sculture; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Due donne in campagna, 1954, Willem de Kooning. (Dono di Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Museo di Hirshhorn e giardino di sculture; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Donna seduta su una panchina, 1972 / cast 1976, Willem de Kooning. (The Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

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Anche quello era de Kooning. Dei pittori emersi a New York tra la fine degli anni '40 e l'inizio degli anni '50 - Jackson Pollock, Mark Rothko e Barnett Newman, tra questi - de Kooning, morto nel 1997, rimane il più difficile da catturare: è troppo vitale, irrequieto, jazz, maleducato e imprevedibile per adattarsi a qualsiasi particolare tazza. Ha attraversato molti dei confini dell'arte, dilagando tra astrazione e figurazione per un periodo di 50 anni - esprimendo un'ampia varietà di stati d'animo - senza preoccuparsi delle convenzioni di gusto conservatore o radicale. Secondo Irving Sandler, uno storico dell'arte che ha raccontato lo sviluppo dell'arte del dopoguerra americano, è stato de Kooning che “è stato in grado di continuare la grande tradizione della pittura occidentale e di deviarla in una nuova direzione, creando uno stile d'avanguardia che ha parlato con il nostro tempo. "

La retrospettiva de Kooning, inaugurata il mese scorso al Museum of Modern Art (MoMA), la prima dedicata alla portata della carriera decennale dell'artista, presenta una visione ricca e sfumata di un grande pittore americano. Per il curatore emerito John Elderfield, che ha organizzato lo spettacolo, lo sforzo è stato insolitamente personale: il fascino dell'arte di de Kooning ha aiutato a portare Elderfield, nato in Inghilterra, a stabilirsi in America. Sostiene che de Kooning è un pittore di originalità che ha inventato un nuovo tipo di spazio pittorico moderno, uno di ambiguità. De Kooning ha cercato di mantenere sia i contorni scultorei sia i piani "sporgenti, contorti" della pittura tradizionale di figure, suggerisce Elderfield, e il piano pittorico superficiale dell'arte modernista che si trova nelle opere cubiste di, ad esempio, Picasso e Braque. De Kooning ha sviluppato diverse soluzioni a questo problema visivo, diventando un artista che sembrava non smettere mai di muoversi ed esplorare. Era, nel suo enigmatico giro di parole, un "scorcio scivoloso".

Negli anni '50 de Kooning divenne il pittore più influente della sua epoca. "Era un artista artista", afferma Richard Koshalek, direttore del Museo Hirshhorn dello Smithsonian, che ha una delle più grandi collezioni di opere di De Kooning. "Ha avuto un grande impatto su una vasta gamma di artisti." Brice Marden, un pittore che è stato oggetto di una retrospettiva del MoMA del 2006, concorda: "Sei stato educato su de Kooning. Era il maestro. Era l'insegnante. ”Per molti era anche una figura romantica con un aspetto da star del cinema e una spavalderia esistenziale, mentre beveva alla Cedar Tavern nel Greenwich Village con Pollock e passava dalla relazione amorosa alla relazione amorosa.

Nonostante il suo successo, de Kooning alla fine ha pagato un prezzo per la sua riluttanza a seguire le tendenze prevalenti. La sua arte in continua evoluzione, in particolare la sua rappresentazione rauca delle donne, è stata sempre più offuscata da critici e storici dell'arte durante la sua vita. Elderfield suggerisce che "non si adattava facilmente a quelle opere pensate per mantenere la familiare storia modernista di un'astrazione sempre più raffinata". I curatori del MoMA stesso tendevano a considerare Kooning dopo il 1950 come un pittore in declino, come evidenziato dal museo propria collezione, che è notevolmente più forte in Pollock, Rothko e Newman che in de Kooning.

La disputa è terminata: l'attuale retrospettiva fa ammenda. La gamma di De Kooning ora sembra una forza, e il suo stile seducente - "seducente" è la parola appropriata, poiché la sua pennellata è piena di tocco - offre una delizia pittorica che raramente si trova nell'arte dei nostri giorni.

