Quando le persone dicono che qualcuno “vive” davvero la sua arte, possono voler dire che prende il suo lavoro molto sul serio. Ma per quasi tre mesi, la vita di Linn Meyers consisteva davvero nella sua arte - non faceva quasi altro. Trascorreva ben 11 ore al giorno nel secondo piano circolare del Museo Hirshhorn dello Smithsonian, disegnando sulle pareti. Che potrebbe sembrare un gioco da ragazzi, ma sicuramente non lo è.
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Meyers ha usato una combinazione di massima precisione e completa possibilità per creare Our View From Here, un disegno di grandi dimensioni che affascina i suoi spettatori. Il suo lavoro, che riempie 400 piedi lineari di spazio nel muro del museo, è in mostra fino al 14 maggio 2017 e fa parte di un recente sforzo per utilizzare nuovi spazi all'interno dell'Hirshhorn.
Il museo è stato aperto per buona parte del tempo in cui ha lavorato al pezzo e ha affascinato i visitatori restando a bocca aperta mentre applicava il suo strumento scelto - una specie di marcatore spesso preferito dagli artisti dei graffiti - alle pareti, che erano dipinte in due colori neutri toni. Sebbene si attenga a un solo colore, l'effetto è tutt'altro che monotono. Le linee sinuose formano onde e motivi che si spiegano lungo le pareti del museo, quasi sembrando muoversi. Come afferma la curatrice della mostra Stéphane Aquin, “Balla insieme all'edificio. La sua arte si fonde magnificamente con l'architettura. Rivela il movimento inerente all'edificio. "
Meyers, un'artista con sede a Washington, DC, crea sia singole opere d'arte nel suo studio sia installazioni site specific come quella dell'Hirshhorn (altre installazioni sono state esposte all'Hammer Museum di Los Angeles e alla Phillips Collection di Washington, DC). Meyers spiega che quando crea un pezzo in un particolare ambiente, deve naturalmente prestare attenzione all'edificio, allo spazio che ospiterà il suo lavoro: “Una delle prime domande che mi pongo è: 'Come posso avvicinarmi al stranezze dell'architettura? ”
La principale "stranezza" nella Hirshhorn a forma di ciambella è che i visitatori del museo, gli spettatori dell'installazione di Meyers, seguiranno la passerella circolare interna. "Lo spazio mi ha richiesto di creare un pezzo che avvolgesse lo spazio, attorno a quel percorso che i visitatori percorrono attraverso il museo", spiega.
Meyers ha usato una combinazione di massima precisione e completa possibilità per creare la nostra vista da qui . (Museo Hirshhorn e giardino delle sculture) “E poi ci sono interruzioni nello spazio: porte, ingressi alle gallerie. Nello spazio o nell'architettura preesistenti, c'è sempre qualcosa che diventa una sfida. Non lo dico in modo negativo. Una sfida può provocare un nuovo approccio al modo in cui un pezzo si evolverebbe. Quindi, in questo caso, è il modo in cui il cerchio della galleria è diviso in otto parti. E quelle aperture non sono sempre aperte. A volte lo spazio viene modificato per una mostra e parte dello spazio viene chiuso. Il mio pezzo si sovrapporrà con tre diversi spettacoli e lo spazio cambierà per ogni spettacolo. Ho dovuto pensarci. Questo è nuovo Non ho mai avuto uno spazio dinamico per la galleria prima d'ora. ”
Il primo passo di Meyers è stato quello di creare disegni preparatori, fatti su una scala di un quarto di pollice. Successivamente, il personale di Hirshhorn ha utilizzato il software CAD (Computer Assisted Design) per tracciare una struttura, i cerchi dai disegni di Meyers, direttamente sulle pareti del museo. La Meyers ha quindi iniziato a lavorare con la sua penna per graffiti a marchio Molotow, lasciando la sua mano dove sarebbe andata. È qui che arrivano le possibilità e le coincidenze.
