Dal periodo di massimo splendore del Rinascimento, fino al periodo impressionista e all'inizio del XX secolo, l'arte è stata tanto uno sforzo competitivo quanto creativo.
In Italia durante il XV secolo, in un sorprendente sconvolgimento contro il favorito architetto e artista Filippo Brunelleschi, Lorenzo Ghiberti vinse una delle più influenti competizioni artistiche del suo tempo: l'incarico di progettare una serie di porte in bronzo per il Battistero fiorentino. Le porte di Ghiberti, le "Porte del Paradiso", come furono conosciute, avrebbero servito come una delle influenze chiave per artisti successivi come Donatello e Michelangelo.
Sotto la rigorosa tutela dell'École Nationale Supérieure des Beaux-arts di Parigi, artisti come Renoir, Degas, David e Monet hanno affinato le loro abilità solo attraverso prove di abilità. Gli studenti hanno gareggiato per il Grand Prix de Rome, una borsa di studio che avrebbe assicurato un posto all'Accademia di Francia a Roma, e prodotto lungo il percorso capolavoro dopo capolavoro.
Un recente post sulle competizioni di design su Aesthetic Grounds lo ha inavvertitamente ricordato. Mentre i concorsi di architettura e design prosperano (sarò generoso), il numero di concorsi di arte visiva è diminuito in modo significativo. L'unico che mi è stato possibile ricordare era quello recentemente sponsorizzato dalla National Portrait Gallery dello Smithsonian (nessuna spina prevista).
C'è stato un tempo in cui gli artisti si preoccupavano abbastanza del loro lavoro per mettere in mostra pubblicamente le loro cose e la società si interessava abbastanza all'arte da offrire loro un forum per farlo. Oggi lo spirito combattivo dell'arte è in disparte, a scapito sia degli artisti che della loro produzione. Perché se il rispetto reciproco e l'amore per l'arte non sono stati in grado di riunire il mondo dell'arte fratturato, una piccola competizione amichevole potrebbe fare il trucco.
