Le sue battaglie, i suoi generali, le sue durature implicazioni politiche sono per lo più un territorio abbastanza familiare, ma l'arte della guerra civile è un'altra storia. Nel mezzo di un anniversario sesquicentennale, il paese torna a quel momento decisivo con mostre, libri e film, incluso l'attuale film di successo Lincoln del regista Steven Spielberg.
Ma ci è voluta la decisa determinazione del curatore Eleanor Jones Harvey per riunire una mostra unica piena di borse di studio originali che traccia come il modo in cui la guerra è stata rappresentata nell'arte prima, durante e dopo e come quella guerra ha cambiato per sempre le stesse categorie di dipinti di paesaggi e generi o scene di vita quotidiana, così come la fotografia in America. La mostra "La guerra civile e l'arte americana" dell'American Art Museum mostra come gli artisti americani e il pubblico più vasto hanno lottato con una guerra che ha spezzato la giovane identità di un paese.
Secondo Harvey, è stato a lungo ipotizzato che i grandi artisti del paesaggio "abbiano preso un passaggio" sulla Guerra Civile, cercando di non imbrattare i loro dipinti incontaminati con i problemi della guerra. Ma, dice, si è verificato l'esatto contrario.
Il suo primo indizio venne mentre leggeva le riviste di due soldati del Texas che descrivevano la scena di una sanguinosa vittoria confederata come un paesaggio metaforico di fiori di campo, coperto di rosso. Da lì, dice, allusioni simili al tempo e al paesaggio erano facili da individuare su giornali, poesie, sermoni e canzoni. Il parlare di una tempesta in arrivo ha riempito i banchi e gli opuscoli del paese negli anni che hanno preceduto la guerra.
La Meteora del 1860 di Frederic Edwin Church prefigurava la preoccupazione del pubblico per una guerra imminente. 1860, olio. (Per gentile concessione della collezione della signora Judith Filenbaum Hernstadt) Uno straordinario evento meteorologico nel 1860 ispirò "Year of Meteors" di Walt Whitman, che faceva riferimento sia al raid di John Brown che alla presidenza di Lincoln. Il pubblico non poteva fare a meno di leggere i cieli per i segni di guerra. Harvey afferma che alcuni si sono anche preoccupati del fatto che la meteora, passata come una processione su Manhattan, potrebbe essere una nuova tecnologia militare del sud. Aggiunge che quando i telespettatori videro per la prima volta i cieli oscuri di presagio di Meteor della Chiesa di Frederic Edwin del 1860, l'ansia per la guerra in corso fu scritta in grande.
Tempeste, eventi celesti e persino eruzioni vulcaniche mescolate a metafora religiosa hanno informato la conversazione del giorno. "Questa immagine ha trovato la sua strada nella pittura di paesaggio in un modo immediatamente riconoscibile per la maggior parte degli spettatori", scrive Harvey in un recente articolo. "Le più potenti di queste opere d'arte sono state accusate di metafora e complessità stratificata che le ha elevate all'equivalente americano dei dipinti di storia di grande stile".
Le tempeste erano una frequente metafora del conflitto, sia prima che durante. Sanford Gifford, A Coming Storm, 1863. (Per gentile concessione del Philadelphia Museum of Art: Gift of the McNeil Americana Collection) Tra le 75 opere in mostra - 57 dipinti e 18 fotografie d'epoca - sono notevolmente assenti le grandi rappresentazioni delle battaglie nella tradizione pittorica della storia. "Non c'è mercato per le immagini di americani che si uccidono a vicenda", afferma Harvey. Invece, gli artisti hanno usato dipinti di paesaggi come A Coming Storm di Sanford Gifford e dipinti di genere come Negro Life a sud di Eastman Johnson per venire incontro a difficoltà e dolori di cuore di quattro anni di guerra.
