IL CONTROVERSO SECONDO ATTO DI RENOIR | ARTE E CULTURA | SMITHSONIAN - ARTICOLI, ARTE E CULTURA, ARTE E ARTISTI

Nell'ottobre del 1881, non molto tempo dopo aver terminato il suo gioioso pranzo della festa in barca, probabilmente il suo lavoro più noto e sicuramente uno dei dipinti più ammirati degli ultimi 150 anni, Pierre-Auguste Renoir lasciò Parigi per l'Italia per compiere un lungo- ambizione permanente. Aveva 40 anni e già era acclamato come un pioniere dell'Impressionismo, il movimento che aveva sfidato la pittura accademica francese con i suoi audaci tentativi di catturare la luce nelle scene all'aperto. Rappresentato da una galleria leader e raccolto da intenditori, ha ricoperto il ruolo invidiabile di iconoclasta ben rispettato, se non ancora ben pagato.

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La sua ambizione in autunno era di raggiungere Venezia, Roma, Firenze e Napoli e vedere i dipinti di Raffaello, Tiziano e altri maestri del Rinascimento. Non era deluso. In effetti, il loro virtuosismo lo stupì e il celebre artista tornò a Parigi in uno stato che si avvicinava allo shock. "Ero andato il più lontano possibile con l'impressionismo", ha ricordato in seguito Renoir, "e ho realizzato che non potevo né dipingere né disegnare."

Il viaggio di apertura degli occhi è stato l'inizio della fine del Renoir che molti di noi conoscono e amano. Continuava a dipingere, ma in una vena completamente diversa - più in uno studio che all'aria aperta, meno attratto dai giochi di luce che da soggetti così duraturi come la mitologia e la forma femminile - ed entro un decennio Renoir entrò in quello che viene chiamato periodo tardivo. L'opinione critica è stata decisamente scortese.

Già nel 1913, l'impressionista americana Mary Cassatt scrisse a un'amica che Renoir stava dipingendo immagini abominevoli "di donne rosse enormemente grasse con teste molto piccole". Recentemente, nel 2007, la critica d'arte del New York Times Roberta Smith lamentava "gli acri della fine degli anni nudi "con la loro" pesante stagionatura ", aggiungendo" l'aspirazione 'kitsch' è stata gettata a modo loro ". Sia il Metropolitan Museum of Art che il Museum of Modern Art di New York City hanno scaricato Renoir del tardo periodo per ospitare presumibilmente più significativi lavori. Nel 1989, il MOMA vendette il Nudo sdraiato di Renoir del 1902 perché "semplicemente non apparteneva alla storia dell'arte moderna che stiamo raccontando", disse all'epoca il curatore dei dipinti, Kirk Varnedoe.

"Per la maggior parte, l'opera tardiva di Renoir è stata scritta fuori dalla storia dell'arte", afferma Claudia Einecke, curatrice del Museo d'Arte della Contea di Los Angeles. “Renoir è stato visto come un artista interessante e importante quando era con gli impressionisti. Poi lo perse, diventando un reazionario e un cattivo pittore: quella era la saggezza convenzionale. "

Se il Renoir maturo viene visto come passé, impantanato nella nostalgia ed eclissato dal cubismo e dall'arte astratta, una nuova mostra mira a dargli il dovuto. Dopo aver aperto lo scorso autunno al Grand Palais di Parigi, "Renoir nel 20th Century" andrà al Los Angeles County Museum of Art il 14 febbraio e al Philadelphia Museum of Art il 17 giugno. La mostra, la prima a concentrarsi sul suo seguito anni, riunisce circa 70 dei suoi dipinti, disegni e sculture provenienti da collezioni in Europa, negli Stati Uniti e in Giappone. Inoltre, le opere di Pablo Picasso, Henri Matisse, Aristide Maillol e Pierre Bonnard dimostrano l'influenza spesso trascurata di Renoir sulla loro arte.

In mostra odalischi e nudi da bagno (incluso Reclining Nude, ora in una collezione privata), paesaggi e città mediterranee, personaggi della società e giovani donne che si pettinano, ricamano o suonano la chitarra. Parecchi sono modellati su pezzi famosi di Rubens, Tiziano e Velázquez o rendono omaggio a Ingres, Delacroix, Boucher e alla scultura greca classica. "Renoir ha creduto fortemente nell'andare nei musei per imparare da altri artisti", afferma Sylvie Patry, curatrice della mostra di Parigi. Parafrasa Renoir: "Si sviluppa il desiderio di diventare un artista di fronte ai dipinti, non all'aperto di fronte a splendidi paesaggi".

Curiosamente, sebbene l'opinione degli esperti si rivolterebbe contro le sue opere successive, alcuni collezionisti, in particolare l'inventore di Filadelfia Albert Barnes, acquistarono numerose tele e importanti artisti sostenevano gli sforzi di Renoir. "Nella sua vecchiaia, Renoir era considerato dai giovani artisti d'avanguardia come il più grande e importante artista moderno, insieme a Cézanne", afferma Einecke.

