Il curatore responsabile di Renwick su ciò che significa aprirsi alla meraviglia

Nicholas Bell, curatore responsabile presso la Renwick Gallery dello Smithsonian American Art Museum, è al museo dal 2009. Ha curato mostre su cestini e legno - artigianato come è tradizionalmente concepito - così come sull'artigianato contemporaneo (la mostra del museo nel 2012, "40 under 40: Craft Futures"). Sottolinea l'importanza dei materiali e dell'idea di "fare". La sua passione per il museo, il suo rinnovamento e la riapertura il 13 novembre, e la mostra inaugurale "Wonder" erano evidenti quando abbiamo parlato con lui .

Da questa storia

Meravigliarsi

Prima di tutto, puoi dirci perché hai scelto la parola evocativa "meraviglia" come titolo della mostra inaugurale della Renwick Gallery? Nel catalogo, parli di come l'idea di meraviglia sia " ora sempre così rapidamente seguita dalla conoscenza".

Molti di noi pensano che lo "stupore" sia un po 'infantile. È un peccato. C'è molto valore nel venire a contatto con cose che non capisci, cose straordinarie, che vanno oltre la nostra vita quotidiana.

Di recente, sul New York Times, il critico d'arte Holland Cotter ha scritto dei musei come "potenti macchine per l'editing della storia"? Questo vale per il Renwick?

Stiamo aprendo questo edificio come museo d'arte per la terza volta in tre secoli diversi. Come cultura e come società facciamo delle scelte: possiamo mettere in primo piano altre priorità. Sebbene l'edificio sia stato commissionato come museo d'arte, è stato messo in servizio come centro di approvvigionamento militare prima di essere effettivamente utilizzato come museo. Questo serve a ricordarci che facciamo delle scelte come persone. A volte scegliamo contro l'arte, a volte scegliamo per loro. Le parole sopra la porta del Renwick, cesellate in pietra, sono "dedicate all'arte".

In un certo senso lo spettacolo "Wonder" riguarda l'edificio come uno spazio importante per venire a sperimentare qualcosa. Ciò che sembra più importante sperimentare è la meraviglia. Abbiamo bisogno di luoghi pubblici in cui possiamo aprirci per chiederci.

Scrivi che il tuo obiettivo era quello di creare una "sala immersiva di meraviglie". "Immersivo" è un termine chiave in questo momento: nei film, il 3D sta crescendo in popolarità, e in teatro, non è sufficiente per un pubblico semplicemente sedersi e osservare azione su un palco. E "hall of wonder" parla dello spettacolo o del carnevale, luoghi che fanno chiaramente un'offerta per la nostra attenzione.

È ironico: gran parte della nostra attenzione è focalizzata su uno spazio così piccolo nelle nostre vite. Siamo una cultura legata allo schermo. Ho tre figli sotto i cinque anni. Mi hanno reso iper consapevole di quanto sia importante prestare attenzione a ciò che ti circonda immediatamente. I bambini piccoli hanno gli occhi ben aperti. Nessun filtro Vogliono sapere tutto. Mi hanno insegnato a prestare attenzione. Il museo può farlo per noi come può fare un bambino.

Uno dei motivi per cui ho affinato i nove artisti in questa mostra è che fanno cose molto grandi. Il loro lavoro ti rende intensamente autocosciente. Se andiamo in un museo e vediamo cose piccole, su piedistalli — argilla e vetro, molte navi — è tutto meraviglioso, ma non ti rende necessariamente consapevole di ciò che ti circonda. Ma se entri in una galleria e vedi una torre di schede alte 13 piedi, come fai con il lavoro di Tara Donovan, quasi ti restringi in relazione. Pensi abbastanza visceralmente a dove ti trovi.

Importanti e critici come lo sono gli sforzi come la digitalizzazione, non c'è proprio alcun sostituto per sperimentare di persona le opere d'arte. Mi piace molto vedere i visitatori entrare in ogni galleria successiva. Hanno letteralmente oscillare sui talloni: gli occhi si spalancano, le mascelle cadono. C'è un elemento fisiologico nell'incontrare queste opere d'arte.