Attingendo a pezzi realizzati nel mezzo di un conflitto - anzi, molti artisti rappresentati nello spettacolo hanno trascorso del tempo sul fronte della battaglia - Harvey afferma di voler rispondere alla domanda “Cosa dipingi quando non sai come è la guerra andando? ”In altre parole, quale futuro pensava che l'America stesse aspettando alla fine della guerra.
Una famiglia fugge in incerta sicurezza. Eastman Johnson, A Ride for Liberty – The Fugitive Slaves, 2 marzo 1862, 1862. (Per gentile concessione del Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. La collezione Paul Mellon) Mentre i paesaggi epici della mostra si occupano di metafore, i dipinti di genere guardano più direttamente alla gerarchia sociale mutevole mentre le persone una volta ridotte in schiavitù ora negoziavano per una libertà duratura in una società irremovibile. Johnson A Ride for Liberty – The Fugitive Slaves, per esempio, il 2 marzo 1862, raffigura una giovane famiglia che presumibilmente fugge in libertà. Ma, sottolinea Harvey, Johnson ha dipinto questo mentre viaggiava con il generale dell'Unione George McClellan, che ha scelto di tornare indietro agli schiavi in fuga. "Vogliamo leggerle come immagini benigne", afferma Harvey, ma la realtà sul campo era tutt'altro.
Le scene di genere hanno guardato momenti locali ma hanno rivelato maggiori preoccupazioni. Winslow Homer, A Visit from the Old Mistress, 1876. (Per gentile concessione dello Smithsonian American Art Museum, Dono di William T. Evans) Winslow Homer ha anche parlato delle incertezze che molti hanno affrontato dopo la guerra. Nella sua pittura di genere, Una visita della vecchia padrona, l'artista cattura uno sguardo fisso tra un ex proprietario di schiavi e le donne che una volta erano considerate di sua proprietà. Harvey afferma di aver visto i visitatori della mostra entrare per dare un'occhiata più da vicino e rimanere intrappolati nello standoff raffigurato, facendo un passo indietro a disagio. Non c'è amore condiviso tra le donne, nessuna speranza per il mito ormai morto che forse gli schiavi erano, in qualche modo, parte delle famiglie che servivano.
Una pausa nel cotone offre una via d'uscita provvisoria per una delle donne, ma non per l'altra. Winslow Homer, The Cotton Pickers, 1876. (Per gentile concessione del Los Angeles County Museum of Art) Ma per i neo-liberati e altri, i campi stavano ancora aspettando. The Cotton Pickers e The Veteran in a New Field, sempre di Homer, mostrano il lavoro di rottura che ancora caratterizzava la vita dopo la guerra. Il veterano solitario, per esempio, ci da le spalle, i suoi piedi sepolti. "Tutto ciò che può fare è tenere giù le cose", dice Harvey.
Un veterano ritorna dopo la guerra. Winslow Homer, The Veteran in a New Field, 1865. (Per gentile concessione del Metropolitan Museum of Art, Dono della signora Frank B. Porter) Un'ultima galleria di paesaggi riporta i visitatori alle metafore presentate in precedenza. Questa volta, gli artisti riprendono l'idea dell'America come un nuovo Eden e il tentativo di trovare ancora una volta una narrativa redentrice nella terra. Chiudendo con Looking Down Yosemite Valley, California, di Albert Bierstadt , la mostra non termina a nord o a sud, ma guarda ad ovest. Il fallimento della ricostruzione doveva ancora arrivare. Ma in Occidente, l'America sperava di aver trovato un'altra possibilità in Paradiso.
Un paesaggio privo di interferenze umane ha segnato una via d'uscita. Albert Bierstadt, guardando verso il basso sulla Yosemite Valley, California, 1865. (Per gentile concessione del Birmingham Museum of Art) La realizzazione di Harvey ha, in una singola mostra, sciolto la Guerra Civile dalla giacca dritta di una narrativa provata e certa e ci ha riportato all'incerto precipizio della sua promessa.
"La guerra civile e l'arte americana" aprirà il 16 novembre e durerà fino al 28 aprile 2013 prima di dirigersi al Metropolitan Museum of Art di New York City.