"Tutto il movimento che vedi in quei disegni è solo il risultato del processo", spiega. “Si evolve, le linee non sono pianificate. Ma le composizioni sono programmate. Questa è una commedia tra il previsto e il non intenzionale. La geometria è stata precedentemente tracciata nel mio lavoro preparatorio. Quando avrei iniziato una sezione, avrei tracciato un cerchio. Questo è il piano, l'inteso. Seguendo quel punto, ogni linea risponde alla linea che la precede: una sorta di entropia, al di fuori del mio controllo. Quindi: sia previsto che non previsto. Una bella metafora della vita! ”
Meyers ha usato un pennarello spesso, preferito dagli artisti dei graffiti, per coprire le pareti in due tonalità neutre. (Museo Hirshhorn e giardino delle sculture) Il colore scelto da Meyers per questo progetto era un grigio-blu chiamato grigio di Payne. Poiché l'artista ha diluito il colore in diversi gradi, è stata in grado di ottenere diverse densità di colore durante il lavoro.
Mentre gli spettatori camminano intorno alla rotonda, possono vedere che la linea del marcatore a volte è così debole che è solo un sussurro, mentre altre volte si ispessisce in una macchia, e ancora altrove, c'è un effetto chiazzato. In alcune parti dell'installazione, vi è una grande quantità di spazio sul muro che è stato lasciato non disegnato, ma altre sezioni sono piene di linee ondulate affollate.
Meyers si rese conto che le prime sezioni che faceva erano il risultato di tutta l'energia che aveva accumulato mentre pensava e pianificava il progetto: “I primi due muri che ho fatto sono diversi dall'ultimo paio di muri. All'inizio non vedevo l'ora di andare: tutti quei mesi di preparazione e anticipazione. Il segno è più aggressivo. In un certo senso ho attaccato i muri! ”Ma alla fine, quando ha permesso a più muri di rimanere vuoti, nota“ una specie di leggerezza ”.
"La sua arte si fonde magnificamente con l'architettura", afferma il curatore Stéphane Aquin. (Museo Hirshhorn e giardino delle sculture) A causa delle dimensioni circolari della rotonda, gli spettatori non sono in grado di vedere l'intero pezzo in una volta. Semplicemente non è possibile. E questo influenza il modo in cui percepiscono il lavoro. È stato lo stesso per Meyers. “Ho avuto questa visione di come sarebbe stata l'intera cosa, ma non è come nello studio in cui il mio occhio può passare avanti e indietro su un pezzo. In studio, realizzo discrete opere d'arte e puoi stare di fronte a loro. Con questo, fisicamente non puoi. Potevo vedere la sezione che avevo finito, per esempio, ma non la sezione su cui stavo lavorando. Non puoi vederne nemmeno un quarto alla volta, in un posto solo. ”
Un'impresa così gigantesca richiedeva una concentrazione mastodontica. Meyers, che di solito va nel suo studio ogni giorno e lavora su più pezzi contemporaneamente, non ha fatto nessuno dei due.
"È stato il tempo più lungo che sono stato lontano dal mio studio", dice. “Non ho fatto nient'altro. È stato bello. Quel modo frenetico in cui esistiamo nel tempo - dai social media al rialzo e alla spesa per essere al telefono - è solo il modo in cui viviamo. Ma con questo, concentrarsi su una cosa: è stato meraviglioso vedere progressi ogni giorno. Per ore, non sollevando davvero la testa. ”Mentre lavorava nel museo nel suo stato iper-concentrato, il personale del museo o il curatore Stéphane Aquin si avvicinavano a lei, provavano a parlarle e non le notava nemmeno. “Sarei solo così concentrato. Ho dovuto mettere i miei paraocchi. È qualcosa che non possiamo fare. "
Forse perché la fotografia di Meyer è esposta presso la reception del museo o forse a causa della silenziosa autorità che trasuda durante l'installazione completata, gli spettatori sentono che è l'artista. Vogliono parlare, complimentarmi con lei, farle domande, persino posare per le foto del telefono. Meyers afferra per spiegare la sua nuova mini-celebrità. “C'è un elemento di mistero in ciò che accade nello studio, da dove proviene il lavoro. Non che io possa distillare tutti quegli elementi per le persone, ma possono vedere quanto sia semplice: solo io che disegno una linea e poi ne traccia un'altra. ”
"Linn Meyers: Our View From Here" è in mostra all'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden fino al 14 maggio 2017 a Washington, DC Linn Meyers parlerà del suo lavoro nell'ambito della serie Meet the Artist di Hirshhorn mercoledì, maggio 25, alle 6:30 nell'auditorium del museo. È gratuito e aperto al pubblico.
AGGIORNAMENTO 25/05/2016: Una versione precedente di questa storia indicava che era l'artista a lavorare con un programma CAD. Lei no. Il personale del museo ha utilizzato questo processo. Ci dispiace per l'errore.