Questo è il motivo per cui dobbiamo avere spazi pubblici dove andare. Ecco perché questo edificio deve essere qui.

Gli artisti che hai scelto commentano in qualche modo la collezione permanente del Renwick?

Loro fanno. Non è necessariamente palese. Uno dei motivi per cui ho scelto questi nove specifici è che sono straordinariamente appassionati nel fare le cose. Hanno un acuto senso di fare le cose. Il materiale è molto più grande di te. Ti incombe. Queste opere ti fanno iniziare a pensare ai materiali nella tua vita e nel tuo mondo. Riaffermano il significato delle cose - c'è valore nel considerare come gli oggetti nascono nel nostro mondo.

Come definiresti l'arte contemporanea e l'artigianato contemporaneo? In che modo sono diversi e in che modo sono simili?

Non mi interessa molto la divisione, sono sospettoso di concentrarmi sulla divisione. Mi inclino sempre a sfocare le linee piuttosto che a distinguerle. Ciò che conta davvero sono le persone che creano le cose, che sono interessate ad esprimersi. Non sono necessariamente interessato a ciò che le persone si definiscono. Non penso che quelle etichette abbiano molto valore.

Ultimamente il movimento fai-da-te ha catturato molte immaginazioni. Sembra esserci un nuovo rispetto per fare le cose con le tue due mani: decapaggio, inscatolamento, fermentazione. E al di fuori della cucina, nel mondo della tecnologia, il "movimento dei creatori" e gli "spazi dei creatori" sono molto coraggiosi in questo momento. Il catalogo "Wonder" discute l'importanza dei materiali nell'artigianato. Potresti parlarne un po '?

L'interesse per le competenze, i processi e il lavoro continuerà nel nostro futuro come museo. C'è molto valore nel guardare il mondo intero attraverso l'obiettivo del mestiere. Tutti gli artisti della mostra inaugurale sono essenzialmente artisti contemporanei che sono molto appassionati di produzione e materiali. Che li lega alla storia dell'artigianato.

Ci sono interessi particolari nell'ambiente e nel mondo naturale tra gli artisti in questo spettacolo?

Sì! Com'è nata questa mostra: ho invitato tutti questi artisti a venire in tournée nell'edificio quando era vuoto. Ci eravamo trasferiti, era logoro, la ristrutturazione non era ancora iniziata. Non l'avevo mai visto in quel modo, ed è stato un vero lusso vederlo in quel modo. Gli artisti hanno proposto quello che volevano fare. Ho chiesto loro di guardare l'architettura e pensare al tema della meraviglia. Non ho dato loro altri criteri. Ho selezionato questi artisti perché sono tutti sensibili allo spazio, il loro lavoro ti rende consapevole della tua presenza.

Ciò che è affascinante per me è che molti di loro sono andati alla natura come punto di riferimento, completamente senza alcuna pressione da parte mia: Maya Lin, lavorando con l'idea del Chesapeake. John Grade, alberi. Patrick Daugherty, bastoni. Jennifer Angus, bug. C'è molta sensibilità del mondo esterno quando cammini attraverso queste gallerie. Rafforza l'idea che i musei siano un luogo che può aiutarti a pensare al mondo esterno. Quando le persone vengono al museo e a questo spettacolo, sono ammaliate e stupite. Ciò che fa è aiutarti a vedere con occhi nuovi e pensare al mondo che ti circonda in modo diverso.

Ho notato che uno degli eventi che segnano la riapertura del museo presenta birra artigianale! È solo un gioco di parole: birra artigianale in un museo dedicato all'artigianato?

L'intero fenomeno della produzione artigianale è in realtà uno degli esempi più visibili di produzione specializzata. Ogni volta che acquisti una confezione da sei di birra da un piccolo birrificio, stai supportando le persone appassionate di fare cose.

La Renwick Gallery, sede delle collezioni di arti decorative e artigianali dello Smithsonian American Art Museum, riapre venerdì 13 novembre dopo un rinnovamento di 2 anni e 30 milioni di dollari. La mostra inaugurale "Wonder" presenta installazioni a grandezza di gallerie di nove artisti contemporanei.