L'artista Jeffrey Gibson, un membro mezzo cherokee della banda di indiani Choctaw del Mississippi, adotta un approccio multidisciplinare al suo lavoro: è pittore, scultore, fotografo e performer. La sua opera è un abile mashup che sfida il suo pubblico a mettere in discussione ipotesi culturali e politiche. Per il suo materiale, estrae la sua eredità di nativi americani, la sua esplorazione giovanile della sottocultura di un night club e la sua educazione globale in Corea, Germania, Inghilterra e altri paesi in cui ha vissuto crescendo. Si può dire che la sua enfasi artistica sia un abbraccio collaborativo di identità emarginate, anticonformisti e outsider sociali.

Gibson risuona particolarmente in questo momento. Le sue opere d'arte sono stratificate sia nella storia della cancellazione culturale del paese sia nel suo attuale clima di politica divisiva.

"Man mano che i tempi sono diventati sempre più politici, le persone hanno iniziato a proiettare più politicità nel lavoro", osserva Gibson, la cui opera d'arte più riconosciuta è una serie di sacchi da boxe Everlast riproposti decorati con ricami, perline di vetro multicolore, frange di nylon fluorescente, jingle di metallo ed etichettato con testi di canzoni pop. "E poi sto quasi rispondendo", dice. "Perché mi sto godendo la conversazione."

Che si tratti di dipinti geometrici di acrilico e grafite su pelle grezza o di splendidi arazzi a motivi geometrici, ispirati alla trapuntatura tradizionale e una narrativa artigianale indigena, la facilità di Gibson attraverso i mezzi riflette una profonda comprensione dell'astrazione formale. Tra le sue influenze vi sono i modernisti americani ed europei, come Sol Lewitt, Josef Albers e Bridget Riley. Il suo lavoro incorpora materiali come la pelliccia di capra e la pelle di cervo, nonché, più recentemente, i mestieri della puntura di betulla algonchina e le piume d'oca istrice, praticate dalle tribù molto prima dell'arrivo dei coloni europei.

I problemi di colonizzazione - sia all'interno delle mura del museo che oltre - non si allontanano mai molto dalla mente di Gibson. Nella sua storia americana del 2015 , una parete multicolore sospesa, ha incorporato il testo: "La storia americana è più lunga, più grande, più bella e più terribile di qualsiasi cosa qualcuno abbia mai detto al riguardo".

Nato a Colorado Springs, Gibson, 47 anni, figlio di un ingegnere del Dipartimento della Difesa americano, racconta di essersi trasferito ogni due o tre anni durante l'infanzia, scendendo nella Carolina del Nord, nel New Jersey, in Germania e in Corea. Educato all'Art Institute of Chicago e al Royal College of Art di Londra, Gibson ha studiato pittura dappertutto. Ma cita la cultura punk e rave della scena da club che ha interpretato mentre era un adolescente e un ventenne altrettanto influente per il suo talento artistico quanto la sua formazione formale. "Guardando indietro alla musica che veniva suonata alla fine degli anni '80 e '90, quello con cui stavamo ballando in modo celebrativo era spesso un grido di aiuto, parlando esplicitamente dell'HIV in alcuni di quei testi", spiega Gibson. “Ma ho capito che c'era una ragione per cui quella musica mi parlava. Mi ha parlato di un giovane, strano, non bianco. "

Demian DinéYazhi, No. 3 di Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Demian DinéYazhi, No. 4 di Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Emily Johnson, n. 1 di Jeffrey Gibson, 2019 (per gentile concessione dell'artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Emily Johnson, n. 4 di Jeffrey Gibson, 2019 (per gentile concessione dell'artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Jackson Polys, n. 1 di Jeffrey Gibson, 2019 (per gentile concessione dell'artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Laura Ortman, n. 1 di Jeffrey Gibson, 2019 (per gentile concessione dell'artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Regan de Loggans, No. 1 di Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Roxy Romero, n. 2 di Jeffrey Gibbons, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects) Roxy Romero, n. 3 di Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta e Roberts Projects)

Questa settimana, Gibson porta quel discorso alla National Portrait Gallery dello Smithsonian a Washington, DC, con la sua coreografia multimediale, intitolata "To Name An Other". L'esibizione include tamburi e 50 partecipanti, che si identificano come indigeni, nativi americani, LGBTQ, o come persone di colore, allestite negli elaborati capi fatti a mano di Gibson.

È l'ultima iterazione della serie "Identify" del museo. "Stiamo aprendo ciò che può essere un ritratto", afferma Dorothy Moss del museo, che è curatore di pittura e scultura, nonché il direttore di Identify.

Gibson è perfetto per essere il decimo artista “Identify” su commissione, unendosi ad altri come il famoso James Luna, Martha McDonald, JJ McCracken, María Magdalena Campos-Pons e Wilmer Wilson. Lo scopo del progetto è far luce sulle lacune nella prima raccolta del museo, riconoscendo quelle persone che mancano, afferma Moss. Mentre i musei degli Stati Uniti affrontano squilibri istituzionali di vecchia data, "Identify" affronta l'assenza razziale nell'arte e nella storia americana attraverso l'obiettivo della performance.