De Kooning è cresciuto vicino al porto nella dura Rotterdam, classe operaia. Raramente vide suo padre, Leendert - i suoi genitori divorziarono quando era un bambino piccolo - e sua madre prepotente, Cornelia, che teneva una serie di sbarre, spostò costantemente la sua famiglia in cerca di alloggi meno costosi. Lo picchiava regolarmente. Il denaro era a corto. All'età di 12 anni, divenne apprendista presso Gidding and Sons, un'elegante azienda di artisti e artigiani nel cuore dell'elegante Rotterdam specializzata in design e decorazione. Presto ha attirato l'attenzione dei proprietari dell'azienda, che lo hanno invitato a prendere lezioni dopo il lavoro sei sere a settimana presso l'Accademia di Belle Arti della città.

Di conseguenza, de Kooning ha ricevuto una solida base sia nel design commerciale che nei principi classici dell'alta arte. Era precoce; la retrospettiva al MoMA include la straordinaria Still Life (1917) che fece all'Accademia all'età di 13 anni. Tuttavia, dovette sostenere se stesso. All'età di 16 anni, de Kooning si mise in moto da solo, circolando sui bordi bohémien di Rotterdam e prendendo posti di lavoro qua e là. Iniziò anche a fantasticare sull'America, poi considerata da molti in Europa come una terra mitica di grattacieli, stelle del cinema e soldi facili, ma non, forse, dell'arte. Quando si imbarcò sul mercantile, ricordò più tardi de Kooning, non pensava che ci fossero artisti seri in America.

Nei suoi primi anni in America, inizialmente a Hoboken, nel New Jersey, e poi a New York, visse come aveva fatto a Rotterdam, trovando lavoro come artista commerciale e occasionalmente dipingendo nel suo tempo libero. Scoprì che c'erano, in effetti, artisti seri in America, molti dei quali intrapresero anche lavori commerciali per sopravvivere. Iniziò a passare il tempo nei bar che prediligevano a Chelsea e nel Greenwich Village, parlando la notte davanti a tazze di caffè al nichel. Quasi tutti quelli che conosceva erano poveri; la vendita di un dipinto era rara. In questo ambiente, l'impegno costante di alcuni artisti - soprattutto la devozione di Arshile Gorky alla tradizione della pittura modernista - ebbe un impatto pronunciato su de Kooning.

Gorky, un immigrato di origine armena, non ha avuto pazienza per coloro che non si sono impegnati senza riserve nell'arte. Né aveva tempo per coloro che considerava provinciali o minori nelle loro ambizioni, come quelli che avevano romanticizzato l'America rurale o attaccato l'ingiustizia sociale. ("L'arte proletaria", ha detto Gorky, "è un'arte povera per i poveri.") Secondo Gorky, se eri serio, hai studiato il lavoro di maestri modernisti come Picasso, Matisse e Miró, e aspiravi a eguagliare o migliorare il loro realizzare-ment. I contemporanei descrivono lo studio di Gorky su Union Square come una specie di tempio dell'arte. "La grande eccitazione di 36 Union Square", ha dichiarato Ethel Schwabacher, uno studente e amico di Gorky, "risiede nel sentimento che suscitava di lavoro svolto lì, lavori in corso, giorno e notte, attraverso lunghi anni di appassionato, disciplinato e dedicato sforzo."

L'esempio di Gorky, insieme alla creazione del Federal Art Project, che ha pagato agli artisti un salario durante la depressione, ha infine portato de Kooning a impegnarsi a diventare un artista a tempo pieno. Negli anni '30, Gorkij e de Kooning divennero inseparabili; le discussioni in corso sull'arte hanno aiutato ciascuno a diventare un grande pittore. De Kooning, faticando a creare un nuovo tipo di arte figurativa, spesso dipinse debole, ritratti malinconici di uomini e, meno frequentemente, di donne. Ha lavorato e rielaborato le immagini, cercando di conciliare la sua formazione classica con le sue convinzioni moderniste. Potrebbe permettere a una foto di lasciare il suo studio se un amico lo acquistasse, dato che era cronicamente a corto di soldi, ma ha scartato la maggior parte delle sue tele con disgusto.