Prendi il suo dipinto Eurydice del 1895-1900. Basato su una posa classica, il nudo seduto è dotato di fianchi e cosce sproporzionatamente grandi contro un paesaggio mediterraneo ampiamente dipinto di tonalità verde pastello e viola. "È stata proprio questa libera interpretazione di un soggetto tradizionale, questo senso di libertà, che ha affascinato Picasso", afferma Patry. Eurydice era uno dei sette dipinti e disegni Renoir raccolti da Picasso e, aggiunge il curatore, fu probabilmente una fonte d'ispirazione per la sua tela del 1921 Seated Bather Drying Her Feet . (Nonostante i tentativi del presentatore Paul Rosenberg di Picasso di presentarli, i due artisti non si sono mai incontrati.) Einecke ricorda i suoi professori di storia dell'arte che hanno respinto Eurydice e nudi Renoir altrettanto monumentali come "ragazze pneumatiche, con pneumatici Michelin". Spera che gli spettatori di oggi li identificheranno con il modo classico che considerava tali figure come simboli di fecondità e le vedeva come precursori di nudi moderni fatti da Picasso e altri.

Anche l'abbraccio tardivo della tradizione di Renoir doveva molto stabilirsi dopo aver sposato una delle sue modelle, Aline Charigot, nel 1890. Il loro primo figlio, Pierre, era nato nel 1885; Jean lo seguì nel 1894 e Claude nel 1901. "A mio avviso, più importante delle teorie era il suo passaggio dall'essere scapolo ad essere sposato", scrisse Jean, il regista, nel suo affettuoso memoriale del Reno del 1962 , Padre Mio.

Jean e Claude Renoir furono messi in servizio come modelli fin dall'infanzia. Per un dipinto del 1895, Gabrielle Renard - la governante della famiglia e un modello frequente - ha cercato di intrattenere Jean di 1 anno mentre il bambino malizioso giocava con animali giocattolo. "Dipingere Gabrielle e Jean non era esattamente un peccato", scherzò l'artista. Claude, che si è seduto per non meno di 90 opere, ha dovuto corrompere le promesse di un treno elettrico e una scatola di colori ad olio prima di indossare un paio di collant odiati per Il pagliaccio, il saluto di suo padre ai primi anni di Jean-Antoine Watteau Pierrot, capolavoro del XVIII secolo. (Anni dopo, Picasso dipinse suo figlio Paulo come Pierrot, anche se quell'opera non è nella mostra attuale.)

I ritratti successivi di Renoir fanno ben poco per analizzare la personalità della modella. Ciò che più gli interessava era la tecnica, in particolare quella di Rubens, la cui abilità con i pigmenti aveva ammirato. "Guarda Rubens a Monaco di Baviera", ha detto al critico d'arte Walter Pach. "C'è un colore magnifico, di una ricchezza straordinaria, anche se la vernice è molto sottile."

Renoir stava anche diventando meno interessato a rappresentare la realtà. "È difficile trovare esattamente il punto in cui un dipinto deve smettere di essere un'imitazione della natura", ha detto alla fine della sua vita al pittore Albert André, di cui è stato mentore. Il ritratto di Renoir del 1910 di Madame Josse Bernheim-Jeune e suo figlio Henry presenta una madre inespressiva che tiene in braccio il suo bambino altrettanto inespressivo. Quando fece appello ad Auguste Rodin per convincere Renoir a rendere il suo braccio più magro, lo scultore invece consigliò al pittore di non alterare nulla. "È il braccio migliore" che tu abbia mai fatto, gli disse Rodin. Lo lasciò solo.

Renoir, un personaggio socievole con un forte senso dell'umorismo, gestiva una famiglia vivace con sua moglie nel quartiere parigino di Montmartre. Claude Monet e i poeti Stéphane Mallarmé e Arthur Rimbaud erano tra gli ospiti della cena.

Diagnosi di artrite reumatoide nel 1897, Renoir seguì la raccomandazione del suo medico di trascorrere del tempo nel clima più caldo del sud della Francia. Ha acquistato la fattoria Les Collettes a Cagnes-sur-Mer nel 1907. La malattia di Renoir avrebbe lentamente paralizzato le sue mani e, in definitiva, le sue gambe, ma la "minaccia di una completa paralisi lo ha spinto a rinnovare l'attività", ha ricordato Jean Renoir. "Anche mentre il suo corpo stava andando in declino", ha scritto Matisse, "la sua anima sembrava diventare più forte e esprimersi con una struttura più radiosa."