"Spero davvero che il lavoro di Gibson dia voce a coloro che si sono sentiti in silenzio durante questo momento politico", spiega Moss dei 50 interpreti volontari, così come il testo che Gibson incorpora nella performance. Gli abiti dai colori vivaci di Gibson per ciascuno dei partecipanti sono abbinati a slogan stampati in digitale come: "Combattono per l'acqua pulita;" "Potenti perché sono diversi;" "Il loro voto conta;" "Parlano la loro lingua;" "Identificano Mentre lei "e" La loro pelle scura fa luce ".

L'uso strategico del testo è un segno distintivo dell'estetica di Gibson e ricorda le opere di Jenny Holzer e dell'attivista per l'HIV-AIDS David McDiarmid.

"Sta permettendo alle persone di essere visibili, che si sono sentite inaudite e vulnerabili nel nostro clima attuale", afferma Moss.

L'uso da parte di Gibson di perline native, artigianato ispirato alla trapunta e slogan di protesta è stato riconosciuto per aver spinto l'arte contemporanea e il dialogo sociale in avanti. Ma la sua creazione del suo primo sacco da boxe iridescente, l' Everlast del 2011, è stata un'esperienza profondamente personale. Gibson ricorda, un amorfo senso di frustrazione - che si chiedeva se voleva anche essere un artista - durante la terapia raccomandata dal medico. "Alla fine della prima sessione, c'erano molti problemi riguardanti il ​​classicismo, il razzismo, l'omofobia, molto specifici per il mondo dell'arte in un modo che era chiaramente la radice delle mie frustrazioni", dice. "Lavorare con quel terapista ha portato a un allenatore fisico e poi alla boxe, come un modo per riunire la mia mente e il mio corpo e per cercare di unificare quelle cose che mi sono sembrate molto disgiunte."

Per la biennale di Whitney di quest'anno, Gibson ha appeso Keep on Moving (2019), una bandiera murale trapuntata prominente nella hall del museo, sopra i biglietterie, con la dichiarazione: “Grazie per lo spazio che hai. Sappi che sei amato. Continua a muoverti. Non fermarti. "

I visitatori si trovano di fronte alla posizione di rilievo dell'opera d'arte mentre attendono dai 5 ai 20 minuti necessari per acquistare i loro biglietti d'ingresso. "Si tratta di dire ciò che penso debba essere detto e qual è la cosa giusta da fare", afferma Gibson. "Penso che sarebbe stato irresponsabile per me non esprimere alcune cose con una piattaforma così grande come questa."

Fedele al lessico visivo di Gibson, l'artista coglie l'occasione per potenziare gli spettatori. La co-curatrice e storica dell'arte della Whitney Biennial Jane Panetta afferma che il testo di Gibson - una potente fusione di arte e linguaggio - è tanto una protesta contro l'ingiustizia contemporanea , quanto una dichiarazione di forza contro la disuguaglianza e il pregiudizio. "Mentre è sempre alle prese con problemi difficili sulla sua stranezza, sul suo essere un artista indigeno", dice Panetta, "ha sempre cercato di chiedere, come posso affrontare questi problemi, ma pensare a una voce positiva, una voce produttiva".

Questo mese a New York City, sia il New Museum, dove Gibson è stato un artista residente la scorsa primavera, sia il Whitney Museum of American Art stanno mostrando le opere simili a capi di Gibson. Per la sua presentazione dell'8 giugno di “To Name An Other”, che si terrà al New Museum, gli artisti animeranno nuovamente i suoi tessuti attraverso la batteria, la processione e il movimento per segnare la chiusura della residenza di Gibson. Riferendosi al suo profondo interesse per le questioni di appropriazione e narrativa dei conflitti, Gibson ha intitolato il lavoro finale del suo programma di residenza al Nuovo Museo, L'effetto antropofagico, dopo il "Manifesto antropofagico" del poeta Oswald de Andrade del 1928, un saggio su come le comunità dovrebbero "divorare "O cannibalizzare la cultura di un colonizzatore per respingere il dominio. Il lavoro comprende quattro dei suoi capi accanto ai vestiti Choctaw e Cherokee e una vasta gamma di materiali da perle di plastica, nastri di nylon, anelli di tenuta in ottone, zucche di pere secche e cestini.

Esplorando sempre nuove storie di artigianato indigeno, durante la sua residenza nel Nuovo Museo, Gibson iniziò, ad esempio, la tessitura del cesto di canna da fiume del sud-est. "Jeffrey è qualcuno che è davvero interessato a come le diverse forme culturali siano costantemente, toccandosi sempre l'una con l'altra", afferma la curatrice associata del New Museum Sara O'Keeffe. "Una gran parte degli indumenti che Jeffrey ha realizzato negli ultimi anni è di pensare a loro attivati ​​e non semplicemente mostrati come manufatti nei musei di tutto il paese."

"Identify: Performance Art as Portraiture — Jeffrey Gibson: To Name An Other" si svolge il 22 maggio 2019 alle 17:00 presso la National Portrait Gallery dello Smithsonian a Washington, DC