Alla fine degli anni '30, de Kooning conobbe una giovane studentessa d'arte di nome Elaine Fried. Si sarebbero sposati nel 1943. Fried non era solo bello, la sua vivacità corrispondeva alla riserva di De Kooning. Non lesinare mai sui lussi, le piaceva dire, le necessità si prenderanno cura di se stesse. Una delle sue amiche, l'artista Hedda Sterne, la descrisse come un "temerario". "Credeva nei gesti senza rimpianti e si dilettava della sua spontaneità ed esuberanza", ha detto Sterne. "Sono stato molto divertente", ricorderà in seguito Elaine. "Voglio dire, molto divertente." Considerò anche de Kooning un artista importante - ben prima che diventasse tale - il che potrebbe aver rafforzato la sua fiducia.

Una nuova sensazione della figura femminile, senza dubbio ispirata da Elaine, iniziò a percorrere l'arte di De Kooning. Il colore si schiarì. I confini sono scomparsi. Non sembrava più limitato dalla sua formazione classica: le donne nei dipinti ora minacciavano di scoppiare e di spezzarsi; distinguere la figura dal terreno divenne, in alcuni punti, difficile. L'artista stava iniziando a dominare il suo spazio ambiguo. Sembrava naturale che de Kooning, che istintivamente preferiva il movimento all'immobilità e non pensava che la verità della figura risiedesse solo nel suo aspetto superficiale, avrebbe iniziato a spostarsi lungo un continuum dal rappresentativo all'astratto. Eppure anche i suoi quadri più astratti, come ha osservato lo studioso de Kooning Richard Shiff, "o sono iniziati con un riferimento alla figura umana o hanno incorporato elementi figurali lungo la strada".

Il passaggio di De Kooning alla fine degli anni '40 verso una rappresentazione meno realistica della figura potrebbe essere stato spinto, in parte, dall'arrivo in città all'inizio del decennio di numerosi artisti famosi di Parigi, in particolare André Breton e la sua cerchia di Surrealisti, tutti i rifugiati dalla guerra. De Kooning non era generalmente un fan del surrealismo, ma l'enfasi del movimento sulla mente inconscia, i sogni e la vita interiore avrebbe rafforzato la propria impazienza con una rappresentazione puramente realistica del mondo. I surrealisti e il loro mecenate, il socialite Peggy Guggenheim, hanno fatto un grande salto a New York. La loro stessa presenza ha ispirato l'ambizione negli artisti americani.

Tuttavia, de Kooning è rimasto ai margini. Il Federal Art Project non esisteva più e c'era poco o nessun mercato per l'arte americana moderna. Fu in questo periodo oscuro che de Kooning iniziò la sua grande serie di astrazioni in bianco e nero. Lui e il suo caro amico, il pittore Franz Kline, incapace di permettersi costosi pigmenti, un giorno uscirono notoriamente e comprarono una vernice domestica smaltata in bianco e nero a buon mercato e (secondo la leggenda) con l'abbandono del diavolo si misero a produrre grandi opere. Ovviamente non era così semplice. De Kooning ha lavorato per molti anni per raggiungere questo momento; e, in un certo senso, il momento lo ha trovato. L'orrore della seconda guerra mondiale - e i resoconti dell'Olocausto che fuoriescono dall'Europa - crearono una nuova percezione tra de Kooning e alcuni artisti americani di grande scala, seppure desolante, metafisica. (Avevano anche davanti ai loro occhi, nel MoMA, la potente e monocromatica Guernica di Picasso del 1937, la sua risposta al bombardamento fascista della città spagnola.) Contrariamente ai loro contemporanei europei, gli americani non vivevano tra le rovine della guerra, e loro proveniva da una cultura che celebrava un sconfinamento di Whitmanesque. De Kooning, la cui città natale era stata martellata in macerie durante la guerra, era sia europea che americana, ben posizionata per realizzare dipinti di grandiosità oscura. Nel 1948, quando aveva quasi 44 anni, espose i suoi cosiddetti "bianchi e neri" nella piccola e poco visitata Galleria Egan. Era la sua prima mostra personale. Poche foto sono state vendute, ma sono state ampiamente notate e ammirate da artisti e critici.