Nel 1912, quando Renoir era su una sedia a rotelle, gli amici arruolarono uno specialista di Vienna per aiutarlo a camminare di nuovo. Dopo circa un mese di dieta rafforzante, si sentì abbastanza robusto da provare alcuni passaggi. Il dottore lo sollevò in una posizione eretta e l'artista, con un enorme sforzo di volontà, riuscì a oscillare instabile attorno al suo cavalletto. "Mi arrendo", ha detto. “Ci vuole tutta la mia forza di volontà e non mi rimarrebbe nessuno per dipingere. Se devo scegliere tra camminare e dipingere, preferirei molto dipingere. "

E così fece. Nel 1913, annunciò che si stava avvicinando all'obiettivo che si era prefissato dopo il suo viaggio in Italia 32 anni prima. "Sto iniziando a sapere come dipingere", ha dichiarato l'artista di 72 anni. "Mi ci sono voluti più di 50 anni di lavoro per arrivare così lontano, e non è ancora finito." Una straordinaria clip di film muto di tre minuti nella mostra lo cattura al lavoro nel 1915. Renoir afferra il pennello quasi dritto nella sua stretta, pugno bendato e colpi alla tela. Si appoggia indietro, inclina un occhio per scrutare il dipinto, quindi lo attacca di nuovo prima di posare il pennello sulla sua tavolozza.

Non avrebbe potuto essere un momento facile: i suoi due figli maggiori erano stati feriti all'inizio della prima guerra mondiale e sua moglie morì quel giugno. Mentre milioni di persone morivano nelle trincee, a Cagnes, Renoir costruì un'Arcadia, rifugiandosi in soggetti senza tempo. "I suoi nudi e le sue rose hanno dichiarato agli uomini di questo secolo, già nel profondo del loro compito di distruzione, la stabilità dell'eterno equilibrio della natura", ha ricordato Jean Renoir.

Auguste Renoir ha lavorato fino al giorno della sua morte, il 3 dicembre 1919. All'epoca, i suoi studi contenevano più di 700 dipinti (la sua durata complessiva era di circa 4.000). Per dipingere uno dei suoi ultimi sforzi, The Bathers, dal 1918-19, aveva fatto posizionare la tela su rulli verticali che gli permettevano di rimanere seduto mentre lavorava in più fasi. "È un quadro inquietante", dice Patry. Le due ninfe carnose in primo piano sono "molto belle e aggraziate", dice, mentre il paesaggio di sfondo "ricorda un arazzo artificiale".

Matisse lo unse come il capolavoro di Renoir, "una delle immagini più belle mai dipinte". Durante una delle sue visite a Cagnes, aveva chiesto al suo amico: perché torturarti?

"Il dolore passa, Matisse", rispose Renoir, "ma la bellezza persiste."

Il collaboratore di lunga data Richard Covington scrive di arte, storia e cultura dalla sua casa vicino a Parigi.

Pierre-Auguste Renoir (nel 1915) trattava i soggetti classici con un "senso di libertà", afferma la curatrice Sylvie Patry. (Hulton Archive / Getty Images)

Picasso, un ammiratore, acquistò Eurydice di Renoir (1895-1900), che influenzò il suo lavoro. Ma un esperto afferma che "il lavoro tardivo di Renoir è stato cancellato dalla storia dell'arte". (Musée Picasso, Parigi / Bridgeman Art Library International)

The White Pierrot, c. 1901-2, Renoir. (The Detroit Institute of Arts, lascito di Robert H. Tannahill, foto © 2009 The Detroit Institute of Arts, USA / lascito di Robert H. Tannahill / Bridgeman Giraudon)

La casa di Renoir a Cagnes-sur-Mer, nel sud della Francia, fu fonte d'ispirazione ( The Farm at Les Collettes, 1914). (Il lascito di Charlotte Gina Abrams, in memoria di suo marito, Lucien Abrams, 1961 / Metropolitan Museum of Art, New York)

Renoir ha affermato di aver lottato "per trovare esattamente il punto in cui un dipinto deve smettere di essere un'imitazione della natura". The Clown (1909) ha reso omaggio a Watteau. (Museo dell'Orangerie, Parigi, Foto © 2009 Museo dell'Orangerie, Parigi / RMN, di Franck Raux)

Jean come cacciatore, 1910, Renoir. (Museo d'Arte della Contea di Los Angeles, Dono attraverso la generosità del compianto Mr. Jean Renoir e Madame Dido Renoir, Foto © 2009 Museum Associates / LACMA)

Autoritratto con cappello bianco, 1910, Renoir. (Collezione privata per gentile concessione della Galerie Durand-Ruel, Parigi, Foto per gentile concessione della Galerie Durand-Ruel, Parigi / akg-images)

Il ritratto di Renoir di Madame Josse Bernheim-Jeune e del figlio (1910) fece piacere a Renoir ma non a lei. (Musée d'Orsay, Parigi / Giraudon / Bridgeman Art Library International)

"Non morirò prima di dare il meglio di me stesso", ha detto Renoir mentre dipinge The Bathers (1918-1919). Era il suo ultimo lavoro importante. (Musée d'Orsay, Parigi / Bridgeman Art Library International)