Fu anche alla fine degli anni '40 che Jackson Pollock iniziò a realizzare le sue leggendarie astrazioni “gocciolanti”, che dipinse sul pavimento del suo studio, intrecciando ritmiche matasse di vernice sulla tela. I dipinti di Pollock, anche principalmente in bianco e nero, avevano un carattere molto diverso da quello di de Kooning. Sebbene generalmente astratti, le immagini intricate di De Kooning sono rimaste piene di parti e gesti umani intravisti; Pollock ha trasmesso un trascendente senso di liberazione dal mondo. I titoli delle due più grandi immagini della serie in bianco e nero di De Kooning, Attico ed Escavazione, suggeriscono che l'artista non intende dimenticare ciò che il mondo seppellisce o mette da parte. (De Kooning ha senza dubbio apprezzato le mutevoli implicazioni dei titoli. La soffitta, ad esempio, può fare riferimento a un attico reale, suggerire le altezze del paradiso o ricordare l'antica Grecia.) Ogni quadro è pieno di episodi figurativi: un giro di spalle qui, un gonfiore dell'anca lì, ma un corpo particolare non può essere individuato in nessuno dei due. "Anche le forme astratte", ha detto de Kooning, "devono avere una somiglianza".

De Kooning ha completato Excavation, il suo ultimo e più grande film della serie, nel 1950. Il direttore del MoMA, Alfred Barr, ha quindi selezionato il dipinto, insieme alle opere di Pollock, Gorky e John Marin, per rappresentare gli Stati Uniti alla Biennale di Venezia —Un segnale d'onore per tutti e quattro i modernisti americani. I giornalisti hanno iniziato a prenderne atto. Pollock fu oggetto di una foto diffusa sulla rivista Life nel 1949. La luce delle celebrità stava cominciando a focalizzarsi su quello che era stato un angolo oscuro della cultura americana. La Sidney Janis Gallery, specializzata in maestri europei, iniziò ora a presentare de Kooning e altri artisti americani come degni successori di Picasso o Mondrian. Critici, curatori e commercianti d'arte iniziarono sempre più a sostenere che per quanto riguardava l'arte, New York era la nuova Parigi.

All'inizio degli anni '50, De Kooning era un pittore di fama crescente con uno stile astratto blu-chip. La maggior parte dei suoi contemporanei credeva che avrebbe continuato a produrre dipinti in quello stile. Ma in una delle azioni più contrarie e indipendenti nella storia dell'arte americana, ha rinunciato alle sue astrazioni in bianco e nero per concentrarsi principalmente, ancora una volta, sulla figura femminile. Ha lottato su una sola tela per quasi due anni, i suoi amici sono sempre più preoccupati per il suo benessere mentre ha continuamente rivisto e cancellato l'immagine. Alla fine mise da parte il dipinto nella disperazione. Solo l'intervento dell'influente storico dell'arte Meyer Schapiro, che chiese di vederlo durante una visita in studio, convinse de Kooning ad attaccare di nuovo la tela - e concludere che aveva finito la Donna I (1950-52). Quindi, in rapida successione, completò diversi altri dipinti di Donna .

De Kooning descrisse la Donna I come una dea ghignante - "un po 'come gli idoli mesopotamici", disse, che "si alzano sempre dritti, guardando il cielo con questo sorriso, come se fossero semplicemente stupiti delle forze della natura ... non sui problemi che avevano l'uno con l'altro. ”Le sue dee erano complicate: allo stesso tempo spaventose ed esilaranti, antiche e contemporanee. Alcuni critici li hanno paragonati ai bimbos di Hollywood; altri li consideravano il lavoro di un misogino. Lo scultore Isamu Noguchi, amico di De Kooning, ha riconosciuto la loro ambivalenza: "Mi chiedo se odia davvero le donne", ha detto. "Forse li ama troppo." Gran parte della complicazione deriva dalla volatile mescolanza di volgarità e raffinatezza nella pennellata di de Kooning. "La bellezza", ha detto una volta de Kooning, "diventa petulante per me. Mi piace il grottesco. È più gioioso. "

Non sorprende che de Kooning dubitasse che la sua mostra di opere recenti nel 1953 avrebbe avuto successo, e il principale critico d'arte dell'epoca, Clement Greenberg, pensava che de Kooning avesse preso una svolta sbagliata con la serie Woman . Con grande sorpresa di De Kooning, tuttavia, lo spettacolo è stato un successo, non solo tra molti artisti, ma tra un pubblico sempre più desideroso di abbracciare la pittura americana.

All'improvviso De Kooning si trovò una star: la prima celebrità, probabilmente, nel moderno mondo dell'arte americana. L'unico pittore nei primi anni '50 di statura simile o maggiore era Jackson Pollock. Ma Pollock, poi cadendo in alcolismo avanzato, viveva principalmente a Springs (una frazione vicino a East Hampton a Long Island) e raramente veniva visto a Manhattan. I riflettori si sono quindi concentrati su de Kooning, che è diventato il centro di una scena vivace. Molti lo hanno trovato irresistibile, con il suo aspetto da marinaio olandese, l'inglese rotto idiosincratico e l'accento affascinante. Amava il gergo americano. Definirebbe una foto "formidabile" o un amico "una patata bollente".

In questo mondo di serra, de Kooning aveva molte storie d'amore intricate, così come Elaine. (Si separarono negli anni '50, ma non divorziarono mai.) La relazione di De Kooning con Joan Ward, un artista commerciale, portò alla nascita, nel 1956, della sua unica figlia, Lisa, alla quale era sempre devoto, anche se non divenne mai molto di un padre quotidiano. Ha anche avuto una lunga relazione con Ruth Kligman, che era stata la fidanzata di Pollock e sopravvissuta all'incidente automobilistico del 1956 che uccise Pollock. Kligman era sia un'aspirante artista che desiderava ardentemente essere la musa di un importante pittore e una giovane donna sensuale che evocava star come Elizabeth Taylor e Sophia Loren. "Ha davvero messo il piombo nella mia matita", ha detto de Kooning.

Seguendo la serie Woman, de Kooning ha sviluppato una serie di astrazioni (il più noto è il lunedì di Pasqua ) che catturano la grintosa e agitata sensazione di vita a New York City a metà del secolo. Alla fine degli anni '50, ha semplificato la sua pennellata. Ora, lunghe e ampie strisce di vernice hanno iniziato a spazzare attraverso la tela. Trascorreva sempre più tempo a Springs, dove molti dei suoi amici avevano posti estivi. Le immagini della fine degli anni '50 alludono spesso alla luce e al colore della campagna pur contenendo, ovviamente, elementi figurativi. Ruth's Zowie (1957) ha una sorta di elo e fiducia dichiarativi. (Kligman ha fornito il titolo quando è entrata nello studio di De Kooning e, vedendo la foto, ha esclamato "Zowie!") De Kooning stesso non ha mai imparato a guidare un'auto, ma adorava viaggiare lungo le nuove e grandi strade americane. Nel 1959 il mondo dell'arte assalì l'apertura della galleria di quella che a volte viene chiamata la sua serie di autostrade: grandi paesaggi dai tratti audaci.

De Kooning non è mai stato del tutto a suo agio come celebrità. Rimase sempre, in parte, un povero ragazzo di Rotterdam. (Quando gli fu presentata la signora John D. Rockefeller III, che aveva appena comprato Donna II, lo orlò e lo incitò e poi sbottò, "Sembri un milione di dollari!") Come molti dei suoi contemporanei, iniziò a bere pesantemente . Al culmine del suo successo verso la fine degli anni '50, de Kooning era un bevitore abbuffato, a volte scomparendo per più di una settimana alla volta.

Negli anni '50, molti giovani artisti avevano imitato de Kooning; i critici li chiamavano pittori di "seconda generazione", cioè seguaci di pionieri come de Kooning. Negli anni '60, tuttavia, il mondo dell'arte stava rapidamente cambiando mentre artisti Pop e Minimal come Andy Warhol e Donald Judd portavano un'ironia fresca e consapevole nell'arte che era estranea alla lussureggiante sensibilità di de Kooning. Questi giovani artisti non volevano essere “di seconda generazione” e iniziarono a liquidare il lavoro del pittore più anziano come troppo disordinato, personale, europeo o, come direbbe de Kooning, vecchio cappello.

Nel 1963, quando De Kooning si avvicina all'età di 60 anni, lascia New York City per Springs con Joan Ward e la loro figlia. La sua vita a Long Island è stata difficile. Fu dato alla malinconia e si risentì di essere trattato come un pittore lasciato indietro dalla storia. Continuava a curvare periodicamente, che a volte finiva con il suo ricovero all'ospedale di Southampton. Ma la sua arte ha continuato a svilupparsi in modi straordinariamente nuovi.

De Kooning si immerse nella campagna di Long Island. Costruì un grande studio eccentrico che assomigliava a una nave e divenne una figura familiare intorno a Springs, andando in bicicletta lungo le strade sabbiose. Il suo lavoro figurativo degli anni '60 era spesso inquietante; il suo gusto per la caricatura e il grottesco, evidente in Donna I, è stato trovato anche in lavori sessualmente carichi come The Visit (1966-67), un'immagine bagnata e succosa di una donna-rana ghignante sdraiata sulla schiena. Nelle sue immagini più astratte, il corpo femminile e il paesaggio sembravano fondersi sempre più con la vernice sciolta e acquosa.

De Kooning iniziò anche a realizzare sculture figurative straordinariamente tattili: Clamdigger (1972) sembrava tirato fuori dalla melma primordiale. I dipinti che seguirono, come ... Whose Name was Writ in Water (1975), non erano meno tattili ma non avevano la stessa confusione. Eruzioni estatiche di acqua, luce, riflesso, pittura e sensazione corporale - forse un riflesso, in parte, della passione di De Kooning per l'ultimo grande amore della sua vita, Emilie Kilgore - i dipinti non assomigliano a nient'altro nell'arte americana. Eppure, alla fine degli anni '70, de Kooning bruscamente e in genere terminò la serie. Le foto, disse, stavano arrivando troppo facilmente.

Fu anche alla fine degli anni '70 che de Kooning iniziò a mostrare segni di demenza. Sua moglie Elaine, tornata in vita in quel momento, iniziò a sorvegliarlo attentamente. Sempre più con il passare degli anni '80, dipendeva dagli assistenti per spostare le sue tele e stendere le sue pitture. Alcuni critici hanno denigrato i dipinti sempre più liberi di questo periodo. Elderfield, tuttavia, tratta lo stile tardo con rispetto. Nelle migliori opere in ritardo, de Kooning sembra seguire la sua mano, l'inimitabile pennellata liberata da ogni fardello e tuttavia vivace come non mai. "Poi c'è un tempo nella vita", disse nel 1960, mentre si stancava di New York City, "quando fai solo una passeggiata: e cammini nel tuo paesaggio".

De Kooning è morto il 19 marzo 1997, nel suo studio di Long Island, all'età di 92 anni. Durante la sua lunga vita ha percorso un'enorme distanza, spostandosi tra Europa e America, vecchio maestro e modernista, città e campagna. L'arte di De Kooning, ha affermato il pittore Robert Dash, "sembra sempre dire addio". Lo stesso De Kooning amava dire: "Devi cambiare per rimanere lo stesso".

Mark Stevens è coautore, insieme a sua moglie Annalyn Swan, del vincitore del premio Pulitzer de Kooning: An American Master .